Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
25. April 2024

Rownak Bose im Gespräch mit Barbara Liebster

Licht sammeln / Gathering Light
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
17. April 2024

Licht sammeln
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

Museum für Gestaltung | Zürich
11. April 2024

Oliviero Toscani: Fotografie und Provokation

Seine Bilder erregen Aufsehen, erschüttern und empören: Oliviero Toscani hat als Fotograf, Creative Director und Bildredaktor Geschichte geschrieben und die Werbekommunikation auf den Kopf gestellt. Berühmt wurde Toscani durch Kampagnen für das italienische Modehaus Benetton, die ebenso ikonisch wie umstritten sind. Nach seiner Ausbildung an der Zürcher Kunstgewerbeschule tauchte Toscani in New York in die «Street Photography» ein und wurde Teil der legendären Factory von Andy Warhol. In Europa etablierte er sich als Werbe- und Modefotograf, der die visuelle Provokation zu seinem Markenzeichen machte. Die Ausstellung umfasst Toscanis gesamtes Werk und gibt Anlass, gesellschaftliche Konventionen und aktuelle Themen wie Gender, Rassismus, Ethik und Ästhetik zu diskutieren.

Ses photographies font sensation, bouleversent et indignent : photographe, directeur créatif et rédacteur photo, Oliviero Toscani a écrit l’histoire et révolutionné la communication publicitaire. Il doit sa célébrité à ses campagnes pour la maison de mode italienne Benetton, qui sont tout aussi cultes que controversées. Après une formation à la Kunstgewerbeschule de Zurich (École d’arts appliqués), Toscani s’immerge dans la photographie de rue à New York et rejoint la légendaire Factory d’Andy Warhol. En Europe, il se fait un nom comme photographe de mode et de publicité. La provocation visuelle devient sa marque de fabrique. L’exposition, qui parcourt l’intégralité de l’œuvre de Toscani, donne l’occasion de discuter de conventions sociales et de sujets d’actualité, tels que le genre, le racisme, l’éthique et l’esthétique.

Le sue immagini suscitano scalpore, shock e indignazione: Oliviero Toscani ha fatto la storia come fotografo, direttore creativo e picture editor e ha stravolto la comunicazione pubblicitaria. Toscani è diventato famoso per le sue campagne per la casa di moda italiana Benetton, tanto iconiche quanto controverse. Dopo essersi formato alla Scuola di Arti Applicate di Zurigo, Toscani si è immerso nella fotografia di strada a New York ed è entrato a far parte della leggendaria Factory di Andy Warhol. In Europa si è affermato come fotografo pubblicitario e di moda che ha fatto della provocazione visiva il suo marchio di fabbrica. La mostra comprende l'intera opera di Toscani e offre l'opportunità di discutere le convenzioni sociali e le questioni attuali come il genere, il razzismo, l'etica e l'estetica.

His images are arresting, disturbing, outrageous. As a photographer, creative director, and image editor, Oliviero Toscani made history and revolutionized commercial communications. He first came to the public’s notice through his iconic and controversial campaigns for the Italian fashion brand Benetton. After training at the Kunstgewerbeschule Zürich, Toscani went first to New York, where he plunged into “street photography” and became part of Andy Warhol’s legendary “Factory.” Back in Europe, he established himself as a commercial and fashion photographer whose trademark was visual provocation. This exhibition covering Toscani’s entire oeuvre promises to prompt discussion of both social conventions and topical issues such as gender, racism, ethics, and aesthetics.

(Text: Museum für Gestaltung, Zürich)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
7. März 2024

Eco
Ester Vonplon

Lässt sich Schnee festhalten? Mit blossen Händen ist das kaum möglich. Die zarten Kristalle lösen sich in der warmen Hand auf und das zurückbleibende Wasser rinnt unaufhaltsam durch die Finger. Aus den Fotografien von Ester Vonplon schimmert stets eine gewisse Wehmut, die sich mit dem Verschwinden auseinandersetzt. Im Jahr 2014 betitelt sie eine Serie von Aufnahmen mit der melancholischen Frage: «Wohin geht all das Weiss, wenn der Schnee schmilzt».

Können wir die Zeit, den Lauf des Universums, aufhalten? Die Erde, unseren Lebensraum – können wir sie bewahren? «Wie viel Zeit bleibt der Endlichkeit», fragt die Künstlerin im Jahr 2016. Ester Vonplon reflektiert in ihren Fotoarbeiten die Essenz ihrer Technik, die Susan Sontag am treffendsten beschrieben hat: «Jede Fotografie ist eine Art memento mori. Fotografieren bedeutet teilnehmen an der Sterblichkeit, Verletzlichkeit und Wandelbarkeit anderer Menschen (oder Dinge)» (1977).

Mit dieser Zartheit des Festhalten-Wollens folgt Esther Vonplon der Natur, dem Schnee und dem Wald mit Kameras, die unterschiedliche Bildformate und Ausschnitte zulassen. Die Polaroid-Technik ermöglicht die Belichtung eines Papiers mit einer speziellen Fotoemulsion, auf dem bereits nach wenigen Sekunden ein Abdruck der Wirklichkeit erscheint. Das relativ sensible Filmmaterial reagiert dabei auf die vielfältigen Einflüsse der freien Natur – Feuchtigkeit oder unterschiedliche Temperaturen – und lässt Farbveränderungen oder kleine Risse in der Oberfläche entstehen.

Vonplon führt ihre Kameralinse entlang der faszinierenden Spuren von Schnee und Eis. Seien es die sanften Formen der Steine unter der Schneedecke, ähnlich kleiner Hügellandschaften, oder die geheimnisvollen eingeschlossene Luftblasen, Risse und Rillen. Auf beeindruckende Weise gelingt es ihr, eine Art Fotogramm von Schneeflocken zu erzeugen und verwandelt das Fotopapier in ein letztes Zeugnis des Schnees. Dabei oszilliert Vonplon zwischen filigranen Details wie Eiskristallen, Pflanzen oder Wassertropfen und majestätischen Eisbrüchen, Gletschern oder endlosen Weite des Himmels. Während die Aufnahmen des tief verschneiten Waldes unweit ihres Wohnortes Castrisch im Tal des Vorderrheins eine beinahe intime Nähe vermitteln und das Gefühl des Eingeschlossen-Seins hervorrufen, entfalten ihre Filmaufnahmen der arktischen Gletscher eine fast überwältigende Weite. Das Eis strahlt in seiner Leuchtkraft, Transparenz und zarten Anmut, das Licht erscheint magisch und surreal. Vonplon verleiht dem Licht eine besondere Bedeutung, wenn sie von den für unsere Augen aussergewöhnlichen Lichtwirkungen berichtet, die sie auf ihrer Arktisreise erlebt hat.

In Vonplons Fotografien erscheint die Natur wie durch einen Filter betrachtet, als stamme das Bild aus einer anderen Zeit oder aus einem Traum. Sind sie tatsächlich ein Abdruck der Wirklichkeit? Oder vielmehr nur ein Nachhall, ein Echo? Ein Gefühl einer Zwischenwelt entsteht, in der die Landschaft ihre greifbare Substanz zu verlieren scheint, vor unseren Augen verschwindet und sich auflöst wie der zarte Schnee in unserer Hand. Die Bilder sprechen von Verlust und zeigen uns das, was wir zu verlieren drohen.

Peut-on tenir la neige ? Ce n'est guère possible à mains nues. Les cristaux délicats se dissolvent dans la chaleur de la main et l'eau qui reste s'écoule inexorablement entre les doigts. Une certaine nostalgie transparaît toujours des photographies d'Ester Vonplon, qui se confronte à la disparition. En 2014, elle intitule une série de clichés de la question mélancolique suivante : "Où va tout ce blanc lorsque la neige fond".

Pouvons-nous arrêter le temps, le cours de l'univers ? La Terre, notre espace vital - pouvons-nous la préserver ? "Combien de temps reste-t-il à la finitude ?", s'interroge l'artiste en 2016. Ester Vonplon reflète dans ses travaux photographiques l'essence de sa technique, que Susan Sontag a décrite de la manière la plus pertinente : "Chaque photographie est une sorte de memento mori. Photographier, c'est participer à la mortalité, à la vulnérabilité et à la mutabilité d'autres personnes (ou choses)" (1977).

C'est avec cette délicatesse de vouloir retenir qu'Esther Vonplon suit la nature, la neige et la forêt avec des appareils photo qui permettent différents formats d'image et de cadrage. La technique du polaroïd permet d'exposer un papier avec une émulsion photographique spéciale, sur lequel une empreinte de la réalité apparaît déjà après quelques secondes. Le matériau du film, relativement sensible, réagit alors aux multiples influences de la nature libre - humidité ou températures différentes - et fait apparaître des changements de couleur ou de petites fissures à la surface.

Vonplon guide l'objectif de sa caméra le long des traces fascinantes laissées par la neige et la glace. Qu'il s'agisse des formes douces des pierres sous la couche de neige, semblables à de petits paysages vallonnés, ou des mystérieuses bulles d'air emprisonnées, des fissures et des rainures. De manière impressionnante, elle parvient à créer une sorte de photogramme de flocons de neige et transforme le papier photo en un dernier témoignage de la neige. Vonplon oscille entre des détails filigranes tels que des cristaux de glace, des plantes ou des gouttes d'eau et de majestueuses carrières de glace, des glaciers ou l'immensité du ciel. Alors que les prises de vue de la forêt profondément enneigée non loin de son domicile de Castrisch, dans la vallée du Rhin antérieur, donnent une impression de proximité presque intime et suscitent un sentiment d'enfermement, ses films sur les glaciers arctiques déploient une immensité presque écrasante. La glace rayonne de sa luminosité, de sa transparence et de sa grâce délicate, la lumière semble magique et surréaliste. Vonplon confère à la lumière une signification particulière lorsqu'elle évoque les effets lumineux extraordinaires pour nos yeux qu'elle a vécus lors de son voyage en Arctique.

Dans les photographies de Vonplon, la nature semble être vue à travers un filtre, comme si l'image provenait d'une autre époque ou d'un rêve. Sont-elles vraiment l'empreinte de la réalité ? Ou plutôt une réverbération, un écho ? Un sentiment d'entre-deux se dégage, où le paysage semble perdre sa substance tangible, disparaître sous nos yeux et se dissoudre comme la neige fragile dans notre main. Les images parlent de perte et nous montrent ce que nous risquons de perdre.

Riesci ad aggrapparti alla neve? È difficilmente possibile a mani nude. I delicati cristalli si dissolvono nella mano calda e l'acqua rimanente scorre inesorabilmente tra le dita. Le fotografie di Ester Vonplon sono sempre caratterizzate da una certa malinconia che ha a che fare con la scomparsa. Nel 2014 ha intitolato una serie di fotografie con una domanda malinconica: "Dove va tutto il bianco quando la neve si scioglie".

Possiamo fermare il tempo, il corso dell'universo? La terra, il nostro habitat, può essere preservato? "Nelle sue opere fotografiche, Ester Vonplon riflette l'essenza della sua tecnica, che Susan Sontag ha descritto nel modo più appropriato: "Ogni fotografia è una sorta di memento mori. Fotografare è partecipare alla mortalità, alla vulnerabilità e alla mutevolezza di altre persone (o cose)" (1977).

Con questa tenerezza di voler catturare, Esther Vonplon segue la natura, la neve e la foresta con macchine fotografiche che consentono diversi formati e sezioni di immagine. La tecnica Polaroid permette di esporre una carta con una speciale emulsione fotografica, sulla quale appare un'impronta della realtà dopo pochi secondi. Il materiale della pellicola, relativamente sensibile, reagisce alle varie influenze della natura - umidità o temperature diverse - e provoca cambiamenti di colore o piccole crepe sulla superficie.

Vonplon guida il suo obiettivo lungo le affascinanti tracce di neve e ghiaccio. Che si tratti delle forme dolci delle pietre sotto il manto nevoso, simili a piccoli paesaggi collinari, o delle misteriose bolle d'aria intrappolate, delle crepe e delle scanalature. In modo impressionante, riesce a creare una sorta di fotogramma di fiocchi di neve e trasforma la carta fotografica in una testimonianza finale della neve. Vonplon oscilla tra dettagli delicati come cristalli di ghiaccio, piante o gocce d'acqua e maestose cascate di ghiaccio, ghiacciai o l'infinita distesa del cielo. Mentre gli scatti della foresta innevata non lontano dalla sua casa di Castrisch, nella valle del Reno anteriore, trasmettono una vicinanza quasi intima ed evocano la sensazione di essere racchiusi, le sue riprese dei ghiacciai artici dispiegano una vastità quasi opprimente. Il ghiaccio risplende nella sua luminosità, trasparenza e grazia delicata, la luce appare magica e surreale. Vonplon dà alla luce un significato speciale quando racconta gli straordinari effetti della luce che ha sperimentato durante il suo viaggio nell'Artico.

Nelle fotografie di Vonplon, la natura appare come vista attraverso un filtro, come se l'immagine provenisse da un altro tempo o da un sogno. Sono davvero un'impronta della realtà? O sono solo un riverbero, un'eco? Si ha la sensazione di un mondo intermedio in cui il paesaggio sembra perdere la sua sostanza tangibile, scomparendo davanti ai nostri occhi e dissolvendosi come la neve delicata nelle nostre mani. Le immagini parlano di perdita e ci mostrano ciò che rischiamo di perdere.

Can you hold on to snow? It's hardly possible with bare hands. The delicate crystals dissolve in the warm hand and the remaining water runs inexorably through the fingers. Ester Vonplon's photographs are characterised by a certain melancholy that deals with disappearance. In 2014, she titled a series of photographs with the melancholy question: "Where does all the white go when the snow melts".

Can we stop time, the course of the universe? The earth, our habitat - can we preserve it? "How much time is left for finiteness?" asks the artist in 2016. In her photographic works, Ester Vonplon reflects the essence of her technique, which Susan Sontag described most aptly: "Every photograph is a kind of memento mori. To photograph is to participate in the mortality, vulnerability and mutability of other people (or things)" (1977).

With this tenderness of wanting to capture, Esther Vonplon follows nature, the snow and the forest with cameras that allow different image formats and sections. The Polaroid technique makes it possible to expose a paper with a special photo emulsion on which an imprint of reality appears after just a few seconds. The relatively sensitive film material reacts to the various influences of nature - moisture or different temperatures - and causes colour changes or small cracks in the surface.

Vonplon guides her camera lens along the fascinating traces of snow and ice. Be it the soft shapes of the stones under the snow cover, similar to small hilly landscapes, or the mysterious trapped air bubbles, cracks and grooves. In an impressive way, she succeeds in creating a kind of photogram of snowflakes and transforms the photographic paper into a final testimony to the snow. Vonplon oscillates between delicate details such as ice crystals, plants or water droplets and majestic icefalls, glaciers or the endless expanse of the sky. While the shots of the snow-covered forest not far from her home in Castrisch in the Vorderrhein valley convey an almost intimate closeness and evoke the feeling of being enclosed, her film shots of the Arctic glaciers unfold an almost overwhelming vastness. The ice shines in its luminosity, transparency and delicate grace, the light appears magical and surreal. Vonplon gives light a special meaning when she reports on the extraordinary effects of light that she experienced on her Arctic journey.

In Vonplon's photographs, nature appears as if viewed through a filter, as if the image comes from another time or from a dream. Are they really an imprint of reality? Or are they merely a reverberation, an echo? A feeling of an intermediate world arises in which the landscape seems to lose its tangible substance, disappearing before our eyes and dissolving like the delicate snow in our hands. The images speak of loss and show us what we are in danger of losing.

(Text: Tanja Warring)

Fotomuseum Winterthur
9. Februar 2024

Der Sammlung zugeneigt – Konstellation 1

Vito Acconci, Stefan Burger, Forensic Architecture, Lee Friedlander, Matthias Gabi, Nan Goldin, Roc Herms, Jacob Holdt, Margret Hoppe, Graciela Iturbide, Zoe Leonard, Marc Lee, Sherrie Levine, Clunie Reid, Anika Schwarzlose, Shirana Shahbazi, Cindy Sherman, Lorna Simpson, Garry Winogrand

Das Fotomuseum Winterthur nimmt die 30-jährige Institutionsgeschichte zum Anlass, die eigene Sammlung zu beleuchten: Exemplarische Werke aus der Sammlung geben einen Einblick in die Sammlungstätigkeit des Museums. Es werden die Arbeiten von insgesamt 19 unterschiedlichen Fotograf_innen und Kunstschaffenden gezeigt – darunter bekannte Namen wie auch Neuentdeckungen.

Im Fokus der Ausstellung stehen die Eigen- und Besonderheiten der Sammlung sowie deren Schwerpunkte, aber auch Fragestellungen zur musealen Sammlungspraxis an und für sich. Zudem sind die Lücken und Leerstellen, welche sich durch die kritische Betrachtung der eigenen Sammlung offenbaren, sowie Werke, die das Museum vor Herausforderungen stellen, Bestandteil der Auseinandersetzung.

Die nicht-lineare Präsentation der Ausstellung zeigt auf, dass eine Vielzahl unterschiedlicher Faktoren die (Weiter-)Entwicklung einer Sammlung beeinflussen. Dazu gehören das Ausstellungsprogramm, inhaltliche Schwerpunkte und kuratorische Interessen, gesellschaftliche Fragestellungen aber auch die Entwicklung fotografischer Medien und Praktiken.

Sowohl im Ausstellungsraum als auch über ein vielfältiges Veranstaltungsprogramm gibt das Fotomuseum Winterthur Einblicke in Aspekte wie den Entstehungsprozess oder die Pflege der eigenen Sammlung. Der Sammlung zugeneigt bietet eine Alternative zur klassischen Sammlungsausstellung und bringt nicht zuletzt eine institutionelle Haltung zum Ausdruck: Das Fotomuseum Winterthur ist durchaus (selbst-)kritisch – und dennoch der eigenen Sammlung zugeneigt.

Konstellation 1 bildet den Auftakt einer Serie von Sammlungspräsentationen, die aufeinander aufbauen und für unterschiedliche internationale Gastorte konzipiert werden.

Le Fotomuseum Winterthur profite de ses 30 ans d'histoire institutionnelle pour mettre en lumière sa propre collection : Des œuvres exemplaires de la collection donnent un aperçu de l'activité de collection du musée. Les travaux d'un total de 19 photographes et artistes différents sont présentés - parmi eux des noms connus ainsi que des découvertes.

L'exposition met l'accent sur les particularités et les spécificités de la collection ainsi que sur ses points forts, mais aussi sur des questions relatives à la pratique muséale de la collection en soi et pour soi. En outre, les lacunes et les vides révélés par l'examen critique de la propre collection, ainsi que les œuvres qui transmettent des défis au musée, font partie intégrante de la réflexion.

La présentation non linéaire de l'exposition montre qu'une multitude de facteurs différents influencent le développement (continu) d'une collection. En font partie le programme d'exposition, les priorités en matière de contenu et les intérêts des conservateurs, les questions de société, mais aussi l'évolution des médias et des pratiques photographiques.

Tant dans l'espace d'exposition que par le biais d'un programme varié de manifestations, le Fotomuseum Winterthur donne un aperçu d'aspects tels que le processus de création ou l'entretien de sa propre collection. La collection offre une alternative à l'exposition classique des collections et exprime notamment une attitude institutionnelle : le Fotomuseum Winterthur est tout à fait (auto)critique - et néanmoins attaché à sa propre collection.

Constellation 1 marque le début d'une série de présentations de la collection qui se suivent et sont conçues pour différents lieux d'accueil internationaux.

Il Fotomuseum Winterthur coglie l'occasione dei 30 anni di storia dell'istituzione per far luce sulla propria collezione: Opere esemplari della collezione offrono una panoramica sulle attività collezionistiche del museo. Sono esposte le opere di un totale di 19 diversi fotografi e artisti, tra cui nomi noti e nuove scoperte.

La mostra si concentra sulle caratteristiche uniche e speciali della collezione e sui suoi punti focali, nonché sulle questioni relative alla pratica del collezionismo museale in sé e per sé. Inoltre, le lacune e i vuoti che si rivelano attraverso un esame critico della collezione del museo, così come le opere che rappresentano una sfida per il museo, sono parte della discussione.

La presentazione non lineare della mostra dimostra che una serie di fattori diversi influenzano lo sviluppo (ulteriore) di una collezione. Tra questi, il programma espositivo, le tematiche e gli interessi curatoriali, le questioni sociali, ma anche lo sviluppo dei media e delle pratiche fotografiche.

Sia nello spazio espositivo che attraverso un variegato programma di eventi, il Fotomuseum Winterthur fornisce approfondimenti su aspetti quali il processo di creazione o la cura della propria collezione. La mostra "La collezione è nostra" offre un'alternativa alla classica esposizione di collezioni e, non da ultimo, esprime un atteggiamento istituzionale: il Fotomuseum Winterthur è assolutamente (auto)critico - e tuttavia devoto alla propria collezione.

Constellation 1 segna l'inizio di una serie di presentazioni della collezione che si sviluppano l'una sull'altra e sono concepite per diverse sedi internazionali.

Fotomuseum Winterthur is taking the opportunity presented by the institution’s thirtieth anniversary to examine its own collection, with a selection of artworks providing an insight into the museum’s collecting activities. On display are works by a total of 19 different photographers and artists, a mix of well-known names and new discoveries.

The exhibition homes in on the collection’s idiosyncrasies, distinctive qualities and thematic focuses, while also scrutinising museum collecting practices per se. This probing of the collection also looks at gaps and lacunae that are made apparent by the museum’s critical self-assessment and at works that are institutionally challenging.

The non-linear way in which the exhibition is presented highlights the fact that the (progressive) development of a collection is influenced by a variety of different factors. These include the exhibition programme, thematic focuses, curatorial interests, social issues and photography’s own process of evolution as a medium and body of practices.

Both in the exhibition space and through a varied programme of events, the museum provides insights into, among other things, its own origins and the way it cares for its collection. A Show of Affection offers an alternative to the classical collection exhibition and is, not least, an expression of an institutional approach: Fotomuseum Winterthur is eminently (self-)critical – and yet still has a sense of affection for its own collection.

Collection Constellation 1 marks the beginning of a series of collection presentations that build on one another and are conceived for different international venues.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
9. Februar 2024

Die 4 Jahreszeiten
Jakob Tuggener

Das Werk von Jakob Tuggener (1904-1988) behauptet seinen Platz in der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Seine ausdrucksstarken Aufnahmen von rauschenden Ballnächten sind legendär, und das Buch Fabrik von 1943 gilt als ein Meilenstein in der Geschichte des Fotobuchs. Doch noch ein drittes grosses Thema liess Tuggener nicht los: das einfache Leben auf dem Land.

Unzählige sensibel beobachtete, atmosphärisch aufgeladene, aber nie pittoreske Darstellungen des bäuerlichen Alltags widerspiegeln den Zyklus der Natur und sind zugleich eine Reflexion über das Leben und dessen Vergänglichkeit. 1973/74 stellte Tuggener unter dem Titel Die 4 Jahreszeiten vier individuelle Buchmaquetten zusammen – selbst gestaltete, druckfertige Buch-Unikate.

Die Ausstellung präsentiert neben den Buchmaquetten weitere Fotografien von Jakob Tuggener, die vor Augen führen, wie intensiv sich dieser herausragende Fotograf mehr als 30 Jahre lang dem Landleben widmete.

Parallel zur Ausstellung werden Die 4 Jahreszeiten auch in einem Buch vorgestellt. Damit gibt die Fotostiftung Schweiz in enger Zusammenarbeit mit der Jakob Tuggener-Stiftung und dem Steidl Verlag einen neuen Einblick in die Reihe der rund 70 Bücher, die Jakob Tuggener selbst als Herzstück seines Schaffens betrachtete, obschon sie zu seinen Lebzeiten unveröffentlicht blieben.

L’oeuvre de Jakob Tuggener (1904-1988) affirme sa place dans la photographie du 20e siècle. Ses photos expressives de somptueuses soirées de bal sont légendaires et le livre Fabrik (Usine) de 1943 est considéré comme un jalon dans l’histoire du livre de photos. Mais il y avait encore un troisième thème qui ne lâchait pas Tuggener : la vie simple à la campagne.

Ses innombrables représentations du quotidien paysan, observées avec sensibilité et chargées d’atmosphère, mais jamais pittoresques, reflètent le cycle de la nature et sont en même temps une réflexion sur la vie et son caractère éphémère. En 1973/74, Tuggener composa quatre maquettes de livres individuelles sous le titre Die 4 Jahreszeiten (Les 4 saisons) – des livres uniques conçus par lui-même et prêts à être imprimés.

Outre ces maquettes de livres, l’exposition montre d’autres photographies de Jakob Tuggener qui illustrent à quel point ce photographe hors pair se consacra à la vie rurale pendant plus de 30 ans

En parallèle à l’exposition, Die 4 Jahreszeiten seront également présentées sous forme d’un livre. La Fotostiftung Schweiz, en étroite collaboration avec la Fondation Jakob Tuggener et les Éditions Steidl, donne ainsi un nouvel aperçu de la série des quelque 70 livres que Jakob Tuggener considérait lui-même comme le coeur de son oeuvre, bien qu’ils soient restés inédits de son vivant.

L’opera di Jakob Tuggener (1904–1988) si è affermata nella fotografia del ventesimo secolo. Le sue immagini di spumeggianti balli notturni sono leggendarie e il libro «Fabrik», uscito nel 1943, è considerato una pietra miliare nella storia dell’editoria fotografica. Ma Tuggener si dedicò assiduamente anche a un terzo, vasto argomento: la vita modesta di campagna.

Innumerevoli scene di vita rurale quotidiana osservate con sensibilità, cariche di atmosfera ma mai pittoresche, rispecchiano i cicli naturali e rappresentano, al contempo, una riflessione sulla vita e la sua caducità. Nel 1973/74, Tuggener realizzò delle maquette per quattro libri intitolati «Die 4 Jahreszeiten» (Le 4 stagioni) – copie uniche pronte per la stampa, interamente progettate da lui.

Oltre alle maquette dei libri, la mostra propone ulteriori fotografie di Jakob Tuggener in grado di mostrare con quanta intensità questo straordinario fotografo si sia dedicato alla vita contadina, per oltre 30 anni.

Parallelamente alla mostra, «Le 4 stagioni» vengono presentate anche in un libro. La Fotostiftung Schweiz, in stretta collaborazione con la fondazione Jakob Tuggener e la casa editrice Steidl, offre così un nuovo sguardo su una serie di libri composta da circa 70 volumi, considerata dallo stesso Jakob Tuggener il corpo centrale del suo lavoro, anche se non è mai stata pubblicata mentre era in vita.

The work of Jakob Tuggener (1904-1988) is well positioned within 20th-century photography. His expressive photographs of glittering ball nights are legendary and his 1943 book Fabrik (Factory) is seen as a milestone in the history of the photo book. However, Tuggener was also captivated by a third subject: simple life in the countryside.

His countless sensitively observed, atmospherically charged, but never picturesque depictions of everyday farming life reflect the cycle of nature, while simultaneously contemplating life and its transience. In 1973/74, Tuggener compiled four individual book maquettes under the title Die 4 Jahreszeiten (The 4 Seasons): unique ready-to-print books, which he designed himself.

In addition to those book maquettes, this exhibition displays other photographs by Jakob Tuggener, which demonstrate how intensively this outstanding photographer devoted himself to the theme of country life for more than 30 years. In parallel to the exhibition, The 4 Seasons will also be presented in a book. In close collaboration with the Jakob Tuggener Foundation and Steidl Verlag, Fotostiftung Schweiz is thus providing new insight into the series of around 70 books that Jakob Tuggener himself considered the centrepiece of his oeuvre, even though they remained unpublished during his lifetime.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Kunsthaus Zug
21. Januar 2024

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia, Dr. Beat Stutzer, ehemaliger Direktor Bündner Kunstmuseum Chur, Dr. Peter Pfrunder, Direktor Fotostiftung Schweiz, Winterthur, und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Volkshaus - Blauer Saal | Zürich
11. Dezember 2023

Madeleine Schuppli im Gespräch mit Pia Zanetti

Eine fotografische Zeitreise
Pia Zanetti

Pia Zanetti ist eine Pionierin des Schweizer Fotojournalismus. Über 60 Jahre lang hat sie die Welt bereist und mit ihren Fotos und Reportagen auch aus Krisengebieten berührt und aufgerüttelt. Der neue Bildband, erschienen in der Edizioni Perferia, dokumentiert in einer fotografischen Zeitreise die Kreativität, Unerschrockenheit und Menschenliebe dieser Fotografin.

Dass eine Frau Fotografin werden wollte, war um 1960 alles andere als selbstverständlich. Pia Zanetti liess sich nicht entmutigen. Als zierliche Frau, die von den Paparazzis am Anfang belächelt wurde, ging sie ihren Weg mit viel Neugier und einer erstaunlichen Beharrlichkeit. Sie wollte die Welt erfahren, Geschichten erzählen, mit ihren Bildern die Situation von Menschen und deren unterschiedlichen Wirklichkeiten vermitteln. Pia Zanetti war eine der ersten Fotoreporterinnen der Schweiz und hat mit ihrem untrüglichen Blick für den Moment und ihrem Dranbleiben während Jahrzehnten ein herausragendes fotografisches Werk hinterlassen.

Es ist ein Lebenswerk, in dem sich immer auch die Zeitgeschichte spiegelt. Pia Zanetti interessierte sich für die politischen und gesellschaftlichen Brennpunkte der Welt, an deren Schauplätzen sie Menschen und Situationen fotografierte. Zusammen mit ihrem Mann, dem Journalisten Gerardo Zanetti, war sie in den 1960er und 1970er Jahren in ganz Europa, Südafrika, Nordamerika und Südamerika unterwegs, von wo die beiden Reportagen nach Hause schickten und in renommierten Zeitungen und Magazinen veröffentlichten.

Nach dem frühen Tod ihres Mannes schlug sich Pia Zanetti alleine durch und realisierte ihre Fotoarbeiten mit unterschiedlichen Autoren und Autorinnen. Ihre Reportagen erschienen regelmässig in der NZZ Wochenende, im Magazin des Tages Anzeigers, in der Kulturzeitschrift DU, in der Annabelle oder in der Jugendzeitschrift Spick. Aufträge für verschiedene NGO’s führten sie wiederholt in den globalen Süden, nach Indien, Laos, Bangladesch, Usbekistan, Vietnam, mach Afrika und Lateinamerika.

In ihren sozialkritischen Reportagen hatte Pia Zanetti immer auch den Blick für das Unscheinbare und Spontane, das sich abseits der grossen Schlagzeilen ereignete. Ihre Porträts von Menschen, denen sie unterwegs zufällig begegnete, sind genauso spektakulär wie ihre Bilder von Berühmtheiten wie Viviane Westwood, Ennio Morricone, Art Blakey, Bette Davis, Jim Clark, Johannes Gachnang oder Max Frisch. Dieses Interesse für die Menschen in all ihrer Vielfalt und Einzigartigkeit ist ein roter Faden, der sich durch das Lebenswerk der Fotografin zieht.

Die chronologisch angelegte Struktur des Fotobandes lädt ein zu einer fotografischen Zeitreise, geprägt von einer ungeheuren Dynamik. Sie zeigt nicht nur bekannte und unbekannte Schauplätze, Menschen und ihre Milieus, sondern vermittelt auch ein Lebensgefühl. Und lässt eine Haltung spüren, in der sich Neugier, Entdeckerlust, Respekt und Menschlichkeit wunderbar vereinen. Wie im Zeitraffer durchlaufen die Fotos dieses Buches mehr als ein halbes Jahrhundert.  Dennoch möchte man mit jedem Bild die Welt ein wenig anhalten und bei ihm verweilen.

Pia Zanetti est une pionnière du photojournalisme suisse. Pendant plus de 60 ans, elle a parcouru le monde, touchant et bouleversant avec ses photos et ses reportages, y compris dans des régions en crise. Le nouveau livre de photos, paru aux Edizioni Perferia, documente dans un voyage photographique dans le temps la créativité, l'intrépidité et l'amour des gens de cette photographe.

Vers 1960, il était tout sauf évident qu'une femme veuille devenir photographe. Pia Zanetti ne s'est pas laissée décourager. Femme menue, moquée au début par les paparazzis, elle a suivi son chemin avec beaucoup de curiosité et une étonnante persévérance. Elle voulait connaître le monde, raconter des histoires, transmettre par ses photos la situation des gens et leurs différentes réalités. Pia Zanetti a été l'une des premières photoreporters de Suisse et a laissé derrière elle, pendant des décennies, une œuvre photographique exceptionnelle grâce à son regard infaillible sur l'instant et à sa persévérance.

C'est l'œuvre d'une vie, dans laquelle se reflète toujours l'histoire contemporaine. Pia Zanetti s'intéressait aux points chauds politiques et sociaux du monde, où elle photographiait des personnes et des situations. Avec son mari, le journaliste Gerardo Zanetti, elle a voyagé dans toute l'Europe, l'Afrique du Sud, l'Amérique du Nord et l'Amérique du Sud dans les années 1960 et 1970, d'où ils envoyaient des reportages chez eux et les publiaient dans des journaux et des magazines renommés.

Après le décès prématuré de son mari, Pia Zanetti s'est débrouillée seule et a réalisé ses travaux photographiques avec différents auteurs. Ses reportages sont régulièrement publiés dans le NZZ Wochenende, dans le magazine du Tages Anzeiger, dans le magazine culturel DU, dans Annabelle ou dans le magazine pour jeunes Spick. Des missions pour différentes ONG l'ont conduite à plusieurs reprises dans le Sud global, en Inde, au Laos, au Bangladesh, en Ouzbékistan, au Vietnam, en Afrique et en Amérique latine.

Dans ses reportages de critique sociale, Pia Zanetti a toujours eu un regard pour l'anodin et le spontané, qui se produisait loin des grands titres. Ses portraits de personnes rencontrées par hasard en chemin sont tout aussi spectaculaires que ses photos de célébrités comme Viviane Westwood, Ennio Morricone, Art Blakey, Bette Davis, Jim Clark, Johannes Gachnang ou Max Frisch. Cet intérêt pour les gens dans toute leur diversité et leur singularité est un fil rouge qui traverse l'œuvre de la photographe.

La structure chronologique de l'ouvrage photographique invite à un voyage photographique dans le temps, empreint d'un immense dynamisme. Elle ne montre pas seulement des lieux connus et inconnus, des personnes et leurs milieux, mais transmet également un sentiment de vie. Et fait ressentir une attitude dans laquelle la curiosité, le désir de découverte, le respect et l'humanité s'unissent à merveille. Comme en accéléré, les photos de ce livre parcourent plus d'un demi-siècle.  Pourtant, chaque photo donne envie d'arrêter un peu le monde et de s'y attarder.

Pia Zanetti è una pioniera del fotogiornalismo svizzero. Da oltre 60 anni gira il mondo, toccando e scuotendo le persone con le sue foto e i suoi reportage, anche dalle aree di crisi. Il nuovo libro illustrato, pubblicato da Edizioni Perferia, documenta la creatività, l'intrepidezza e la filantropia di questa fotografa in un viaggio fotografico nel tempo.

Intorno al 1960 era tutt'altro che scontato che una donna volesse diventare fotografa. Pia Zanetti non si lasciò scoraggiare. Donna minuta, inizialmente derisa dai paparazzi, perseguì la sua carriera con grande curiosità e sorprendente perseveranza. Voleva vivere il mondo, raccontare storie, usare le sue immagini per trasmettere la situazione delle persone e le loro diverse realtà. Pia Zanetti è stata una delle prime donne fotoreporter in Svizzera e, con il suo occhio infallibile per il momento e la sua perseveranza, ha lasciato dietro di sé un'opera fotografica eccezionale che abbraccia decenni.

È il lavoro di una vita che riflette sempre la storia contemporanea. Pia Zanetti si è interessata ai luoghi politici e sociali del mondo, dove ha fotografato persone e situazioni. Insieme al marito, il giornalista Gerardo Zanetti, negli anni Sessanta e Settanta ha viaggiato in Europa, Sudafrica, Nordamerica e Sudamerica, da dove ha inviato in patria reportage pubblicati su noti giornali e riviste.

Dopo la prematura scomparsa del marito, Pia Zanetti si è gestita da sola e ha realizzato il suo lavoro fotografico con vari autori. I suoi reportage sono apparsi regolarmente sulla NZZ Wochenende, sulla rivista Tages Anzeiger, sulla rivista culturale DU, su Annabelle e sulla rivista giovanile Spick. Gli incarichi per varie ONG l'hanno portata più volte nel Sud globale, in India, Laos, Bangladesh, Uzbekistan, Vietnam, Africa e America Latina.

Nei suoi reportage socialmente critici, Pia Zanetti ha sempre avuto un occhio di riguardo per le cose poco appariscenti e spontanee che accadevano lontano dai grandi titoli dei giornali. I suoi ritratti di persone incontrate per caso lungo la strada sono altrettanto spettacolari delle sue foto di celebrità come Viviane Westwood, Ennio Morricone, Art Blakey, Bette Davis, Jim Clark, Johannes Gachnang e Max Frisch. Questo interesse per le persone in tutta la loro diversità e unicità è un filo conduttore che attraversa il lavoro della fotografa.

La struttura cronologica del volume fotografico invita a un viaggio fotografico nel tempo, caratterizzato da un enorme dinamismo. Non solo mostra luoghi, persone e ambienti noti e sconosciuti, ma trasmette anche un atteggiamento nei confronti della vita. E trasmette un atteggiamento in cui la curiosità, il desiderio di scoprire, il rispetto e l'umanità sono meravigliosamente uniti. Come in un rapido movimento, le foto di questo libro attraversano più di mezzo secolo.  Tuttavia, ogni immagine fa venire voglia di fermare un po' il mondo e di soffermarsi su di esso.

Pia Zanetti is a pioneer of Swiss photojournalism. For over 60 years, she has traveled the world, touching and shaking people up with her photos and reports, even from crisis areas. The new illustrated book, published by Edizioni Perferia, documents this photographer's creativity, fearlessness and love of humanity in a photographic journey through time.

Around 1960, it was anything but a matter of course that a woman wanted to become a photographer. Pia Zanetti was not discouraged. A petite woman who was initially ridiculed by the paparazzi, she pursued her career with great curiosity and astonishing perseverance. She wanted to experience the world, tell stories, use her pictures to convey the situation of people and their different realities. Pia Zanetti was one of the first female photojournalists in Switzerland and, with her unerring eye for the moment and her perseverance, has left behind an outstanding photographic oeuvre spanning decades.

It is a life's work that always reflects contemporary history. Pia Zanetti was interested in the political and social hotspots of the world, where she photographed people and situations. Together with her husband, the journalist Gerardo Zanetti, she traveled throughout Europe, South Africa, North America and South America in the 1960s and 1970s, from where they sent reports home and published them in renowned newspapers and magazines.

After the early death of her husband, Pia Zanetti managed on her own and realized her photographic work with various authors. Her reportages appeared regularly in the NZZ Wochenende, in the Tages Anzeiger magazine, in the cultural magazine DU, in Annabelle and in the youth magazine Spick. Assignments for various NGOs have repeatedly taken her to the Global South, India, Laos, Bangladesh, Uzbekistan, Vietnam, Africa and Latin America.

In her socially critical reportages, Pia Zanetti always had an eye for the inconspicuous and spontaneous things that happened away from the big headlines. Her portraits of people she met by chance along the way are just as spectacular as her pictures of celebrities such as Viviane Westwood, Ennio Morricone, Art Blakey, Bette Davis, Jim Clark, Johannes Gachnang and Max Frisch. This interest in people in all their diversity and uniqueness is a common thread that runs through the photographer's life's work.

The chronological structure of the photo volume invites you on a photographic journey through time, characterized by a tremendous dynamism. It not only shows known and unknown locations, people and their milieus, but also conveys an attitude to life. And it conveys an attitude in which curiosity, the desire to discover, respect and humanity are wonderfully united. As if in fast motion, the photos in this book run through more than half a century.  Nevertheless, each picture makes you want to stop the world a little and linger with it.

(Text: Pirmin Bossart)

Kunsthaus Zug
3. Dezember 2023

Guided Tour in English with Fabienne Loosli, art historian, exhibition management

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Kunsthaus Zug
26. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Galerie am Platz | Eglisau
25. November 2023

Heute-gestern-übermorgen
Thomas Krempke

Seit drei Jahren arbeitet Thomas Krempke an einem Langzeitprojekt in Albanien, das Projekt ist eine Auseinandersetzung mit dem fotografischen Sehen und mit dem Blick auf die albanischen Wirklichkeit. Die Ausstellung „heute-gestern-übermorgen" zeigt einen Ausschnitt aus diesem Langzeitprojekt. Seit dem Ende der Diktatur 1992 versucht Albanien die gesellschaftliche und wirtschaftliche Entwicklung aufzuholen, für die wir fast hundert Jahre gebraucht haben. Ein unmögliches Unterfangen in dieser kurzen Zeit. Dessen Folgen sind überall im Land sichtbar und scheinen wie ein Spiegelbild unserer eigenen Lebensweise. Es ist als ob Albanien schweben würde zwischen seiner nicht allzu fernen Vergangenheit, die unendlich weit weg zu sein scheint, und einer Zukunft, die nie anbrechen wird, und von der man den Eindruck hat, sie werde sich, bevor sie begonnen hat, wie ein Traum in nichts auflösen. Mit seinen Bildern und Texten setzt sich Thomas Krempke auch mit unserer Wahrnehmung als Reisende auseinander, mit unserem Blick auf andere.

Depuis trois ans, Thomas Krempke travaille sur un projet à long terme en Albanie. Ce projet est une réflexion sur la vision photographique et sur le regard porté sur la réalité albanaise. L'exposition "aujourd'hui-aujourd'hui-après-demain" présente un extrait de ce projet à long terme. Depuis la fin de la dictature en 1992, l'Albanie tente de rattraper le développement social et économique qui nous a pris près de cent ans. Une entreprise impossible en si peu de temps. Ses conséquences sont visibles partout dans le pays et semblent être le reflet de notre propre mode de vie. C'est comme si l'Albanie flottait entre son passé pas si lointain, qui semble infiniment éloigné, et un avenir qui ne commencera jamais, et dont on a l'impression qu'il s'évanouira avant même d'avoir commencé, comme un rêve. Avec ses images et ses textes, Thomas Krempke s'interroge également sur notre perception en tant que voyageurs, sur le regard que nous portons sur les autres.

Thomas Krempke lavora da tre anni a un progetto a lungo termine in Albania, un'esplorazione della visione fotografica e dello sguardo sulla realtà albanese. La mostra "heute-gestern-übermorgen" presenta un estratto di questo progetto a lungo termine. Dalla fine della dittatura nel 1992, l'Albania sta cercando di recuperare il ritardo nello sviluppo sociale ed economico che ha richiesto quasi cento anni. Un'impresa impossibile in questo breve lasso di tempo. Le sue conseguenze sono visibili ovunque nel Paese e sembrano un riflesso del nostro stesso modo di vivere. È come se l'Albania fosse sospesa tra il suo passato non troppo lontano, che sembra infinitamente lontano, e un futuro che non sorgerà mai, e di cui si ha l'impressione che si dissolverà nel nulla come un sogno prima ancora di cominciare. Con le sue immagini e i suoi testi, Thomas Krempke si occupa anche della nostra percezione di viaggiatori, del nostro sguardo sugli altri.

Thomas Krempke has been working on a long-term project in Albania for three years; the project is an exploration of photographic seeing and the gaze on Albanian reality. The exhibition " today-yesterday-after tomorrow" shows an excerpt from this long-term project. Since the end of the dictatorship in 1992, Albania has been trying to catch up with the social and economic development that we took almost a hundred years to achieve. An impossible undertaking in this short period of time. Its consequences are everywhere visible in the country and seem like a reflection of our own way of life. It is as if Albania is suspended between its not-so-distant past, which seems infinitely far away, and a future that will never dawn, of which one has the impression that it will dissolve into nothing like a dream before it has begun. With his pictures and texts, Thomas Krempke also deals with our perception as travelers, with our view of the other.

(Text: Thomas Krempke)

Bildhalle | Zürich

23. November 2023

Coming to light – Historische und innovative Printtechniken

Chantal Elisabeth Ariëns, Paul Cupido, Naohiro Ninomiya, Albárran Cabrera, Mika Horie, Douglas Mandry, Flor Garduño, Gregor Törzs, Joost Vanderburg, Maria-Aurelia Riese, Miriam Tölke, Rachel Thomson, René Groebli, Jeffrey Conley, Margaret Lansink

Alle 16 Künstler:innen haben ein vertieftes Wissen über Drucktechniken und fotografische Verfahren, die bis ins frühe 19. Jahrhundert zurückreichen. Ihr handwerkliches Geschick, die besondere Sorgfalt bei der Auswahl des Papiers und die hohe Qualität der Prints gehen über den technischen Aspekt hinaus: sie verleihen den Werken eine haptische und sinnliche Qualität. Der fotografische Abzug ist nicht mehr nur ein Abbild eines eingefangenen Ausschnitts der uns umgebenden Welt, er verändert, verfeinert oder veredelt das Gewöhnliche und wird Teil des künstlerischen Wertes.

Das Spektrum umfasst frühe Techniken aus dem 19. Jahrhundert: Cyanotypien der japanischen Künstlerin Mika Horie, Chine-collé-Drucke auf zwei verschiedenen Papieren von Paul Cupido und Miriam Tölke, Photogramme von Gregor Törzs und Rachel Thomson, Photopolymer-Radierungen von Chantal Elisabeth Ariëns oder atemberaubende Platinum-Palladium-Prints von Jeffrey Conley und Flor Garduño. Die Ausstellung zeigt aber auch neue, innovative Drucktechniken, die historisches Wissen mit einem spielerisch-experimentellen Ansatz verbinden: darunter Lithografien historischer Bilder auf gebrauchtem Gletschertuch von Douglas Mandry, Pigmentdrucke auf Gampi-Papier über Blattgold von Albarrán Cabrera oder die Monotypien von Joost Vanderbrug, die durch Transfer von Fotoemulsion auf Papier entstehen.

Die Gruppenausstellung in der Bildhalle wird begleitet durch eine Einzelpräsentation von Margaret Lansink im Showroom. Die holländische Künstlerin ist Gewinnerin des bedeutenden «Hariban Award», der besondere Leistungen und Fähigkeiten in der Kunst des Printens auszeichnet.

Les 16 artistes ont une connaissance approfondie des techniques d'impression et des procédés photographiques qui remontent au début du 19e siècle. Leur habileté artisanale, le soin particulier apporté au choix du papier et la grande qualité des tirages vont au-delà de l'aspect technique : ils confèrent aux œuvres une qualité tactile et sensuelle. Le tirage photographique n'est plus seulement l'image d'un fragment capturé du monde qui nous entoure, il modifie, affine ou ennoblit l'ordinaire et devient partie intégrante de la valeur artistique.

L'éventail comprend les premières techniques du 19e siècle : Cyanotypes de l'artiste japonaise Mika Horie, impressions Chine-collé sur deux papiers différents de Paul Cupido et Miriam Tölke, photogrammes de Gregor Törzs et Rachel Thomson, gravures photopolymères de Chantal Elisabeth Ariëns ou impressions platine-palladium époustouflantes de Jeffrey Conley et Flor Garduño. Mais l'exposition présente également de nouvelles techniques d'impression innovantes qui allient le savoir historique à une approche ludique et expérimentale : parmi elles, les lithographies d'images historiques sur toile de glacier usagée de Douglas Mandry, les impressions pigmentaires sur papier Gampi sur feuille d'or d'Albarrán Cabrera ou les monotypes de Joost Vanderbrug, obtenus par transfert d'émulsion photographique sur papier.

L'exposition de groupe dans la Bildhalle est accompagnée d'une présentation individuelle de Margaret Lansink dans le showroom. L'artiste hollandaise est lauréate du prestigieux "Hariban Award", qui récompense des réalisations et des compétences particulières dans l'art de l'impression.

Tutti i 16 artisti hanno una conoscenza approfondita delle tecniche di stampa e dei processi fotografici che risalgono all'inizio del XIX secolo. La loro abilità artigianale, la particolare cura nella scelta della carta e l'alta qualità delle stampe vanno oltre l'aspetto tecnico: conferiscono alle opere una qualità aptica e sensuale. La stampa fotografica non è più solo un'immagine di una sezione catturata del mondo che ci circonda; cambia, perfeziona o nobilita l'ordinario e diventa parte del valore artistico.

Lo spettro comprende le prime tecniche del XIX secolo: I cianotipi dell'artista giapponese Mika Horie, le stampe Chine-collé su due carte diverse di Paul Cupido e Miriam Tölke, i fotogrammi di Gregor Törzs e Rachel Thomson, le incisioni ai fotopolimeri di Chantal Elisabeth Ariëns o le straordinarie stampe al platino-palladio di Jeffrey Conley e Flor Garduño. Ma la mostra presenta anche tecniche di stampa nuove e innovative che combinano la conoscenza storica con un approccio ludico e sperimentale: tra queste le litografie di Douglas Mandry con immagini storiche su tela di ghiacciaio usata, le stampe a pigmenti su carta gampi con foglia d'oro di Albarrán Cabrera o i monotipi di Joost Vanderbrug, creati trasferendo l'emulsione fotografica sulla carta.

La mostra collettiva nella Bildhalle è accompagnata da una presentazione personale di Margaret Lansink nello showroom. L'artista olandese è la vincitrice dell'importante "Hariban Award", che premia i risultati e le abilità speciali nell'arte della stampa.

All 16 exhibited artists have an in-depth knowledge of printing techniques and photographic processes dating back to the early 19th century. Their craftsmanship, the special care they take in selecting the paper, and the high quality of the prints go beyond the technical aspect: they give the works a haptic and sensual quality. The photographic print is no longer just an image of a captured section of the world around us; it changes and refines the ordinary and becomes part of the artistic value.

The spectrum includes early techniques from the 19th century: cyanotypes by the Japanese artist Mika Horie, chine-collé prints on two different papers by Paul Cupido and Miriam Tölke,

photograms by Gregor Törzs and Rachel Thomson, photopolymer etchings by Chantal Elisabeth Ariëns, and breathtaking platinum palladium prints by Jeffrey Conley and Flor Garduño.

The exhibition also features new, innovative printing techniques that combine historical knowledge with a playful, experimental approach, including lithographs of historical images on used glacier protection textile by Douglas Mandry, pigment prints on gampi paper over gold leaf by Albarrán Cabrera, and Joost Vanderbrug’s monotypes created by transferring photo emulsion to paper.

The group exhibition at Bildhalle is accompanied by a solo presentation of Margaret Lansink in the showroom. The Dutch artist is the winner of the prestigious “Hariban Award”, which honors special achievements and skills in the art of printing.

(Text: Bildhalle, Zürich+Amsterdam)

Bildhalle | Zürich
23. November 2023

Friction
Margaret Lansink

Die Ausstellung Friction eröffnet uns das Universum der holländischen Künstlerin, das durch eine emotionale und zugleich minimalistische Bildsprache geprägt wird. Lansink beherrscht den Umgang mit verschiedenen analogen Drucktechniken meisterhaft und wurde dafür 2019 mit dem prestigeträchtigen japanischen «Hariban Award» ausgezeichnet.

Ihre neuste Serie Friction thematisiert die unaufhaltsamen Veränderungen und die Unbeständigkeit, die jedem Leben innewohnen. In jeder Unvollkommenheit steckt Schönheit; das möchte uns die Künstlerin mit ihrer Arbeit vermitteln.

Sie hat dazu professionelle Balletttänzerinnen fotografiert, die im Alter von 35 Jahren bereits in den Ruhestand treten müssen. Den Bewegungsstudien der erfahrenen Tänzerinnen stellt sie Fotografien aus dem Death Valley gegenüber, einer über Millionen von Jahren entstandenen Landschaft.

Die gleichzeitige Eröffnung von Margaret Lansinks Einzelpräsentation im Showroom und der Gruppenausstellung Coming to Light in der Bildhalle ist nicht zufällig gewählt: Die Drucktechnik, die Wahl des Papiers und ein tiefes Verständnis für die Bedeutung des Handwerks prägen die Werke aller Künstler:innen inhaltlich und atmosphärisch. Die Art und Weise, wie geprintet wird, ist weniger eine technische Entscheidung, sondern vielmehr zentraler Bestandteil des Kunstwerks.

L'exposition Friction nous ouvre l'univers de l'artiste hollandais, caractérisé par un langage visuel à la fois émotionnel et minimaliste. Lansink maîtrise avec brio l'utilisation de différentes techniques d'impression analogiques, ce qui lui a valu de recevoir le prestigieux prix japonais "Hariban Award" en 2019.

Sa dernière série, Friction, a pour thème les changements inéluctables et l'instabilité inhérents à toute vie. Toute imperfection recèle de la beauté ; c'est ce que l'artiste souhaite nous transmettre par son travail.

Pour ce faire, elle a photographié des danseuses de ballet professionnelles qui, à l'âge de 35 ans, doivent déjà prendre leur retraite. Aux études de mouvements de ces danseuses expérimentées, elle oppose des photographies de la Death Valley, un paysage qui s'est formé au cours de millions d'années.

L'ouverture simultanée de la présentation individuelle de Margaret Lansink dans le showroom et de l'exposition de groupe Coming to Light dans la Bildhalle n'a pas été choisie au hasard : La technique d'impression, le choix du papier et une profonde compréhension de l'importance de l'artisanat marquent les œuvres de tous les artistes, tant au niveau du contenu que de l'atmosphère. La manière dont l'impression est réalisée est moins une décision technique qu'un élément central de l'œuvre d'art.

La mostra Friction apre l'universo dell'artista olandese, caratterizzato da un linguaggio visivo emozionale e allo stesso tempo minimalista. Lansink padroneggia l'uso di varie tecniche di stampa analogica e nel 2019 ha ricevuto il prestigioso premio giapponese "Hariban Award".

La sua ultima serie, Friction, affronta gli inesorabili cambiamenti e l'impermanenza insiti in tutta la vita. C'è bellezza in ogni imperfezione: è questo che l'artista vuole trasmetterci con il suo lavoro.

Ha fotografato ballerini professionisti che devono ritirarsi all'età di 35 anni. L'artista accosta gli studi sul movimento di questi ballerini esperti alle fotografie della Valle della Morte, un paesaggio che si è evoluto nel corso di milioni di anni.

L'apertura simultanea della presentazione personale di Margaret Lansink nella Showroom e della mostra collettiva Coming to Light nella Bildhalle non è casuale: La tecnica di stampa, la scelta della carta e la profonda comprensione dell'importanza del mestiere modellano le opere di tutti gli artisti in termini di contenuto e atmosfera. Il modo in cui viene eseguita la stampa non è tanto una decisione tecnica quanto una componente centrale dell'opera d'arte.

In this exhibition, the artist combines her latest series Friction with previous works, creating a visual universe that illustrates her masterful handling of varied techniques like platinum palladium prints, collages, liquid light prints and works with gold leaf and charcoal.

Friction embraces the unavoidable changes and impermanence of life as such. Accepting that life is not perfect, that there is beauty in imperfection and to embrace the concept that in all of life’s challenges, beauty is to be found. The artist portrayed professional ballet dancers who had to retire at the age of 35 and connected them to pictures of Death Valley in California emblematic for its timeless beauty.

Lansink’s work is created around a strong signature of aesthetic, poetic and minimalistic images yet able to convey a powerful emotional message. Substantiated by her intuitive photography; creating imagery that presents an open and honest reflection of her own emotions, doubts, or struggles in life.

In this way, she gently invites the viewer to embark on a journey through his/her own intricate web of memories and emotions.

Thematically, there is a strong connection between Margaret Lansinks solo presentation in the Showroom and the group exhibition Coming to Light at Bildhalle: the print techniques, the choice of paper and a deep understanding of craftsmanship influence the works of all artists in terms of content and atmosphere. The way they print is not just a technical approach, but rather a part of the artwork itself.

Margaret Lansink, winner of the “Hariban award” 2019, participated in exhibitions, residencies, and competitions in The Netherlands and abroad, including the USA, France, Japan, and Georgia. She has published eight books (four of them handmade by herself). “The Kindness of One” has been awarded with Best Dutch Book Designs 2019 and is part of the collection of the Stedelijk Museum Amsterdam. This book and the book “Borders of Nothingness – On the Mend” are part of the collection of Victoria and Albert Museum in London.

(Text: Bildhalle, Zürich+Amsterdam)

Kunsthaus Zug
12. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Galerie am Platz | Eglisau
12. November 2023

Albanien heute: Gespräch mit Lars Haefner und Suzana Gachnang von der Gesellschaft Schweiz-Albanien

Heute-gestern-übermorgen
Thomas Krempke

Seit drei Jahren arbeitet Thomas Krempke an einem Langzeitprojekt in Albanien, das Projekt ist eine Auseinandersetzung mit dem fotografischen Sehen und mit dem Blick auf die albanischen Wirklichkeit. Die Ausstellung „heute-gestern-übermorgen" zeigt einen Ausschnitt aus diesem Langzeitprojekt. Seit dem Ende der Diktatur 1992 versucht Albanien die gesellschaftliche und wirtschaftliche Entwicklung aufzuholen, für die wir fast hundert Jahre gebraucht haben. Ein unmögliches Unterfangen in dieser kurzen Zeit. Dessen Folgen sind überall im Land sichtbar und scheinen wie ein Spiegelbild unserer eigenen Lebensweise. Es ist als ob Albanien schweben würde zwischen seiner nicht allzu fernen Vergangenheit, die unendlich weit weg zu sein scheint, und einer Zukunft, die nie anbrechen wird, und von der man den Eindruck hat, sie werde sich, bevor sie begonnen hat, wie ein Traum in nichts auflösen. Mit seinen Bildern und Texten setzt sich Thomas Krempke auch mit unserer Wahrnehmung als Reisende auseinander, mit unserem Blick auf andere.

Depuis trois ans, Thomas Krempke travaille sur un projet à long terme en Albanie. Ce projet est une réflexion sur la vision photographique et sur le regard porté sur la réalité albanaise. L'exposition "aujourd'hui-aujourd'hui-après-demain" présente un extrait de ce projet à long terme. Depuis la fin de la dictature en 1992, l'Albanie tente de rattraper le développement social et économique qui nous a pris près de cent ans. Une entreprise impossible en si peu de temps. Ses conséquences sont visibles partout dans le pays et semblent être le reflet de notre propre mode de vie. C'est comme si l'Albanie flottait entre son passé pas si lointain, qui semble infiniment éloigné, et un avenir qui ne commencera jamais, et dont on a l'impression qu'il s'évanouira avant même d'avoir commencé, comme un rêve. Avec ses images et ses textes, Thomas Krempke s'interroge également sur notre perception en tant que voyageurs, sur le regard que nous portons sur les autres.

Thomas Krempke lavora da tre anni a un progetto a lungo termine in Albania, un'esplorazione della visione fotografica e dello sguardo sulla realtà albanese. La mostra "heute-gestern-übermorgen" presenta un estratto di questo progetto a lungo termine. Dalla fine della dittatura nel 1992, l'Albania sta cercando di recuperare il ritardo nello sviluppo sociale ed economico che ha richiesto quasi cento anni. Un'impresa impossibile in questo breve lasso di tempo. Le sue conseguenze sono visibili ovunque nel Paese e sembrano un riflesso del nostro stesso modo di vivere. È come se l'Albania fosse sospesa tra il suo passato non troppo lontano, che sembra infinitamente lontano, e un futuro che non sorgerà mai, e di cui si ha l'impressione che si dissolverà nel nulla come un sogno prima ancora di cominciare. Con le sue immagini e i suoi testi, Thomas Krempke si occupa anche della nostra percezione di viaggiatori, del nostro sguardo sugli altri.

Thomas Krempke has been working on a long-term project in Albania for three years; the project is an exploration of photographic seeing and the gaze on Albanian reality. The exhibition " today-yesterday-after tomorrow" shows an excerpt from this long-term project. Since the end of the dictatorship in 1992, Albania has been trying to catch up with the social and economic development that we took almost a hundred years to achieve. An impossible undertaking in this short period of time. Its consequences are everywhere visible in the country and seem like a reflection of our own way of life. It is as if Albania is suspended between its not-so-distant past, which seems infinitely far away, and a future that will never dawn, of which one has the impression that it will dissolve into nothing like a dream before it has begun. With his pictures and texts, Thomas Krempke also deals with our perception as travelers, with our view of the other.

(Text: Thomas Krempke)

Fabian & Claude Walter Galerie | Zürich
11. November 2023

Anna Wesle (Museum Franz Gertsch) und Detta Kälin (KWS) im Gespräch mit Peter Hebeisen

Kunstpreis der Keller-Wedekind-Stiftung KWS 2023
Peter Hebeisen

Die Keller-Wedekind-Stiftung (KWS) vergibt ihren hochdotierten Kunstpreis dieses Jahr an den in Zürich lebenden Fotografen Peter Hebeisen.

Hebeisens fotografische Serien kreisen um das Thema Porträt. Seine Fotografien sind Interpretationen dessen, was das Objektiv der Kamera einfängt. Es ist der scharfe Blick hinter und unter die sichtbare Oberfläche, der das Eindringen in die subkutane Landschaft von Mensch, Tier und Natur ermöglicht.

Die Serie 20th Century European Battlefields ist von bemerkenswerter Aktualität. Peter Hebeisen fotografierte Orte in Europa, an denen die großen kriegerischen Schlachten des 1. und 2. Weltkrieges stattfanden. Wo kilometerweit Natur und Städte verwüstet wurden und Tausende von Menschen starben, befinden sich heute Städte, lauschige Wäldchen oder idyllische Strände mit Sonnenschirmen und Eisständen. Dennoch ist es Kriegsfotografie, die gleichsam posthum den Ort und seine Toten porträtiert.

Beeindruckend ist auch Hebeisens neueste Serie der Schweizer Gletscher What remains. Die Aufnahme rückt den Gletscher in die Nähe eines lebendigen Wesens, welches leidet und stirbt – ein faszinierender Kontrapunkt zur prachtvollen Schönheit der Bergwelt.

Die Keller-Wedekind-Stiftung (KWS) fördert gegenständliche Kunst in der Schweiz. Die KWS vergibt ihren Preis seit 2013 alle zwei Jahre. Peter Hebeisen ist nach Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber und Andrea Muheim der sechste Träger des KWS-Kunstpreises. Es ist einer der höchstdotierten ausschliesslich privat finanzierten Kunstpreise in der Schweiz. Sein Wert beläuft sich auf 70'000 Schweizer Franken: Der Künstler erhält 10'000 Franken, mindestens ein Werk wird von der Stiftung angekauft; zudem gehören zur Förderung eine Ausstellung in der Zürcher Galerie Fabian & Claude Walter und die Produktion des Werkkatalogs. Der über 100-seitige Katalog zur Ausstellung enthält rund 60 Abbildungen und den Text der Redaktorin und Autorin Nadine Olonetzky. Die Werkkataloge der KWS zeichnen sich durch Gehalt und eine sorgfältige Zusammenstellung aus. Diese namhafte Förderung wird mit einem langen Atem, abseits von kurzlebigen Strömungen und modischem Marketing verfolgt. Die Evaluation der jeweiligen Kunstschaffenden spielt sich in einem konzentrierten Prozess ab. Kunstschaffende reichen bei der KWS ihre Werke nicht ein, sondern sie werden durch permanente, intensive Beobachtung der Schweizer Kunstszene von der Stiftung ausgewählt.

La Fondation Keller-Wedekind (KWS) décerne cette année son prix artistique très bien doté à Peter Hebeisen, photographe vivant à Zurich.

Les séries photographiques de Hebeisen tournent autour du thème du portrait. Ses photographies sont des interprétations de ce que l'objectif de l'appareil photo saisit. C'est le regard acéré derrière et sous la surface visible qui permet de pénétrer dans le paysage sous-cutané de l'homme, de l'animal et de la nature.

La série 20th Century European Battlefields est d'une remarquable actualité. Peter Hebeisen a photographié des lieux en Europe où se sont déroulées les grandes batailles guerrières de la Première et de la Seconde Guerre mondiale. Là où la nature et les villes ont été dévastées sur des kilomètres et où des milliers de personnes sont mortes, on trouve aujourd'hui des villes, des bosquets intimes ou des plages idylliques avec des parasols et des stands de glace. Il s'agit néanmoins d'une photographie de guerre qui dresse un portrait posthume du lieu et de ses morts.

La dernière série d'Hebeisen sur les glaciers suisses What remains est également impressionnante. La photo rapproche le glacier d'un être vivant qui souffre et meurt - un contrepoint fascinant à la beauté somptueuse des montagnes.

La Fondation Keller-Wedekind (KWS) encourage l'art figuratif en Suisse. Depuis 2013, la KWS décerne son prix tous les deux ans. Après Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber et Andrea Muheim, Peter Hebeisen est le sixième lauréat du prix d'art KWS. Il s'agit de l'un des prix d'art les mieux dotés en Suisse, financé exclusivement par des fonds privés. Sa valeur s'élève à 70 000 francs suisses : l'artiste reçoit 10 000 francs suisses, au moins une œuvre est achetée par la fondation ; en outre, une exposition à la galerie zurichoise Fabian & Claude Walter et la production du catalogue de l'œuvre font partie du soutien. Le catalogue de l'exposition, qui compte plus de 100 pages, contient environ 60 illustrations et le texte de la rédactrice et auteure Nadine Olonetzky. Les catalogues d'œuvres de la KWS se distinguent par leur contenu et leur composition soignée. Cette promotion de renom est suivie avec une grande persévérance, à l'écart des courants éphémères et du marketing à la mode. L'évaluation des artistes concernés se déroule dans le cadre d'un processus concentré. Les artistes ne soumettent pas leurs œuvres à la KWS, mais sont sélectionnés par la fondation grâce à une observation permanente et intensive de la scène artistique suisse.

Quest'anno la Fondazione Keller-Wedekind (KWS) assegna il suo premio d'arte, dotato di un'elevata dotazione, al fotografo zurighese Peter Hebeisen.

Le serie fotografiche di Hebeisen ruotano attorno al tema del ritratto. Le sue fotografie sono interpretazioni di ciò che l'obiettivo della macchina fotografica cattura. È la visione nitida dietro e sotto la superficie visibile che permette di penetrare nel paesaggio sottocutaneo dell'uomo, dell'animale e della natura.

La serie dei Campi di battaglia europei del XX secolo è straordinariamente attuale. Peter Hebeisen ha fotografato i luoghi in Europa dove si sono svolte le grandi battaglie della Prima e della Seconda guerra mondiale. Dove chilometri di natura e città sono stati devastati e migliaia di persone sono morte, ora ci sono città, boschi appartati e spiagge idilliache con ombrelloni e chioschi di gelati. Tuttavia, è la fotografia di guerra a ritrarre il luogo e i suoi morti in modo per così dire postumo.

Anche l'ultima serie di Hebeisen sui ghiacciai svizzeri, What remains, è impressionante. La fotografia avvicina il ghiacciaio a un essere vivente che sta soffrendo e morendo - un affascinante contrappunto alla magnifica bellezza del mondo montano.

La Fondazione Keller-Wedekind (KWS) promuove l'arte figurativa in Svizzera. Dal 2013 la KWS assegna il suo premio ogni due anni. Peter Hebeisen è il sesto vincitore del Premio d'arte KWS dopo Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber e Andrea Muheim. Si tratta di uno dei premi d'arte più ricchi e finanziati esclusivamente da privati in Svizzera. Ha un valore di 70.000 franchi svizzeri: l'artista riceve 10.000 franchi svizzeri, almeno un'opera viene acquistata dalla fondazione; la sponsorizzazione comprende anche una mostra presso la Galleria Fabian & Claude Walter di Zurigo e la produzione del catalogo ragionato. Il catalogo di 100 pagine che accompagna la mostra contiene circa 60 illustrazioni e un testo della curatrice e autrice Nadine Olonetzky. I cataloghi ragionati della KWS si distinguono per il loro contenuto e la loro accurata compilazione. Questa rinomata promozione è perseguita con forza, lontano dalle tendenze effimere e dal marketing alla moda. La valutazione dei rispettivi artisti avviene in un processo concentrato. Gli artisti non presentano le loro opere alla KWS, ma vengono selezionati dalla fondazione attraverso un'osservazione permanente e intensiva della scena artistica svizzera.

This year, the Keller Wedekind Foundation (KWS) is awarding its highly endowed art prize to the Zurich-based photographer Peter Hebeisen.

Hebeisen's photographic series revolve around the theme of portraiture. His photographs are interpretations of what the camera lens captures. It is the sharp view behind and beneath the visible surface that enables the penetration into the subcutaneous landscape of humans, animals and nature.

The 20th Century European Battlefields series is remarkably topical. Peter Hebeisen photographed places in Europe where the great battles of the First and Second World Wars took place. Where miles of nature and cities were devastated and thousands of people died, there are now towns, secluded woods and idyllic beaches with parasols and ice cream stands. Nevertheless, it is war photography that portrays the place and its dead posthumously, as it were.

Hebeisen's latest series of Swiss glaciers, What remains, is also impressive. The photograph brings the glacier close to a living being that is suffering and dying - a fascinating counterpoint to the magnificent beauty of the mountain world.

The Keller-Wedekind Foundation (KWS) promotes figurative art in Switzerland. The KWS has awarded its prize every two years since 2013. Peter Hebeisen is the sixth winner of the KWS Art Prize after Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber and Andrea Muheim. It is one of the most highly endowed, exclusively privately financed art prizes in Switzerland. Its value amounts to 70,000 Swiss francs: the artist receives 10,000 francs, at least one work is purchased by the foundation; the sponsorship also includes an exhibition at the Fabian & Claude Walter Gallery in Zurich and the production of a catalog of works. The 100-page catalog accompanying the exhibition contains around 60 illustrations and a text by editor and author Nadine Olonetzky. The KWS catalogs raisonnés are characterized by their content and careful compilation. This renowned promotion is pursued with staying power, away from short-lived trends and fashionable marketing. The evaluation of the respective artists takes place in a concentrated process. Artists do not submit their works to the KWS, but are selected by the foundation through permanent, intensive observation of the Swiss art scene.

(Text: Fabian & Claude Walter Galerie, Zürich)

Galerie am Platz | Eglisau
29. Oktober 2023

Künstlergespräch mit Mine Dal, Fotografin

Heute-gestern-übermorgen
Thomas Krempke

Seit drei Jahren arbeitet Thomas Krempke an einem Langzeitprojekt in Albanien, das Projekt ist eine Auseinandersetzung mit dem fotografischen Sehen und mit dem Blick auf die albanischen Wirklichkeit. Die Ausstellung „heute-gestern-übermorgen" zeigt einen Ausschnitt aus diesem Langzeitprojekt. Seit dem Ende der Diktatur 1992 versucht Albanien die gesellschaftliche und wirtschaftliche Entwicklung aufzuholen, für die wir fast hundert Jahre gebraucht haben. Ein unmögliches Unterfangen in dieser kurzen Zeit. Dessen Folgen sind überall im Land sichtbar und scheinen wie ein Spiegelbild unserer eigenen Lebensweise. Es ist als ob Albanien schweben würde zwischen seiner nicht allzu fernen Vergangenheit, die unendlich weit weg zu sein scheint, und einer Zukunft, die nie anbrechen wird, und von der man den Eindruck hat, sie werde sich, bevor sie begonnen hat, wie ein Traum in nichts auflösen. Mit seinen Bildern und Texten setzt sich Thomas Krempke auch mit unserer Wahrnehmung als Reisende auseinander, mit unserem Blick auf andere.

Depuis trois ans, Thomas Krempke travaille sur un projet à long terme en Albanie. Ce projet est une réflexion sur la vision photographique et sur le regard porté sur la réalité albanaise. L'exposition "aujourd'hui-aujourd'hui-après-demain" présente un extrait de ce projet à long terme. Depuis la fin de la dictature en 1992, l'Albanie tente de rattraper le développement social et économique qui nous a pris près de cent ans. Une entreprise impossible en si peu de temps. Ses conséquences sont visibles partout dans le pays et semblent être le reflet de notre propre mode de vie. C'est comme si l'Albanie flottait entre son passé pas si lointain, qui semble infiniment éloigné, et un avenir qui ne commencera jamais, et dont on a l'impression qu'il s'évanouira avant même d'avoir commencé, comme un rêve. Avec ses images et ses textes, Thomas Krempke s'interroge également sur notre perception en tant que voyageurs, sur le regard que nous portons sur les autres.

Thomas Krempke lavora da tre anni a un progetto a lungo termine in Albania, un'esplorazione della visione fotografica e dello sguardo sulla realtà albanese. La mostra "heute-gestern-übermorgen" presenta un estratto di questo progetto a lungo termine. Dalla fine della dittatura nel 1992, l'Albania sta cercando di recuperare il ritardo nello sviluppo sociale ed economico che ha richiesto quasi cento anni. Un'impresa impossibile in questo breve lasso di tempo. Le sue conseguenze sono visibili ovunque nel Paese e sembrano un riflesso del nostro stesso modo di vivere. È come se l'Albania fosse sospesa tra il suo passato non troppo lontano, che sembra infinitamente lontano, e un futuro che non sorgerà mai, e di cui si ha l'impressione che si dissolverà nel nulla come un sogno prima ancora di cominciare. Con le sue immagini e i suoi testi, Thomas Krempke si occupa anche della nostra percezione di viaggiatori, del nostro sguardo sugli altri.

Thomas Krempke has been working on a long-term project in Albania for three years; the project is an exploration of photographic seeing and the gaze on Albanian reality. The exhibition " today-yesterday-after tomorrow" shows an excerpt from this long-term project. Since the end of the dictatorship in 1992, Albania has been trying to catch up with the social and economic development that we took almost a hundred years to achieve. An impossible undertaking in this short period of time. Its consequences are everywhere visible in the country and seem like a reflection of our own way of life. It is as if Albania is suspended between its not-so-distant past, which seems infinitely far away, and a future that will never dawn, of which one has the impression that it will dissolve into nothing like a dream before it has begun. With his pictures and texts, Thomas Krempke also deals with our perception as travelers, with our view of the other.

(Text: Thomas Krempke)