Cons Arc Galleria | Chiasso
25. November 2023 – 28. Januar 2024

REVISITED
Christof Klute

In der Ausstellung REVISITED zeigt Christof Klute Werke, die in den letzten Jahren entstanden sind. Der Titel bezieht sich u.a. auf ein Album von Bob Dylan: "Highway 61 Revisited". Dabei handelt es sich um eine Straße, die Dylans Heimatstadt mit wichtigen Blues-Metropolen verbindet, in denen wichtige Musiker für Dylan gearbeitet haben.

Auch die Fotoserien von Christof Klute sind an Orten entstanden, die den Künstler persönlich interessieren und die mit Ideenwelten wie Philosophie, Mystik und Literatur verbunden sind. So folgen die gezeigten Fotografien Wanderungen, entstehen bei Besuchen in Kirchen oder bei Aufenthalten in Klöstern. In der aktuellen Ausstellung sind aber auch Beispiele für programmatische Architekturen zu sehen, die sich aus bestimmten Idealen und Utopien des menschlichen Lebens und Zusammenlebens ergeben. Es ist immer ein spekulativer Blick auf den sinnlichen Aspekt von Ideen.

In der künstlerischen Arbeitsweise spielen die Konzepte von Serie und Wiederholung eine zentrale Rolle. Christof Klute produziert Fotos immer in Serien. Meist sind es einfache Bewegungen vor Ort, die den fotografischen Blick lenken. So entstehen Bilder, die sich oft nur geringfügig unterscheiden, zum Beispiel in der Richtung des Lichts, wobei Abstraktion und Atmosphäre in ein besonderes Spannungsverhältnis treten. Und die Einzelbilder werden dann in Gruppen, in Reihen oder Blöcken zusammengefasst.

Das wiederholte Aufsuchen von Orten hat durchaus eine meditative Bedeutung. So wird der Aspekt der Zeit zum Thema: Die Orte wechseln, aber auch der Blick des Fotografen. Klutes fotografische Arbeit kann auch als biografische Absicherung verstanden werden.

Dans l'exposition REVISITE, Christof Klute présente des œuvres créées ces dernières années. Le titre fait référence, entre autres, à un album de Bob Dylan : "Highway 61 Revisited". Il s'agit d'une route qui relie la ville natale de Dylan à d'importantes métropoles du Blues, où d'importants musiciens ont travaillé pour Dylan.

De même, les séries de photos de Christof Klute sont prises dans des lieux qui intéressent personnellement l'artiste, des lieux liés à des mondes d'idées tels que la philosophie, le mysticisme et la littérature. Ainsi, les photographies présentées font suite à des déambulations, sont prises lors de visites d'églises ou de séjours dans des monastères. Mais dans l'exposition actuelle, il y a aussi des exemples d'architecture programmatique résultant de certains idéaux et de certaines utopies de la vie et de la coexistence humaine. Il s'agit toujours d'un regard spéculatif sur l'aspect sensuel des idées.

Dans la méthode de travail artistique, les concepts de série et de répétition jouent un rôle central. Christof Klute produit toujours des photos en série. En général, ce sont de simples mouvements sur place qui guident le regard photographique. Il en résulte des images qui ne diffèrent souvent que légèrement, par exemple dans la direction de la lumière, où l'abstraction et l'atmosphère entrent dans une relation de tension particulière. Les images individuelles sont ensuite combinées en groupes, en rangées ou en blocs.

La visite répétée de lieux a certainement une signification méditative. L'aspect temporel devient ainsi le sujet : les lieux changent, mais le regard du photographe aussi. Le travail photographique de Klute peut également être compris comme une sécurité biographique.

Nella mostra REVISITED Christof Klute espone opere realizzate negli ultimi anni. Il titolo si riferisce, tra l’altro, ad un album di Bob Dylan: “Highway 61 Revisited”. Si tratta di una strada che collega la città natale di Dylan con importanti metropoli del Blues, nelle quali per Dylan hanno lavorato importanti musicisti.

Allo stesso modo, le serie fotografiche di Christof Klute vengono realizzate in luoghi di interesse personale per l’artista, luoghi legati a mondi di idee come la filosofia, il misticismo, la letteratura. Così, le fotografie mostrate seguono vagabondaggi, vengono scattate durante le visite alle chiese o durante i soggiorni nei monasteri. Nella mostra in corso, però, ci sono anche esempi di architettura programmatica frutto di certi ideali e certe utopie della vita e della convivenza umana. Si tratta sempre di uno sguardo speculativo sull’aspetto sensuale delle idee.

Nel metodo di lavoro artistico, i concetti di serie e ripetizione svolgono un ruolo centrale. Christof Klute produce sempre foto in serie. Di solito sono semplici movimenti sul luogo a guidare lo sguardo fotografico. Risultano immagini che spesso differiscono solo minimamente, ad esempio nella direzione della luce, dove astrazione e atmosfera entrano in un particolare rapporto di tensione. E le singole immagini vengono poi combinate in gruppi, in righe o blocchi.

La visita ripetitiva dei luoghi ha sicuramente un significato meditativo. Così l’aspetto del tempo diventa argomento: i luoghi cambiano, ma anche lo sguardo del fotografo. L’opera fotografica di Klute può essere intesa anche come sicurezza biografica.

In the exhibition REVISITED Christof Klute exhibits works made in recent years. The title refers, among other things, to a Bob Dylan album, "Highway 61 Revisited." This is a road that connects Dylan's hometown with important Blues metropolises in which important musicians worked for Dylan.

Similarly, Christof Klute's photographic series are taken in places of personal interest to the artist, places linked to worlds of ideas such as philosophy, mysticism, and literature. Thus, the photographs shown follow wanderings, are taken during visits to churches or during stays in monasteries. In the current exhibition, however, there are also examples of programmatic architecture resulting from certain ideals and certain utopias of human life and coexistence. It is always a speculative look at the sensual aspect of ideas.

In the artistic working method, the concepts of series and repetition play a central role. Christof Klute always produces photos in series. Usually it is simple movements on location that guide the photographic gaze. They result in images that often differ only minimally, for example in the direction of light, where abstraction and atmosphere enter into a special relationship of tension. And the individual images are then combined into groups, rows or blocks.

The repetitive visiting of places certainly has a meditative meaning. Thus the appearance of time becomes a subject: the places change, but so does the photographer's gaze. Klute's photographic work can also be understood as biographical security.

(Text: Cons Arc Galleria, Chiasso)

MASI Palazzo Reali | Lugano
23. Oktober 2022 - 19. Februar 2023

e spesso intendo sempre
Manor Kunstpreis Tessin 2022
Lucas Herzig

Das MASI Lugano präsentiert die Einzelausstellung „und oft heisst immer” des mit der Tessiner Ausgabe des Manor Kunstpreis Tessin 2022 ausgezeichneten Künstlers Lucas Herzig (Zürich, 1988).

Herzigs Ausstellung zeigt eine Auswahl neuer Arbeiten mit Installationen, Kompositionen aus Fundsachen, Videos, Zeichnungen, Skulpturen und Flachreliefs, die zu diesem Anlass entstanden sind. Jeder Ausstellungsraum verfügt über eine besondere und unverwechselbare Atmosphäre, die vom Künstler in allen Details gestaltet worden ist. Indem sie mit der Wahrnehmung des Publikums spielen, laden Herzogs Arbeiten dazu ein, leichte und vorschnelle Lesarten zu meiden und regen zum Nachdenken über den Unterschied zwischen Schein und Sein und damit auch über die unvermeidliche Subjektivität der Interpretation an.

Le MASI Lugano présente “et souvent je veux dire toujours”, l’exposition personnelle de l’artiste Lucas Herzig (Zurich, 1988), lauréat de l’édition tessinoise du Prix Culturel Manor Tessin 2022.

L’exposition de Herzig, accueillie au deuxième étage du Palazzo Reali, présente une sélection de nouvelles œuvres comprenant des installations, des compositions d’objets trouvés, des vidéos, des dessins, des sculptures et des bas-reliefs - tous créés pour l’occasion. Chaque salle d’exposition se caractérise par une mise en scène particulière, élaborée en détail par l’artiste. Jouant avec la perception du public, les œuvres de Herzig incitent à ne pas s’arrêter à une première lecture facile, mais à réfléchir à la différence entre apparence et réalité et donc à l’inévitable subjectivité de l’interprétation.

Il MASI Lugano presenta “e spesso intendo sempre”, la personale dell’artista Lucas Herzig (Zurigo, 1988), vincitore dell’edizione ticinese del Premio Culturale Manor Ticino 2022.

La mostra di Herzig presenta una selezione di nuovi lavori tra installazioni, composizioni di oggetti trovati, video, disegni, sculture e bassorilievi – tutti realizzati per l’occasione. Ogni sala espositiva è caratterizzata da un’ambientazione particolare, curata nel dettaglio dall’artista. Giocando con la percezione del pubblico, i lavori di Herzig spingono a riflettere sulla differenza tra apparenza e realtà e quindi sull’inevitabile soggettività dell’interpretazione.

MASI Lugano presents “and often means always”, a solo show by the artist Lucas Herzig (Zurich, 1988), winner of the Ticino edition of the 2022 Manor Art Prize Ticino 2022.

Herzig’s show presents a selection of new works including installations, compositions of found objects, video, drawings, sculptures and bas-reliefs – all realised for the occasion. Each exhibition room has been staged in detail by the artist. Herzig’s works play with our perception to encourage us to go beyond an immediate, surface reading, and reflect on the differences between appearance and reality, and the inevitably subjective nature of interpretation.

(Text: MASI Palazzo Reali, Lugano)

Fondazione Archivio fotografico Roberto Donetta | Corzoneso
13. November 2021 - 24. April 2022

In viaggio con la fotografia
Villi Hermann

Er feiert seinen achtzigsten Geburtstag in bester Form und kann sich selbst seine erste persönliche Fotoausstellung bieten. So ergeht es dem Tessiner Filmemacher Villi Hermann, der ab dem 14. November in der Casa Rotonda in Casserio eine Auswahl von Schwarz-Weiß-Aufnahmen aus den Jahren 1970 bis 2010 präsentiert. Die Ausstellung (begleitet von einem Katalog mit Texten von Alberto Nessi, Antonio Mariotti und Hermann selbst) beginnt mit drei Serien von "Reisebildern", die den Besucher nach Pakistan, China und Indonesien führen, und bringt ihn dann zurück in unsere Breitengrade mit drei Reportagen, die vor einigen Jahrzehnten im Malcantone und in Chiasso aufgenommen und vor kurzem zu drei Kurzfilmen verarbeitet wurden.

Villi Hermann beschäftigt sich seit seiner Jugend mit der Fotografie, wie sein jüngster Spielfilm "CHoisir à vingt ans" (2016) beweist, in dem er mit Anfang zwanzig in einem abgelegenen Dorf in Algerien, das gerade die Unabhängigkeit erlangt hat, Französisch unterrichtet. Die Fotografie ging also dem Kino in seinem Schaffen voraus und nahm ihren Platz neben der Malerei und der Zeichnung ein, während er an der Kunsthochschule Luzern und dann in Krefeld in Deutschland studierte. Es ist kein Zufall, dass der Protagonist von "Fed Up", seinem Kurzfilm zum Abschluss der London Film School 1969, ebenfalls ein Fotograf ist, eine Karikatur von Thomas, dem verführerischen Modefotografen, dem Protagonisten von "Blow Up" (1966), dem berühmten Spielfilm von Michelangelo Antonioni.

Die Fotografie nimmt einen wichtigen Platz in der Filmografie des Tessiner Regisseurs ein. Er hat fünf abendfüllende Dokumentarfilme mit oder über Schweizer Fotografen gedreht: "En voyage avec Jean Mohr" (1992), "Mussolini, Churchill and Postcards" (2003) über Christian Schiefer, "Pédra. Un reporter sans frontières" (2006) über Jean-Pierre Pedrazzini, "From Somewhere to Nowhere" (2008) auf den Spuren von Binnenmigranten in China mit Andreas Seibert und "Gotthard Schuh. Eine sinnliche Vision der Welt" (2011). Für sein neuestes Triptychon von Kurzfilmen, die während der Abriegelung 2020 entstanden sind, hat Hermann drei in den 1970er und 1990er Jahren im Tessin aufgenommene Fotoserien digital "wiederbelebt". Das Ergebnis sind "Ultima sfornata", "Ultime luci rosse" und "Utima mazza".

Die vom Fotoarchiv Roberto Donetta kuratierte Ausstellung, die bis zum 24. April nächsten Jahres in der Casa Rotonda zu sehen ist, erhebt nicht den Anspruch, alle Aspekte des fotografischen Schaffens von Villi Hermann zu präsentieren, sondern die unendlichen Beziehungen aufzuzeigen, die zwischen Fotografie und Kino, zwischen Standbildern und bewegten Bildern entstehen können. Ein Dialog, der im Werk des Filmemachers und Fotografen allgegenwärtig ist und der bei einem ihm gewidmeten Abend Anfang 2022 im Cinema Teatro Blenio in Acquarossa vertieft werden soll.

Fêter son quatre-vingtième anniversaire en pleine forme et pouvoir s'offrir sa première exposition photographique personnelle. C'est ce qui arrive au cinéaste tessinois Villi Hermann, qui présente une sélection de clichés en noir et blanc pris entre 1970 et 2010 à partir du 14 novembre à la Casa Rotonda de Casserio. L'exposition (accompagnée d'un catalogue avec des textes d'Alberto Nessi, d'Antonio Mariotti et de Hermann lui-même) s'ouvre sur trois séries d'"images de voyage" qui emmènent le visiteur au Pakistan, en Chine et en Indonésie, puis le ramène sous nos latitudes avec trois reportages réalisés il y a quelques décennies à Malcantone et à Chiasso, qui ont été récemment transformés en trois courts métrages.

Villi Hermann pratique la photographie depuis son plus jeune âge, comme en témoigne son dernier long métrage, "CHoisir à vingt ans" (2016), dans lequel on le retrouve au début de la vingtaine, enseignant le français dans un village reculé d'Algérie qui vient d'accéder à l'indépendance. La photographie précède ainsi le cinéma dans ses activités créatrices, prenant place aux côtés de la peinture et du dessin alors qu'il étudie à l'école d'art de Lucerne puis à Krefeld en Allemagne. Ce n'est pas une coïncidence si le protagoniste de "Fed Up", son court métrage pour son diplôme de la London Film School en 1969, est également un photographe, une caricature de Thomas, le séduisant photographe de mode, protagoniste de "Blow Up" (1966), le célèbre long métrage de Michelangelo Antonioni.

La photographie occupe une place importante dans la filmographie du réalisateur tessinois. Il a réalisé cinq longs métrages documentaires avec ou sur des photographes suisses : "En voyage avec Jean Mohr" (1992), "Mussolini, Churchill et les cartes postales" (2003) sur Christian Schiefer, "Pédra. Un reporter sans frontières" (2006) sur Jean-Pierre Pedrazzini, "From Somewhere to Nowhere" (2008) sur la piste des migrants internes en Chine avec Andreas Seibert et "Gotthard Schuh. Une vision sensuelle du monde" (2011). Il faut également noter que pour son dernier triptyque de courts métrages, réalisé pendant le verrouillage de 2020, Hermann a "ressuscité" numériquement trois séries de photographies prises au Tessin dans les années 1970 et 1990. Le résultat est "Ultima sfornata", "Ultime luci rosse" et "Utima mazza".

L'exposition, organisée par les Archives photographiques Roberto Donetta, que l'on peut visiter à la Casa Rotonda jusqu'au 24 avril prochain, n'a pas la prétention de présenter tous les aspects de la production photographique de Villi Hermann, mais de mettre en évidence les relations infinies qui peuvent naître entre photographie et cinéma, entre images fixes et images en mouvement. Un dialogue omniprésent dans l'œuvre du cinéaste-photographe et qui sera approfondi lors d'une soirée qui lui sera consacrée, prévue début 2022 au Cinéma Teatro Blenio d'Acquarossa.

Festeggiare gli ottant’anni in piena forma e potersi offrire la prima mostra fotografica personale. È quanto accade al cineasta ticinese Villi Hermann che presenta una selezione di scatti in bianco e nero realizzati tra il 1970 e il 2010 dal prossimo 14 novembre alla Casa Rotonda di Casserio. Un’esposizione (accompagnata da un catalogo con testi di Alberto Nessi, Antonio Mariotti e dello stesso Hermann) che si apre con tre serie di «immagini di viaggio» che conducono il visitatore in Pakistan, Cina e Indonesia; per poi riportarlo alle nostre latitudini con tre reportage realizzati alcuni decenni fa in Malcantone e a Chiasso confluiti di recente in altrettanti cortometraggi.

Villi Hermann ha praticato la fotografia fin da giovanissimo, come testimonia il suo ultimo lungometraggio delicatamente autobiografico – «CHoisir à vingt ans» (2016) – nel quale lo si ritrova, poco più che ventenne, all’inizio degli anni Sessanta, quale insegnante di francese in uno sperduto villaggio dell’Algeria che ha appena conquistato l’indipendenza. La fotografia precede quindi il cinema nel campo delle sue attività creative, affiancandosi a pittura e disegno mentre studia alla Scuola d’arte di Lucerna e poi a Krefeld in Germania. Non è per nulla un caso che anche il protagonista di «Fed Up», il suo cortometraggio di diploma alla London Film School nel 1969, sia un fotografo, una caricatura di Thomas, il seducente fotografo di moda, protagonista di «Blow Up» (1966), il celebre lungometraggio di Michelangelo Antonioni.

La fotografia occupa un posto di rilievo nella filmografia del regista ticinese. Basti pensare che ha realizzato ben cinque lungometraggi documentari con o su altrettanti fotografi svizzeri: «En voyage avec Jean Mohr» (1992), «Mussolini, Churchill e cartoline» (2003) su Christian Schiefer, «Pédra. Un reporter sans frontières» (2006) su Jean-Pierre Pedrazzini, «From Somewhere to Nowhere» (2008) sulle tracce dei migranti interni in Cina con Andreas Seibert e «Gotthard Schuh. Una visione sensuale del mondo» (2011). Da notare inoltre che per il suo ultimo trittico di cortometraggi, realizzati durante il lockdown del 2020, Hermann ha «fatto rivivere» digitalmente tre serie di fotografie scattate in Ticino negli anni Settanta-Novanta. Sono così nati «Ultima sfornata», «Ultime luci rosse» e «Utima mazza».

La mostra, curata dall’Archivio fotografico Roberto Donetta, che si potrà visitare alla Casa Rotonda fino al 24 aprile del prossimo anno, non ha la pretesa di presentare tutti gli aspetti della produzione fotografica di Villi Hermann, ma di evidenziare le infinite relazioni che possono nascere tra fotografia e cinema, tra immagini fisse e immagini in movimento. Un dialogo che è onnipresente nell’opera del cineasta-fotografo e che sarà approfondito durante una serata a lui dedicata in programma a inizio 2022 al Cinema Teatro Blenio di Acquarossa.

Celebrating his eightieth birthday in full form and being able to offer his first personal photographic exhibition. This is what happens to the Ticinese filmmaker Villi Hermann who presents a selection of black and white shots taken between 1970 and 2010 from November 14th at the Casa Rotonda in Casserio. An exhibition (accompanied by a catalog with texts by Alberto Nessi, Antonio Mariotti and Hermann himself) which opens with three series of "travel images" that take the visitor to Pakistan, China and Indonesia; and then takes him back to our latitudes with three reportages made a few decades ago in Malcantone and Chiasso, recently turned into three short films.

Villi Hermann has been practicing photography since he was very young, as testified by his latest feature film, delicately autobiographical - "CHoisir à vingt ans" (2016) - in which we find him, in his early twenties, at the beginning of the sixties, as a French teacher in a remote village in Algeria that had just gained independence. Photography therefore precedes cinema in the field of his creative activities, flanking painting and drawing while he studies at the Lucerne School of Art and then at Krefeld in Germany. It is no coincidence that the protagonist of "Fed Up", his short film graduating from the London Film School in 1969, is also a photographer, a caricature of Thomas, the seductive fashion photographer, the protagonist of "Blow Up" (1966), the famous feature film by Michelangelo Antonioni.

Photography occupies an important place in the filmography of the Ticino director. Suffice it to say that he has made five feature-length documentaries with or about five Swiss photographers: "En voyage avec Jean Mohr" (1992), "Mussolini, Churchill and postcards" (2003) on Christian Schiefer, "Pédra. Un reporter sans frontières" (2006) on Jean-Pierre Pedrazzini, "From Somewhere to Nowhere" (2008) on the trail of internal migrants in China with Andreas Seibert, and "Gotthard Schuh. A Sensual Vision of the World" (2011). It should also be noted that for his latest triptych of short films, made during the 2020 lockdown, Hermann digitally "revived" three series of photographs taken in Ticino in the 1970s and 1990s. Thus were born "Ultima sfornata", "Ultime luci rosse" and "Utima mazza".

The exhibition, curated by the Roberto Donetta Photographic Archive, which can be visited at the Casa Rotonda until April 24 of next year, does not pretend to present all the aspects of Villi Hermann's photographic production, but to highlight the infinite relationships that can arise between photography and cinema, between still images and moving images. A dialogue that is omnipresent in the work of the filmmaker-photographer and that will be explored in depth during an evening dedicated to him scheduled for early 2022 at the Cinema Teatro Blenio in Acquarossa.

(Text: Imagofilm Lugano)

Galleria Cons Arc | Chiasso
31. Oktober - 23. Dezember 2021

Malleus Maleficarum
Virginie Rebetez

Die in Lausanne lebende Schweizer Künstlerin und Fotografin Virginie Rebetez präsentiert im Tessin erstmals ihr Werk Malleus Maleficarum, das im Rahmen der 11. Ausgabe der Enquête photographique fribourgeoise entstanden ist. Im Tessin wird er mit einer fotografischen Serie aus Porträts, Landschaften und einem Video vertreten sein: Sedute Medianiche. Treffen mit Claude Bergier (HD 23 Minuten, Audio-only auf Schwarz) und durch das Buch für den Verkauf und die Ausstellung, veröffentlicht 2018 von BCU Fribourg und Meta/Books, Amsterdam.

Der Titel Malleus Maleficarum, auf Italienisch Il martello delle malefiche (der Hexen), stammt aus einem Traktat aus dem Jahr 1487, das als theoretischer Leitfaden gegen Hexerei diente. Rebetez nutzt ihn als Ausgangspunkt, um eine Vergangenheit zu rehabilitieren, in der dieser Text als Vorwand und Mittel zur Anklage derjenigen diente, die nach den damaligen Vorstellungen als "anders" und damit als gefährlich für die Gesellschaft galten. Claude Bergier, ein Heiler und angeblicher Zauberer, der 1628 auf dem Scheiterhaufen verbrannt wurde, ist der fil rouge, den Rebetez als Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen den Medien von heute und den Zauberern der Vergangenheit einsetzt, ohne jemals in Voyeurismus zu verfallen, sondern die Geschichte und das, was von ihr übrig geblieben ist, in Frage zu stellen.

(...) Ich schlage Claude Bergiers Seele vor, zu kommen, wenn sie einverstanden ist. Um näher zu kommen, wenn er es ist. Um eine gesunde Diskussion zu führen. Eine Diskussion über Frieden, über Einfachheit. Mit uns, den Lebenden, und Ihnen, den Verstorbenen. (...) (entnommen aus Sedute Medianiche. Treffen mit Claude Bergier, HD-Video, 23 Minuten, Audio nur auf Schwarz).

Malleus Maleficarum ist ein Werk, das uns zum Nachdenken über die Komplexität des Mediums, sei es der Mensch oder die Fotografie, in der Vergangenheit und in der Gegenwart anregt und eine weitere Reflexion nicht nur über die Geschichte, sondern auch über das Konzept der Fotografie selbst als Spur ermöglicht. Seit einiger Zeit kreisen Rebetez' Arbeiten um das Thema der Abwesenheit, des Unsichtbaren und des Aufbruchs, wobei sie sich selbst und das fotografische Medium immer weiter vorantreibt.

Es ist auch kein Zufall, dass die Ausstellung in Chiasso am 31. Oktober eröffnet wird, dem Vorabend von Allerheiligen, einem keltisch-christlichen Fest, das dem katholischen Gedenktag für die Verstorbenen vorausgeht und das einen Bezug zu Rebetez' Werk und ihrer Ausstellung herstellt.

(...) Wissen Sie, ob bei Ihnen im Mutterleib etwas schief gelaufen sein könnte? (...)

Wir werden nicht mehr sagen, außer dass es sich um ein Werk handelt, das mehrfach gelesen, gesehen und wieder gesehen, gehört und verarbeitet werden muss, aus dem jeder von uns etwas Intensives und Viszerales extrahieren und es sich schließlich zu eigen machen kann.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, herausgegeben von BCU Fribourg & Meta/Books, Amsterdam, mit Texten von Elisa Rusca und Olga Yatskevich.

Virginie Rebetez, artiste et photographe suisse vivant à Lausanne, présente pour la première fois au Tessin son œuvre Malleus Maleficarum, réalisée dans le cadre de la 11e édition de l'Enquête photographique fribourgeoise. Au Tessin, il sera présent avec une série photographique composée de portraits, de paysages et d'une vidéo : Sedute Medianiche. Rencontre avec Claude Bergier (HD 23 minutes, audio uniquement sur le noir) et par le livre en vente et en exposition, publié en 2018 par BCU Fribourg et Meta/Books, Amsterdam.

Le titre Malleus Maleficarum, en italien Il martello delle malefiche (des sorcières), nous vient d'un traité de 1487 utilisé comme guide théorique contre la sorcellerie. Rebetez s'en sert comme point de départ pour réhabiliter un passé dans lequel ce texte servait d'excuse et de moyen pour accuser ceux qui, selon les croyances de l'époque, étaient définis comme "différents" et donc dangereux pour la société. Claude Bergier, guérisseur et sorcier présumé brûlé sur le bûcher en 1628, est le fil rouge que Rebetez utilise comme un pont entre le passé et le présent, entre les médiums d'aujourd'hui et les sorciers du passé, sans jamais verser dans le voyeurisme, mais en défiant l'histoire et ce qu'il en reste.

(...) Je propose à l'âme de Claude Bergier de venir, si elle est d'accord. Pour se rapprocher, si c'est lui. Pour avoir une discussion saine. Une discussion sur la paix, la simplicité. Avec nous, les vivants, et vous, les défunts. (...) (extrait de Sedute Medianiche. Rencontre avec Claude Bergier, vidéo HD, 23 minutes, audio uniquement sur le noir).

Malleus Maleficarum est une œuvre qui nous fait réfléchir à la complexité du médium, qu'il s'agisse de l'homme ou de la photographie, dans le passé et de nos jours, et permet d'approfondir la réflexion non seulement sur l'histoire mais aussi sur le concept même de photographie en tant que trace. Depuis un certain temps, le travail de Rebetez tourne autour du thème de l'absence, de l'invisible et du départ, poussant toujours plus loin son travail et le médium photographique.

Ce n'est pas non plus un hasard si l'exposition s'ouvre à Chiasso le 31 octobre, veille de la Toussaint, fête celtique christianisée précédant le jour dédié aux morts dans la religion catholique, clin d'œil à l'œuvre de Rebetez et à son exposition.

(...) Savez-vous si quelque chose aurait pu mal tourner pour vous dans le ventre de votre mère ? (...)

Nous n'en dirons pas plus, si ce n'est que c'est une œuvre à lectures multiples, à voir et à revoir, à écouter et à traiter, où chacun peut extrapoler quelque chose d'intense et de viscéral, et finalement se l'approprier.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue publié par BCU Fribourg & Meta/Books, Amsterdam, avec des textes d'Elisa Rusca et Olga Yatskevich.

Virginie Rebetez, artista e fotografa svizzera residente a Losanna, presenta per la prima volta in Ticino il suo lavoro Malleus Maleficarum, realizzato nell’ambito dell’11esima edizione dell’Enquête photographique fribourgeoise. In Ticino sarà presente con una serie fotografica composta da ritratti, paesaggi, da un video: Sedute Medianiche. Incontro con Claude Bergier (HD 23 minuti, solo audio su nero) e dal libro in vendita e in mostra, edito nel 2018 da BCU Fribourg e Meta/Books, Amsterdam.

Il titolo Malleus Maleficarum, in italiano Il martello delle malefiche (delle streghe), ci arriva da un trattato del 1487 usato come guida teorica contro la stregoneria. Rebetez se ne serve come punto di partenza per riabilitare un passato nel quale ci si serviva di questo testo come scusa e mezzo per accusare chi, secondo le credenze di allora, veniva definito come “diverso” e quindi pericoloso per la società. Claude Bergier, guaritore e presunto stregone messo al rogo nel 1628, è il fil rouge che Rebetez usa come ponte tra passato e presente, tra i medium di oggi e gli stregoni di allora, senza mai sfociare però nel voyeurisme, ma sfidando la storia e ciò che ne rimane.

(…) Propongo all’anima di Claude Bergier di venire, se è d’accordo. Di avvicinarsi, se è proprio lui. Per avere una discussione sana. Una discussione di pace, di semplicità. Con noi, i vivi, e tu, il defunto. (…)
(tratto da Sedute Medianiche. Incontro con Claude Bergier, video HD, 23 minuti, solo audio su nero).

Malleus Maleficarum è un lavoro che ci fa riflettere sulla complessità del medium, siano esse persone o mezzo fotografico, in passato e ai nostri giorni, e consente un’ulteriore riflessione oltre che sulla storia, sul concetto stesso di fotografia, quale traccia. Da tempo il lavoro di Rebetez ruota attorno al tema dell’assenza, dell’invisibile e della partenza spingendo sempre di più sé stessa e il mezzo fotografico.

Non è nemmeno casuale che la mostra veda la sua apertura a Chiasso il 31 ottobre, la vigilia di Ognissanti, festa celtica cristianizzata che precede il giorno dedicato ai defunti dalla religione cattolica, un clin d’oeil al lavoro di Rebetez e alla sua mostra.

(…) Sa per caso se nel ventre di sua mamma, qualcosa avrebbe potuto andare storto, per lei? (…)

Non aggiungiamo altro, se non che si tratta di un lavoro dalle molteplici letture da vedere e rivedere, ascoltare ed elaborare, dove ognuno di noi riesce ad estrapolare qualcosa di intenso e viscerale, e alla fine farlo suo.

La mostra è accompagnata dal catalogo edito da BCU Fribourg & Meta/Books, Amsterdam con testi di Elisa Rusca e Olga Yatskevich.

Virginie Rebetez, Swiss artist and photographer living in Lausanne, presents for the first time in Ticino her work Malleus Maleficarum, realized within the 11th edition of the Enquête photographique fribourgeoise. In Ticino he will be present with a photographic series composed of portraits, landscapes and a video: Median Sessions. Meeting with Claude Bergier (HD 23 minutes, audio-only on black) and by the book for sale and exhibition, published in 2018 by BCU Fribourg and Meta/Books, Amsterdam.

The title Malleus Maleficarum, in Italian Il martello delle malefiche (of witches), comes to us from a 1487 treatise used as a theoretical guide against witchcraft. Rebetez uses it as a starting point to rehabilitate a past in which this text was used as an excuse and a means to accuse those who, according to the beliefs of the time, were defined as "different" and therefore dangerous to society. Claude Bergier, healer and presumed witch doctor burned at the stake in 1628, is the fil rouge that Rebetez uses as a bridge between past and present, between today's mediums and the witch doctors of that time, without ever venturing into voyeurism, but challenging history and what remains of it.

(...) I propose to the soul of Claude Bergier to come, if he agrees. To come closer, if it is him. To have a healthy discussion. A discussion of peace, of simplicity. With us, the living, and you, the deceased. (...) (taken from Sedute Medianiche. Meeting with Claude Bergier, HD video, 23 minutes, audio-only on black).

Malleus Maleficarum is a work that makes us reflect on the complexity of the medium, be it people or the photographic medium, in the past and in our days, and allows a further reflection not only on history, but also on the concept of photography itself, as a trace. For a long time Rebetez's work has revolved around the theme of absence, of the invisible and of departure, always pushing herself and the photographic medium further.

It is no coincidence either that the exhibition opens in Chiasso on October 31, the eve of All Saints' Day, a Celtic Christianized feast day that precedes the day dedicated to the dead in the Catholic religion, a clin d'oeil to Rebetez's work and her exhibition.

(...) Do you know by any chance if something could have gone wrong for you in your mother's womb? (...)

We won't add anything else, except that this is a work with multiple readings to be seen and seen again, listened to and processed, where each one of us can extrapolate something intense and visceral, and in the end make it our own.

The exhibition is accompanied by a catalog published by BCU Fribourg & Meta/Books, Amsterdam with texts by Elisa Rusca and Olga Yatskevich.

Aline d'Auria

Museo delle Culture | Lugano
23. September 2021 - 27. Februar 2022

Unpublished Photo
Khanh Bui Phu, Mouneb Taim, Avinash Mishra, Li Zhang

Unpublished Photo ist eine Veranstaltung, die von MUSEC und der Fondazione culture e musei in Zusammenarbeit mit der Galerie 29 ARTS IN PROGRESS in Mailand gefördert wird. Seit 2018 hat das Projekt junge Fotografen unter 36 Jahren aus der ganzen Welt angezogen.

Im Jahr 2020 möchte MUSEC die Initiative konsolidieren, indem sie ihr einen institutionellen Rahmen und eine mittelfristige Entwicklungsperspektive gibt, mit dem Ziel, die wichtigsten internationalen Trends in der jungen Kunstfotografie aufzuzeigen.

Das MUSEC beabsichtigt auch, in Lugano ein Archiv für zeitgenössische Fotografie einzurichten, das neben der bestehenden Sammlung des Museums mit Fotografien aus dem 19.

Die Ausstellung, die im renommierten Spazio Maraini der Villa Malpensata in Lugano stattfindet, präsentiert 24 großformatige Fotodrucke. Die Protagonisten der temporären Ausstellung sind vier junge Talente, die im Juli von der internationalen Jury des UP21-Preises unter dem Vorsitz des deutschen Fotografen Han Georg Berger ausgewählt wurden. Die Künstler befassen sich mit aktuellen Themen wie der Artenvielfalt und der Erosion natürlicher Ökosysteme, mit Kriegskonflikten, der Wiederherstellung von Traditionen und der Bedeutung der Verbindung zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Unpublished Photo est un événement promu par MUSEC et la Fondazione culture e musei, en collaboration avec la galerie 29 ARTS IN PROGRESS de Milan. Depuis 2018, le projet a attiré de jeunes photographes de moins de 36 ans du monde entier.

En 2020, MUSEC a souhaité consolider l'initiative en lui donnant un cadre institutionnel et une perspective de développement à moyen-long terme, dans le but de mettre en lumière les principales tendances internationales de la jeune photographie d'art.

L'intention de MUSEC est également d'établir à Lugano une archive de la photographie contemporaine, qui sera hébergée aux côtés de la collection existante de photographie du XIXe siècle et exotique du musée.

L'exposition, qui se tient dans le célèbre Spazio Maraini de la Villa Malpensata à Lugano, présente 24 tirages photographiques grand format. Les protagonistes de l'exposition temporaire sont quatre jeunes talents sélectionnés en juillet par le jury international du prix UP21, présidé par le photographe allemand Han Georg Berger. Les artistes traitent de sujets d'actualité tels que la biodiversité et l'érosion des écosystèmes naturels, les conflits de guerre, la récupération de la tradition et l'importance du lien entre le passé et le présent.

Unpublished Photo è un evento promosso dal MUSEC e dalla Fondazione culture e musei, in collaborazione con la galleria 29 ARTS IN PROGRESS di Milano. Dal 2018 il progetto ha richiamato giovani fotografi under 36 da tutto il mondo.

Nel 2020, MUSEC ha voluto consolidare l'iniziativa dandole una cornice istituzionale e una prospettiva di sviluppo a medio-lungo termine, con l'obiettivo di evidenziare le principali tendenze internazionali della giovane fotografia d'arte.

L'intenzione del MUSEC è anche quella di costituire a Lugano un archivio di fotografia contemporanea, che si affiancherà alla collezione esistente del museo di fotografia ottocentesca ed esotica.

La mostra, ospitata nel rinomato Spazio Maraini di Villa Malpensata a Lugano, presenta 24 stampe fotografiche di grande formato. I protagonisti della mostra temporanea sono quattro giovani talenti selezionati in luglio dalla giuria internazionale del premio UP21, presieduta dal fotografo tedesco Han Georg Berger. Gli artisti affrontano temi di attualità come la biodiversità e l'erosione degli ecosistemi naturali, i conflitti bellici, il recupero della tradizione e l'importanza del legame tra passato e presente.

Unpublished Photo is an event promoted by MUSEC and the Fondazione culture e musei, in collaboration with 29 ARTS IN PROGRESS gallery in Milan. Since 2018, the project has attracted young photographers under 36 from all over the world.

In 2020, MUSEC wanted to consolidate the initiative by giving it an institutional framework and a medium-long term development perspective, with the aim of highlighting the main international trends in young art photography.

MUSEC's intention is also to establish an archive of contemporary photography in Lugano, which will be housed alongside the museum's existing collection of 19th century and exotic photography.

The exhibition, housed in the renowned Spazio Maraini at Villa Malpensata in Lugano, presents 24 large-format photographic prints. The protagonists of the temporary exhibition are four young talents selected in July by the international jury of the UP21 prize, chaired by the German photographer Han Georg Berger. The artists deal with topical issues such as biodiversity and the erosion of natural ecosystems, war conflicts, the recovery of tradition and the importance of the link between past and present.

(Text: Museo delle Culture, Lugano)

Obermutten
11. August - 29. August 2021

Blickfeld Obermutten

Die kleine Ausstellung zeigt Obermutten aus der Perspektive von Fotopionieren, die das Walserdorf vor rund einem Jahrhundert besucht haben. Die Bilder sind dort platziert, wo die Fotografen einst den Auslöser drückten. Der Spaziergang durch die Vergangenheit macht die Veränderungen von Ortsbild und Landschaft deutlich. Auch im authentisch wirkenden Obermutten haben sich Dorf und Landschaft in den letzten 50 Jahren tiefgreifend gewandelt. Die kleine Ausstellung historischer Fotos unter freiem Himmel soll den Blick dafür schärfen. Dabei geht es nicht nur um Nostalgie, sondern auch um die Fragen: Wie soll Obermuttens Zukunft aussehen, was ist uns wertvoll und wie können wir es schützen und entwickeln? Mehrzahl der in Obermutten gezeigten Fotos stammen aus dem Fundus der Fotostiftung Graubünden. Die ältesten Aufnahmen Obermuttens sind das Werk des Aargauers Jakob Hunziker (1827-1901. Er besuchte die Mutten in den 1890-er Jahren im Zusammenhang mit seinen volkskundlichen Forschungen zu den Bauernhäusern der Schweiz. Der zweite Fotograf, von dem die meisten Bilder der Ausstellung stammen, ist eine Generation jünger. Hermann Heer (1882 – 1936) war Lithograph und Photochrom-Operateur. In seiner Freizeit malte und fotografierte er. Er hat 1927 seine Sommerferien in Obermutten verbracht und das Dorf noch vor dem Brand von 1946 dokumentiert. Obermutten wurde bereits vor dem Ersten Weltkrieg als Postkartenmotiv entdeckt, denn bereits damals entwickelte sich ein bescheidener Fremdenverkehr. Für Bündner Fotografen Grund genug, Postkarten-Ansichten und später auch Fotos für Landschaftsreportagen in illustrierten Zeitschriften zu produzieren. Romedo Guler-Schuhmacher aus Thusis hat das Dorf vor und nach dem verheerenden Brand von 1946 fotografiert. Kurz nach dem Zweiten Weltkrieg hat der Davoser Otto Furter, einer der bedeutendsten Bündner Fotografen, Mutten besucht. Er weckte mit seinen Bildreportagen in der Öffentlichkeit Verständnis für die Schutzwürdigkeit des Alpenraums – lange bevor dieses Anliegen die breite Öffentlichkeit beschäftigte. Zwei seiner Aufnahmen runden die Ausstellung ab.

La petite exposition montre Obermutten du point de vue des pionniers de la photographie qui ont visité le village de Walser il y a environ un siècle. Les photos sont placées là où les photographes ont appuyé sur le déclencheur. La promenade dans le passé fait apparaître clairement les changements dans l'aspect et le paysage du village. Même dans l'Obermutten d'apparence authentique, le village et le paysage ont profondément changé au cours des 50 dernières années. La petite exposition de photos historiques en plein air a pour but d'aiguiser l'œil à cet égard. Il ne s'agit pas seulement de nostalgie, mais aussi de questions : à quoi devrait ressembler l'avenir d'Obermutten, qu'est-ce qui est précieux pour nous et comment pouvons-nous le protéger et le développer ? La plupart des photos présentées à Obermutten proviennent de la collection de la Fotostiftung Graubünden. Les plus anciennes photographies d'Obermutten sont l'œuvre de Jakob Hunziker (1827-1901), originaire d'Argovie, qui a visité les Mutten dans les années 1890 dans le cadre de ses recherches folkloriques sur les fermes de Suisse. Le second photographe, qui a pris la plupart des photos de l'exposition, est une génération plus jeune. Hermann Heer (1882 - 1936) était un lithographe et un opérateur photochrome. Pendant son temps libre, il peignait et photographiait. Il a passé ses vacances d'été à Obermutten en 1927 et a documenté le village avant même l'incendie de 1946. Obermutten a déjà été découvert comme motif de carte postale avant la première guerre mondiale, car déjà à cette époque, un modeste commerce touristique se développait. Une raison suffisante pour que les photographes grisons produisent des vues de cartes postales et, plus tard, des photos pour des reportages sur les paysages dans des magazines illustrés. Romedo Guler-Schuhmacher de Thusis a photographié le village avant et après l'incendie dévastateur de 1946. Peu après la Seconde Guerre mondiale, Otto Furter de Davos, l'un des plus importants photographes grisons, a visité Mutten. Grâce à ses reportages photographiques, il a sensibilisé le public à la nécessité de protéger la région alpine - bien avant que cette question ne devienne un sujet de préoccupation pour le grand public. Deux de ses photographies complètent l'exposition.

La piccola mostra mostra Obermutten dalla prospettiva dei pionieri della fotografia che visitarono il villaggio Walser circa un secolo fa. Le immagini sono collocate dove i fotografi hanno premuto il pulsante di scatto. La passeggiata nel passato rende chiari i cambiamenti dell'aspetto e del paesaggio del villaggio. Anche nella Obermutten dall'aspetto autentico, il villaggio e il paesaggio sono profondamente cambiati negli ultimi 50 anni. La piccola mostra di foto storiche all'aperto ha lo scopo di affinare l'occhio per questo. Non si tratta solo di nostalgia, ma anche di domande: come dovrebbe essere il futuro di Obermutten, cosa è prezioso per noi e come possiamo proteggerlo e svilupparlo? La maggior parte delle foto mostrate a Obermutten provengono dalla collezione della Fotostiftung Graubünden. Le più antiche fotografie di Obermutten sono opera di Jakob Hunziker (1827-1901) di Argovia, che visitò il Mutten negli anni 1890 in relazione alle sue ricerche folkloristiche sulle cascine della Svizzera. Il secondo fotografo, che ha scattato la maggior parte delle foto della mostra, è di una generazione più giovane. Hermann Heer (1882 - 1936) era un litografo e operatore di fotocromia. Nel suo tempo libero dipingeva e fotografava. Ha trascorso le sue vacanze estive a Obermutten nel 1927 e ha documentato il villaggio anche prima dell'incendio del 1946. Obermutten è stato scoperto come motivo da cartolina già prima della prima guerra mondiale, perché già allora si stava sviluppando un modesto commercio turistico. Motivo sufficiente per i fotografi grigionesi per produrre vedute in cartolina e più tardi anche foto per reportage paesaggistici in riviste illustrate. Romedo Guler-Schuhmacher di Thusis ha fotografato il villaggio prima e dopo il devastante incendio del 1946. Poco dopo la seconda guerra mondiale, Otto Furter di Davos, uno dei più importanti fotografi grigionesi, visitò Mutten. Con i suoi reportage fotografici, ha risvegliato la comprensione del pubblico per la necessità di proteggere la regione alpina - molto prima che questo problema diventasse una preoccupazione per il grande pubblico. Due sue fotografie completano la mostra.

The small exhibition shows Obermutten from the perspective of photographic pioneers who visited the Walser village about a century ago. The pictures are placed where the photographers once pressed the shutter release. The walk through the past makes the changes in the village's appearance and landscape clear. Even in the authentic-looking Obermutten, the village and landscape have changed profoundly over the past 50 years. The small exhibition of historical photos in the open air is intended to sharpen the eye for this. It is not only about nostalgia, but also about the questions: What should Obermutten's future look like, what is valuable to us and how can we protect and develop it? Most of the photos shown in Obermutten come from the collection of the Fotostiftung Graubünden. The oldest photographs of Obermutten are the work of Jakob Hunziker (1827-1901) from Aargau, who visited the village in the 1890s in connection with his folkloristic research on the farmhouses of Switzerland. The second photographer, who took most of the pictures in the exhibition, is a generation younger. Hermann Heer (1882 - 1936) was a lithographer and photochrome operator. In his spare time he painted and took photographs. He spent his summer vacations in Obermutten in 1927 and documented the village even before the fire of 1946. Obermutten was already discovered as a postcard motif before the First World War, because even then a modest tourist trade was developing. This was reason enough for Grisons photographers to produce postcard views and later also photos for landscape reports in illustrated magazines. Romedo Guler-Schuhmacher from Thusis photographed the village before and after the devastating fire of 1946. Shortly after the Second World War, Otto Furter from Davos, one of the most important Grisons photographers, visited Mutten. With his photographic reports, he awakened public understanding for the need to protect the Alpine region - long before this concern preoccupied the general public. Two of his photographs round off the exhibition.

Villa Garbald | Castasegna
3. Juli 2021 - 25. Juni 2022

Noonday
Annelies Štrba

In einer seit 2005 bestehenden Zusammenarbeit mit dem Bündner Kunstmuseum werden durch jährlich wechselnde Präsentationen mit Kunst besondere Impulse in die Villa Garbald gebracht. Das Bündner Kunstmuseum bemüht sich dabei in besonderem Masse, das Erbe des Fotografen und Künstlers Andrea Garbald zu wahren und die Fotokunst in diesem Haus lebendig zu halten. Zu Gast ist dieses Jahr auf Einladung von Stephan Kunz die in Richterswil und Arcegno lebende Künstlerin Annelies Štrba (*1947).

Andrea Garbald, Hausherr und Spiritus rector der Kunsteinrichtungen an diesem Ort, hat es verstanden, seinen Fotografien einen malerischen Blick zu verleihen. Er hat faszinierende Bilder der Alltagswelt im Bergell geschaffen und damit indirekt auch den Boden für Annelies Strba bereitete. Annelies Štrba schlägt Brücken aus der Zeit des Piktorialismus eines Andrea Garbald bis in die Gegenwart. Mit ihren Fotografien bringt sie eine überraschende Privatheit in die Räume der Villa und des Erweiterungsbaus und verbindet verschiedene Welten.

Dans le cadre d'une collaboration avec le Bündner Kunstmuseum qui existe depuis 2005, des impulsions particulières sont données à la Villa Garbald par des présentations artistiques qui changent chaque année. Le Bündner Kunstmuseum s'efforce de préserver l'héritage de la photographe et artiste Andrea Garbald et de faire vivre l'art photographique dans cette maison. Cette année, à l'invitation de Stephan Kunz, l'artiste Annelies Štrba (*1947), qui vit à Richterswil et Arcegno, sera l'invitée.

Andrea Garbald, propriétaire et spiritus rector des installations artistiques de ce lieu, a su donner à ses photographies un aspect pictural. Il a créé des images fascinantes du monde quotidien de Bergell et a ainsi indirectement préparé le terrain pour Annelies Strba. Annelies Štrba jette des ponts entre l'époque du pictorialisme d'un Andrea Garbald et le présent. Avec ses photographies, elle apporte une intimité surprenante dans les pièces de la villa et de l'extension et relie des mondes différents.

In una collaborazione con il Bündner Kunstmuseum che esiste dal 2005, impulsi speciali sono portati alla Villa Garbald attraverso presentazioni annuali che cambiano con l'arte. Il Bündner Kunstmuseum fa uno sforzo speciale per preservare l'eredità del fotografo e artista Andrea Garbald e per mantenere viva l'arte fotografica in questa casa. Quest'anno, su invito di Stephan Kunz, sarà ospite l'artista Annelies Štrba (*1947), che vive a Richterswil e Arcegno.

Andrea Garbald, padrone di casa e spiritus rector delle strutture artistiche di questo locale, ha saputo dare alle sue fotografie un aspetto pittorico. Ha creato immagini affascinanti del mondo quotidiano in Bregaglia e quindi ha preparato indirettamente il terreno per Annelies Strba. Annelies Štrba costruisce ponti dall'epoca del pittorialismo di un Andrea Garbald al presente. Con le sue fotografie, porta una sorprendente intimità nelle stanze della villa e dell'estensione e collega mondi diversi.

In a cooperation with the Bündner Kunstmuseum that has existed since 2005, special impulses are brought to the Villa Garbald through annually changing presentations with art. The Bündner Kunstmuseum makes a special effort to preserve the legacy of the photographer and artist Andrea Garbald and to keep photographic art alive in this house. This year's guest, at the invitation of Stephan Kunz, is the artist Annelies Štrba (*1947), who lives in Richterswil and Arcegno.

Andrea Garbald, landlord and spiritus rector of the art facilities in this place, has known how to give his photographs a painterly look. He has created fascinating images of the everyday world in Bergell and thus indirectly prepared the ground for Annelies Strba. Annelies Štrba builds bridges from the era of pictorialism of an Andrea Garbald to the present. With her photographs she brings a surprising privacy into the rooms of the villa and the extension and connects different worlds.

MASI Palazzo Reali | Lugano
6. Juni - 18. Juli 2021

Displaying Security
Salvatore Vitale

Salvatore Vitale ist der Gewinner der dreizehnten Ausgabe des «Bally Artist of the Year Award». Aus diesem Anlass widmen ihm The Bally Foundation und das Museo d’arte della Svizzera italiana MASI die Ausstellung Displaying Security, die vom 6. Juni bis am 18. Juli 2021 im Palazzo Reali in Lugano stattfinden wird.

Salvatore Vitale ist der Gewinner der dreizehnten Ausgabe des «Bally Artist of the Year Award 2020». Sein Werk zeigt eine grosse Adhärenz zum diesjährigen Wettbewerbsthema «Sloganismus und Sloganismen». Das war eine Aufforderung, eine unmittelbare Sprache zu entwickeln, die Form, Bild und Inhalt in Verbindung bringt, und durch diese Interaktion sowohl das Auge fesselt, als auch das Denken anregt.

Die ihm gewidmete Ausstellung findet in der «Sala Mattoni» im Erdgeschoss des Palazzo Reali statt und zeigt eine Auswahl von fotografischen Werken aus dem Projekt How to Secure a Country. Im Laufe einer mehrjährigen visuellen Recherche, hat der Künstler für dieses Projekt die Mechanismen untersucht, die dem eidgenössischen Sicherheitssystem zugrunde liegen. Ein komplexes System, das aus heterogenen, und doch miteinander verwobenen Realitäten besteht – von der Armee über Meteorologiezentren bis hin zu Robotiklabors – die oft völlig unsichtbar bleiben. Im Fokus stehen Anweisungen, Protokolle, Bürokratien sowie «konkretere» Aspekte der Sicherheit. Salvatore Vitale stellt sich der Herausforderung, durch eine Konstellation von Fotografien, Diagrammen und grafischen Illustrationen einige Aspekte eines äusserst artikulierten und schwer zu beobachtenden Organismus zu zeigen. Eine komplexe Aufgabe, die auch im Titel der Ausstellung zum Ausdruck kommt: Displaying Security.

Salvatore Vitale est le lauréat de la treizième édition du Bally Artist of the Year Award. À cette occasion, la Fondation Bally pour la Culture et le Museo d’arte della Svizzera italiana lui consacrent une exposition intitulée Displaying Security, qui se tiendra du 6 juin au 18 juillet 2021 dans les espaces du Palazzo Reali.

Salvatore Vitale est le lauréat du Bally Artist of the Year Award 2020. Il a convaincu le jury par la façon dont son œuvre traite le thème de la treizième édition, « Sloganisme et sloganismes »: une invitation à développer des langages immédiats, susceptibles de mettre en relation la forme, l’image et le contenu tout en générant une forte interaction, de sorte à capter le regard et à stimuler la pensée.

L’exposition de Salvatore Vitale est présentée dans la « Sala Mattoni », située au rez-de-chaussée du Palazzo Reali. Une sélection d’images photographiques, réalisées dans le cadre du projet How to Secure a Country, sont exposées. Le projet de Vitale se base sur une recherche visuelle de plusieurs années, par laquelle l’artiste explore les mécanismes sous-jacents au système de sécurité nationale suisse. Un système éminemment complexe, fait de réalités interdépendantes et fortement hétérogènes - de l’armée aux centres de météorologie, en passant par les laboratoires de robotique -, et qui demeurent bien souvent totalement invisibles. En se focalisant sur les directives, les protocoles, les procédures bureaucratiques et autres formes plus spécifiques à la sécurité, Salvatore Vitale tente de dévoiler, à travers une série de photographies, de schémas et d’illustrations graphiques, les différents aspects d’un appareil sécuritaire hautement complexe et difficile à observer. Une tentative difficile, qui se traduit également dans le titre de l’exposition : Displaying Security.

Salvatore Vitale è il vincitore della tredicesima edizione del Premio Artista Bally dell’Anno 2020. In questa occasione la Fondazione Bally e il Museo d’arte della Svizzera italiana gli dedicano la mostra Displaying Security negli spazi di Palazzo Reali, dal 06 giugno al 18 luglio 2021.

Salvatore Vitale è il vincitore del Premio Artista Bally dell’Anno 2020 per la significativa aderenza della sua opera al tema “Sloganismo e sloganismi”: un invito a elaborare linguaggi immediati in grado di porre in relazione forma, immagine e contenuto generando un’interazione capace di catturare lo sguardo e stimolare il pensiero.

La mostra a lui dedicata ha luogo nella ‘Sala Mattoni’ al piano terra di Palazzo Reali e presenta una selezione di immagini fotografiche del progetto How to Secure a Country. Il progetto di Vitale è una ricerca visiva pluriennale, attraverso la quale l’artista indaga i meccanismi alla base del sistema di sicurezza nazionale svizzero. Un sistema molto complesso formato da realtà estremamente eterogenee interconnesse tra loro – dall’esercito ai centri di meteorologia fino ai laboratori di robotica – che spesso rimangono del tutto invisibili. Concentrandosi su istruzioni, protocolli, burocrazie e aspetti più “concreti” della sicurezza, la sfida che ha abbracciato Salvatore Vitale è di manifestare attraverso una costellazione di fotografie diagrammi e illustrazioni grafiche, alcuni aspetti di un organismo molto articolato e difficile da osservare. Un aspetto non facile, espresso anche nel titolo della mostra: Displaying Security.

Salvatore Vitale is the winner of the Bally Artist of the Year Award 2020. The Bally Foundation and the Museo d’arte della Svizzera italiana (MASI) are marking the occasion with Displaying Security, the exhibition dedicated to him at Palazzo Reali, from 6 June to 18 July 2021.

Salvatore Vitale has won the Bally Artist of the Year Award 2020 as his work closely reflects the theme of the award’s 13th edition: “Sloganisme et sloganismes”, an invitation to develop languages capable of connecting form, image and content to create an eye-catching and thought-provoking interaction.

The solo exhibition will be held in the Sala Mattoni on the ground floor of Palazzo Reali and features a selection of photographs from the artist’s visual project entitled How to Secure a Country. This work spans several years, during which Vitali investigated the mechanisms underlying Switzerland’s national security system. It is a highly complex system made up of a series of extremely diverse but interconnected components – from the army to meteorological centres and even robotics laboratories – which frequently remain completely out of sight. Focusing on instructions, protocols, bureaucracies and other more concrete aspects of security, the challenge embraced by Vitali was to reveal certain facets of a very intricate and difficult-to-observe structure through a series of photographs, diagrams and graphic illustrations. This was no easy feat, as reflected by the title of the exhibition: Displaying Security.

(Text: MASI, Lugano)

La Streccia | Soglio
1. Juni - 31. Oktober 2021

Notte a Soglio
Markus Hulliger

Die Magie der Nacht festhalten, Startrails (Sternenspuren) in natürlicher oder urbaner Umgebung einfangen und Alltägliches in Kunst verwandeln – das ist die Passion von Markus Hulliger. Als erfahrener Olympus Visionary und Kursleiter gibt er sein breites Wissen in Workshops und Coachings in der Schweiz und an Fotoevents in Europa an fotobegeisterte Menschen weiter. Einige seiner Aufnahmen wurden bereits in Ausstellungen einem breiten Publikum vorgestellt und in der Fotopresse publiziert. Schon bei seinem ersten Besuch in Soglio, als Jugendlicher im 1986, hat dieser wundervolle Ort seine Seele berührt und er konnte ihn nie mehr vergessen. Viele Jahre später, nun mit eigener Familie, ist Hulliger 2009 zurückgekehrt und der Zauber von damals ist geblieben. Die einzigartige Landschaft, die Geschichte von Soglio und dem Tal, das magische Licht, die Gemeinschaft und Herzlichkeit der Menschen, die spürbare Energie – all das fasziniert ihn, lässt ihn innehalten und immer wieder sehnsuchtsvoll zurückkehren.

Saisir la magie de la nuit, capturer les traînées de lumière (étoiles) dans des environnements naturels ou urbains et transformer le quotidien en art, telle est la passion de Markus Hulliger. En tant que visionnaire Olympus expérimenté et instructeur de cours, il transmet ses vastes connaissances aux amateurs de photo dans le cadre d'ateliers et de séances de coaching en Suisse et lors d'événements photo en Europe. Certaines de ses photographies ont déjà été présentées à un large public dans des expositions et publiées dans la presse photo. Déjà lors de sa première visite à Soglio, alors qu'il était adolescent en 1986, cet endroit merveilleux a touché son âme et il n'a jamais pu l'oublier. De nombreuses années plus tard, maintenant avec sa propre famille, Hulliger est revenu en 2009 et la magie de cette époque est restée. Le paysage unique, l'histoire de Soglio et de la vallée, la lumière magique, la communauté et la chaleur des gens, l'énergie palpable - tout cela le fascine, le fait s'arrêter et revenir encore et encore avec nostalgie.

Catturare la magia della notte, catturare le scie d'inizio (star trails) in ambienti naturali o urbani e trasformare il quotidiano in arte - questa è la passione di Markus Hulliger. Come esperto Visionario Olympus e istruttore di corsi, trasmette la sua vasta conoscenza agli appassionati di fotografia in workshop e sessioni di coaching in Svizzera e in occasione di eventi fotografici in Europa. Alcune delle sue fotografie sono già state presentate a un vasto pubblico in mostre e pubblicate nella stampa fotografica. Già durante la sua prima visita a Soglio, da adolescente nel 1986, questo luogo meraviglioso ha toccato la sua anima e non potrà mai dimenticarlo. Molti anni dopo, ora con la sua famiglia, Hulliger è tornato nel 2009 e la magia di quel periodo è rimasta. Il paesaggio unico, la storia di Soglio e della valle, la luce magica, la comunità e il calore della gente, l'energia palpabile - tutto questo lo affascina, lo fa fermare e tornare ancora e ancora con desiderio.

Capturing the magic of the night, capturing start trails (star trails) in natural or urban environments and transforming the everyday into art - that is Markus Hulliger's passion. As an experienced Olympus Visionary and course instructor, he passes on his broad knowledge to photo enthusiasts in workshops and coaching sessions in Switzerland and at photo events in Europe. Some of his photographs have already been presented to a wide audience in exhibitions and published in the photo press. Already during his first visit to Soglio, as a teenager in 1986, this wonderful place touched his soul and he could never forget it. Many years later, now with his own family, Hulliger returned in 2009 and the magic of that time has remained. The unique landscape, the history of Soglio and the valley, the magical light, the community and warmth of the people, the palpable energy - all this fascinates him, makes him pause and return again and again with longing.

(Text: Elena Giacometti, La Streccia, Soglio)

Galerie Luciano Fasciati | Chur
15. Mai - 12. Juni 2021

Schöne Aussicht
Judith Albert, Remo Albert Alig, Evelina Cajacob, Cornelia Cottiati, Patrik Fuchs, Gabriela Gerber & Lukas Bardill, Gian Häne, huber.huber, Pascal Lampert, Stefan Rüesch, Sebastian Stadler

Die Ausstellung SCHÖNE_AUSSICHT vereint neun Kunstschaffende und zwei Künstlerpaare, wobei Werke präsentiert werden, welche sich mit dem Ausstellungstitel beschäftigen oder diesen in übertragenem Sinne, als freien Umgang künstlerischer Interpretation thematisieren. Die Ausstellung fordert die Betrachter das Gesehene mit eigenen Vorstellungen und Erfahrungen zu verbinden, in neue Sinnzusammenhänge überzuführen und dabei das Spannungsfeld der objektiven Wahrnehmung zu reflektieren.

Einmal mehr wird der Ausstellungstitel hinterfragt, strapaziert und zum mehrdeutigen Wortspiel.   

L'exposition SCHÖNE_AUSSICHT réunit neuf artistes et deux paires d'artistes, présentant des œuvres qui traitent du titre de l'exposition ou l'abordent dans un sens figuratif, comme une approche libre de l'interprétation artistique. L'exposition invite les spectateurs à relier ce qu'ils voient à leurs propres idées et expériences, à les transférer dans de nouveaux contextes de signification et à réfléchir ainsi au champ de tension de la perception objective.

Une fois de plus, le titre de l'exposition est remis en question, tendu et devient un jeu de mots ambigu.

La mostra SCHÖNE_AUSSICHT riunisce nove artisti e due coppie di artisti, presentando opere che trattano il titolo della mostra o lo affrontano in senso figurativo, come un libero approccio all'interpretazione artistica. La mostra sfida gli spettatori a collegare ciò che vedono con le proprie idee ed esperienze, a trasferirle in nuovi contesti di significato e quindi a riflettere sul campo di tensione della percezione oggettiva.

Ancora una volta il titolo della mostra viene messo in discussione, sforzato e diventa un ambiguo gioco di parole.

The exhibition SCHÖNE_AUSSICHT brings together nine artists and two pairs of artists, presenting works that deal with the exhibition title or address it in a figurative sense, as a free approach to artistic interpretation. The exhibition challenges the viewers to connect what they see with their own ideas and experiences, to transfer them into new contexts of meaning and thereby to reflect on the field of tension of objective perception.

Once again the exhibition title is questioned, strained and becomes an ambiguous play on words.

(Text: Galerie Luciano Fasciati, Chur)

MUSEC Museo delle Culture | Lugano
13. Mai 2021 - 16. Januar 2022

La disciplina dei sensi
Hans Georg Berger

The Discipline of the Senses ist der Titel der ersten großen Retrospektive, die dem deutschen Künstler Hans Georg Berger gewidmet ist, dessen Fotografie stets auf die Erforschung persönlicher und kultureller Identitäten ausgerichtet war. Ein Titel, der die tiefgreifenden intellektuellen Erfahrungen und Forschungen, die über einen Zeitraum von fast fünfzig Jahren, von den 1970er Jahren bis heute, gemacht wurden, in einem einzigen Diskurs vereinigt.

Der rote Faden des Projekts kristallisierte sich langsam durch einen langen Dialog mit der Künstlerin heraus. Der Kurator Francesco Paolo Campione erklärt: "Hans Georg Berger hat sich bewusst für die Fotografie als existenzielles Mittel entschieden, als solides Instrument, um seiner eigenen Identität und seinem eigenen Universum der Sinne und Träume Substanz zu verleihen; etwas, das durch die Kunst das Leiden mildert, das durch einen feindseligen sozialen Kontext erzeugt wird.

Seine unablässige Recherche hat es Berger ermöglicht, den Reichtum seiner eigenen inneren Welt ins Spiel zu bringen. So hat sich seine Erkundung allmählich von der Intimität seiner Beziehung mit dem französischen Schriftsteller Hervé Guibert (1955-1991) über die soziale Dimension der Bewohner von Rio nell'Elba bis hin zur Darstellung des Theravāda-Buddhismus und des schiitischen Islams nach einer langen Reise durch Asien ausgeweitet. Sowohl die Reise als auch die Landung sind von der Ausübung einer strengen intellektuellen Disziplin geprägt, die sich, vor allem auf sein eigenes Leben angewandt, in eine Sprache verwandelt hat, die in der Lage ist, die wesentlichen Merkmale der Realität zu erfassen.

Bergers Ansatz basiert auf der ethischen, und nicht nur ästhetischen, Zentralität des fotografierten Objekts. Eine außergewöhnliche Reise, wahrscheinlich einzigartig, innerhalb der großen zeitgenössischen Fotografie.

La discipline des sens est le titre de la première grande rétrospective consacrée à l'artiste allemand Hans Georg Berger, dont la photographie a toujours été axée sur l'investigation des identités, tant personnelles que culturelles. Un titre qui réunit en un seul discours les expériences intellectuelles profondes et les recherches menées sur une période de près de cinquante ans, des années 1970 à nos jours.

Le fil conducteur du projet a lentement émergé d'un long dialogue avec l'artiste. Comme l'explique le commissaire, Francesco Paolo Campione, "Hans Georg Berger a consciemment choisi la photographie comme remède existentiel, comme instrument solide, pour donner corps à sa propre identité et à son propre univers de sens et de rêves ; quelque chose qui atténue, par l'art, la souffrance générée par un contexte social hostile.

Ses recherches incessantes ont permis à Berger de mettre en jeu la richesse de son propre monde intérieur. Son exploration s'est ainsi progressivement élargie de l'intimité de sa relation avec l'écrivain français Hervé Guibert (1955-1991), à la dimension sociale des habitants de Rio nell'Elba, et enfin, après un long voyage en Asie, à la représentation du bouddhisme Theravāda et de l'islam chiite. Tant le voyage que l'atterrissage sont marqués par l'exercice d'une discipline intellectuelle stricte qui, appliquée avant tout à sa propre vie, s'est transformée en un langage capable de saisir les traits essentiels de la réalité.

L'approche de Berger est fondée sur la centralité éthique, et pas seulement esthétique, de l'objet photographié. Un voyage extraordinaire, probablement unique, au sein de la grande photographie contemporaine.

La disciplina dei sensi è il titolo della prima grande retrospettiva dedicata all’artista tedesco Hans Georg Berger, la cui fotografia è da sempre volta all’indagine delle identità, sia personali sia culturali. Un titolo che unisce in un unico discorso le profonde esperienze intellettuali e le ricerche condotte nell’arco di quasi cinquant’anni, dagli anni ’70 a oggi.

Il filo conduttore del progetto è emerso lentamente attraverso un lungo dialogo con l’artista. Come spiega il curatore, Francesco Paolo Campione, «Hans Georg Berger ha scelto consapevolmente la fotografia come rimedio esistenziale, come solido strumento, per dare corpo alla propria identità e al proprio universo di sensi e di sogni; qualcosa che attenua, attraverso l’arte, la sofferenza generata da un contesto sociale ostile».

La sua incessante ricerca ha permesso a Berger di mettere in gioco la ricchezza del proprio mondo interiore. La sua esplorazione si è così progressivamente allargata dall’intimo della sua relazione con lo scrittore francese Hervé Guibert (1955-1991), alla dimensione sociale degli abitanti di Rio nell’Elba, sino ad approdare, dopo un lungo viaggio attraverso l’Asia, alla rappresentazione del buddhismo theravāda e dell’Islam sciita. Sia il viaggio sia l’approdo sono contraddistinti dall’esercizio di una ferrea disciplina intellettuale che, applicata innanzi tutto alla propria vita, si è trasformata in un linguaggio capace di cogliere i tratti essenziali della realtà.

Un approccio, quello di Berger, che si fonda sulla centralità etica, e non soltanto estetica, dell’oggetto fotografato. Un viaggio straordinario, probabilmente unico, all’interno della grande fotografia contemporanea.

The Discipline of the Senses is the title of the first major retrospective dedicated to the German artist Hans Georg Berger, whose photography has always focused on the investigation of identities, both personal and cultural. A title that unites in a single discourse the profound intellectual experiences and research conducted over a period of almost fifty years, from the 1970s to the present.

The thread of the project has slowly emerged through a long dialogue with the artist. As the curator, Francesco Paolo Campione, explains, "Hans Georg Berger has consciously chosen photography as an existential remedy, as a solid instrument, to give body to his own identity and to his own universe of senses and dreams; something that attenuates, through art, the suffering generated by a hostile social context".

His incessant research has allowed Berger to bring into play the richness of his own inner world. His exploration has thus progressively widened from the intimacy of his relationship with the French writer Hervé Guibert (1955-1991), to the social dimension of the inhabitants of Rio nell'Elba, and finally, after a long journey through Asia, to the representation of Theravāda Buddhism and Shiite Islam. Both the journey and the landing are marked by the exercise of a strict intellectual discipline that, applied first of all to his own life, has become a language capable of capturing the essential features of reality.

Berger's approach is based on the ethical, and not only aesthetic, centrality of the photographed object. An extraordinary journey, probably unique, within the great contemporary photography.

(Text: MUSEC, Lugano)

MASI LAC | Lugano
25. April - 1. August 2021

Meisterwerke der modernen Fotografie 1900 - 1940
Die Sammlung Thomas Walther im Museum of Modern Art, New York

Die Erforschung kreativer Möglichkeiten durch die Fotografie erfolgte nie reicher und vielfältiger als in den Jahren zwischen den beiden Weltkriegen. Fotografinnen und Fotografen erweiterten die Grenzen des Mediums mit unvergleichlichem Einfallsreichtum. Dieser Moment des grenzenlosen Auslotens dokumentarischer, abstrakter und architektonischer Themen wird in den mehr als 350 Fotografien der Sammlung Thomas Walther des Museum of Modern Art, New York, auf spektakuläre Weise festgehalten. Das Museum erwarb die Fotografien aus der Privatsammlung von Thomas Walther; unter den Schätzen von mehr als hundert Künstlerinnen und Künstlern umfasst sie sowohl einem breiten Publikum weniger bekannte Namen als auch meisterhafte Originalabzüge der herausragendsten und berühmtesten Vertreter des Fachs. Die Ausstellung stellt auch diejenigen Künstler vor, deren Arbeiten Walther in der Tiefe sammelte, darunter André Kertész, Germaine Krull, Franz Roh, Willi Ruge, Maurice Tabard, Umbo und Edward Weston.

Ob auf der Strasse oder im Studio entstanden, ob für die historisch bedeutsamsten Ausstellungen oder Publikationen der künstlerischen Avantgarden hergestellt: Die Werke lassen auf einmalige Weise erfahren, durch welch radikale Neuerungen die bedeutendsten Fotografinnen und Fotografen jener Zeit das moderne Sehen definierten und erforschten. Der transatlantische Austausch von Ideen, Bildern, Kunstwerken und Menschen stimulierte einen intensiven Dialog über die Transformation des Sehens und die vielfältigen Einsatzmöglichkeiten der Fotografie. Die Ausstellung erforscht thematische Verbindungen zwischen den unterschiedlichen Autoren und ihren Werken. Sie zeugt von der dynamischen Erfahrung der Moderne in den Bildgattungen Porträt, Stadtlandschaft und den vielfältigen Formens des Experiments mit abstrakten und gegenständlichen Verfremdungen. Meisterwerke der modernen Fotografie 1900-1940. Die Sammlung Thomas Walther im Museum of Modern Art, New York präsentiert diese Sammlung zum ersten Mal in Europa und erzählt die Geschichte dieses vielleicht spannendsten Kapitels in der Geschichte der Fotografie

Les possibilités créatives explorées par la photographie n’ont jamais été aussi riches et variées que durant les années de l’entre-deux-guerres, lorsque les photographes ont expérimenté le médium avec une ferveur imaginative inégalée. Cette période d’approches inventives, tant dans les sujets documentaires, qu’abstraits et architecturaux, est saisie de façon spectaculaire dans les plus de trois cent cinquante photographies qui constituent la collection Thomas Walther du Museum of Modern Art, New York. Le musée a acquis ces photographies au sein de la collection privée de Thomas Walther, qui comprend des tirages exceptionnels de figures emblématiques du domaine, ainsi que des trésors moins connus de plus de cent autres praticiens. Cette exposition met également en lumière les artistes dont Walther a particulièrement collectionné les oeuvres, notamment André Kertész, Germaine Krull, Franz Roh, Willi Ruge, Maurice Tabard, Umbo et Edward Weston.

Réalisées dans la rue et en studio, destinées aux expositions d’avantgarde et aux publications, ces photographies donnent un aperçu unique des objectifs radicaux de leurs créateurs. La circulation transatlantique des idées, des images, des objets et des personnes a stimulé des dialogues animés sur la transformation de la vision et sur les diverses utilisations et capacités de la photographie. Organisée de manière à explorer les liens thématiques entre les oeuvres, l’exposition témoigne de l’expérience dynamique de la modernité à travers divers thèmes, comme le portrait ou les témoignages de la vie urbaine, et diverses techniques expérimentales, y compris des points de vue et des distorsions peu familiers. Présentant cette collection en Europe pour la première fois, «Chefs-d’oeuvre de la photographie moderne 1900-1940. La collection Thomas Walther du Museum of Modern Art, New York» raconte l’histoire de ce chapitre novateur de l’histoire de la photographie.

Mai come durante il periodo fra le due guerre, caratterizzato da un impareggiabile fervore immaginativo, le possibilità creative offerte dalla fotografia furono esplorate in modo così ricco e diversificato. In questo particolare momento storico si delinea infatti un approccio innovativo nell’affrontare soggetti documentari, astratti e architettonici, restituito in modo straordinario dalle oltre trecentocinquanta fotografie appartenenti alla collezione Thomas Walther del Museum of Modern Art di New York. Il MoMA ha acquisito queste fotografie dalla collezione privata di Thomas Walther, comprendente straordinarie immagini realizzate dai protagonisti della storia della fotografia accanto a preziose opere di oltre cento altri autori meno conosciuti. Questa mostra, inoltre, mette in evidenza l’opera di artisti a cui Walther dedicò particolare attenzione, fra cui André Kertész, Germaine Krull, Franz Roh, Willi Ruge, Maurice Tabard, Umbo e Edward Weston.

Realizzate sia all’esterno sia in studio, destinate a mostre d’avanguardia e alla carta stampata, queste fotografie offrono una panoramica eccezionale sui propositi radicalmente innovativi perseguiti dai loro autori. La circolazione transatlantica di idee, immagini, oggetti e persone stimolava dibattiti animati sulla trasformazione della visione, oltre che sui vari usi e possibilità offerti dal medium fotografico. La mostra, organizzata in sezioni tematiche che sottolineano le connessioni tra le opere, riflette il dinamismo della modernità, aspetto particolarmente evidente nei ritratti e negli scatti che documentano l’esperienza urbana, così come nella scelta di espedienti tecnici sperimentali quali punti di vista inusuali e distorsioni. Presentando per la prima volta questa collezione in Europa, “Capolavori della fotografia moderna 1900-1940. La collezione Thomas Walther del Museum of Modern Art, New York” racconta la storia di questo capitolo innovativo nella storia della fotografia.

The creative possibilities explored through photography were never richer or more varied than in the years between the two world wars, when photographers tested the medium with unmatched imaginative fervor. This moment of inventive approaches to documentary, abstract, and architectural subjects is dramatically captured in the more than three hundred and fifty photographs that constitute the Thomas Walther Collection at The Museum of Modern Art. The Museum acquired these photographs from Thomas Walther’s private collection, which includes exceptionally striking prints by towering figures in the field alongside lesser-known treasures by more than one hundred other practitioners. This exhibition also highlights the artists whose work Walther collected in depth, including André Kertész, Germaine Krull, Franz Roh, Willi Ruge, Maurice Tabard, Umbo, and Edward
Weston.

Made on the street and in the studio, intended for avant-garde exhibitions and the printed page, these photographs provide unique insight into the radical objectives of their creators. The transatlantic circulation of ideas, images, objects, and people stimulated vibrant dialogues concerning the transformation of vision, and the varied uses and capacities of photography. Organized to explore thematic connections between the works, the exhibition testifies to the dynamic experience of modernity through genres such as portraiture, expressions of the urban experience, and techniques of estrangement and experimentation, including unfamiliar points of view and distortions. Presenting this collection together in Europe for the first time, Masterworks of Modern Photography 1900–1940. The Thomas Walther Collection at The Museum of Modern Art, New York tells the story of this innovative chapter in photography’s history.

(Text: Museo d’arte della Svizzera Italiana, Lugano)

La Streccia | Soglio
1. April - 30.September 2021

Con gli occhi del forestiero
Erich Hochreuther

An einem Morgen im Mai lag in unserem Briefkasten ein seltsames Paket mit einem deutschen Absender. Darin befand sich eine CD mit einem Brief, unterzeichnet von Erich Hochreuther aus Roth. Er hatte einen Artikel über La Streccia im Kudenmagazin der Soglio-Produkte gelesen. Zusammen mit seiner Frau Christa beschloss er daraufhin, uns eine Kopie seiner Vielzahl digitalisierter Diapositive zu überlassen, das Ergebnis einer langen Folge von Ferienaufenthalten in Soglio und im Bergell, beginnend in den siebziger Jahren bis zum Anfang des neuen Jahrtausends.

Für uns war das ein sehr wertvolles Geschenk, ein historisches Zeitdokument. Personen, Landschaften und Alltagszenen festgehalten aus dem Blickwinkel eines Fremden. Eines Aussenstehenden, der mit der Zeit die Atmosphäre des Dorflebens in einem Ort wie Soglio kennen und lieben gelernt hat. Eine zerbrechliche und schweigsame Wirklichkeit, die der Beobachter geliebt und von Augenblick zu Augenblick auf seinen Filmrollen oder im Reisetagebuch festgehalten hat, so als ob sie sich von dort nicht mehr fortbewegen könnten. Und es wird nicht mehr dasselbe sein, wenn in der Gegenwart die Ecken, Gerüche, bekannten Gesichter, die sich in das Gedächtnis des Reisenden eingeprägt haben, nicht mehr da sein werden ihn zu erwarten.

Die Reisen nach Soglio werden mit der Zeit sporadischer und immer schmerzhafter. Das Dorf hat sich sehr verändert. Der einst freundliche und beruhigende Rückzugsort ist für die Familie Hochreuther fast fremd geworden. In ihrer Abwesenheit nahmen die Dinge ihren Lauf, vielleicht schneller als es ihnen lieb war. Der Geruch von Ziegenmist ist aus den Gassen verschwunden. Ihr „Opa“, Herr Filschki, der Mann mit dem langen weissen Bart ist nicht mehr da, um sie aus dem Fenster heraus zu begrüssen. Der Treppenabsatz vor der Scheune, wo einst Herr Giovanoli sass und schnitzte, ist nun leer.

Es ist das Ende einer Ära. Aber die Veränderung ist Naturgesetz und das gilt auch für Soglio. Ein Dorf, das leben will, in die Zukunft blicken, mit dem Zeitgeist gehen, wie alle anderen auch. Und es ist richtig, dass es so ist.

Es bleiben die Erinnerungen zurück, die vagen Bilder, die sich ins Gedächtnis eingeprägt haben. Sich ins Bergell zurückzuziehen, ist überflüssig geworden, wenn man sich an diesen Bildern festhalten kann, ohne enttäuscht zu werden. Und im Laufe der Zeit ist der einst Fremde zum Freund geworden, der es auf seine Weise verstanden hat, dem Dorf und seinen Bewohnern die gleichen Gefühle zurückzugeben, die sie selbst ihm einst geschenkt haben.

Auf eine Art und Weise schliesst sich der Kreis und die Dinge kehren zurück an ihren Platz.

Una mattina di maggio nella nostra buca delle lettere abbiamo trovato uno strano pacco proveniente dalla Germania. Al suo interno un CD con una lettera firmata da Erich Hochreuther di Roth che, dopo aver letto un articolo su La Streccia in un numero del Kundenmagazin di Soglio-Produkte, aveva deciso insieme alla moglie Christa di affidarci una copia delle sue numerose diapositive digitalizzate, risultato di una lunga serie di vacanze a Soglio e in Bregaglia nel corso degli anni '70 fino all'inizio del nuovo millennio.

Per noi un prezioso regalo e una testimonianza storica. Persone, paesaggi e scene quotidiane viste con gli occhi del forestiero. Forestiero che con il tempo ha imparato a conoscere e ad amare una realtà come quella del villaggio di Soglio. Una quotidianità fragile, mutevole, amata e catturata di volta in volta su un rullino e in un diario di viaggio, come se da lì non potesse più muoversi. E non sarà più lo stesso quando nel presente quegli angoli, quegli odori, quei volti familiari impressi nella mente del viaggiatore, non ci saranno più ad aspettarlo.

I ritorni si faranno via via sempre più sporadici, sempre più dolorosi. Il villaggio, da rifugio accogliente e rassicurante, per la famiglia Hochreuther è diventato troppo diverso, quasi un estraneo. In loro assenza le cose sono sempre andate avanti, forse più in fretta di quanto avrebbero voluto. L'odore di letame e di capra non si sente più tra i vicoli. Il loro "nonno", il signor Filschki, l'uomo dalla lunga barba bianca, non c'è più a salutarli dalla finestra. Il pianerottolo davanti al fienile, dove un tempo sedeva il signor Giovanoli a intagliare i suoi legni, è ormai vuoto.

È la fine di un'era. Ma il cambiamento è la legge della natura, e questo vale anche per Soglio. Un villaggio che vuole vivere, guardare al futuro, stare al passo con i tempi, come tutti gli altri, com’è giusto che sia.

Rimangono i ricordi, quelle immagini indelebili impresse nella memoria. Rifugiarsi in Bregaglia diventa ormai superfluo, quando ci si può rifugiare e aggrappare ad essi, senza rimanerne delusi.

E nel tempo il forestiero è diventato un amico, che a modo suo ha saputo restituire al villaggio e alla sua gente quelle stesse emozioni che loro gli hanno regalato.

Il cerchio in qualche modo si chiude e le cose tornano al loro posto.

(Text: Elena Giacometti, La Streccia, Soglio)

Museo delle Culture | Lugano
1. März - 5. September 2021

Souvenir du Japon. Cartoline della Collezione Ceschin Pilone (1898-1960)

Ein außergewöhnliches Mosaik aus sechshundert Miniatur-Meisterwerken, die die für Japan typische ästhetische Finesse und technische Meisterschaft zum Ausdruck bringen.

Die ausgestellten Postkarten, die zum ersten Mal der Öffentlichkeit präsentiert werden, wurden aus fast sechstausend Bildern der Ceschin-Pilone-Sammlung, der größten in Europa, ausgewählt.

Im Spazio Maraini im Erdgeschoss der Villa Malpensata wurde die Ausstellung "Souvenir du Japon. Postkarten aus der Sammlung Ceschin Pilone (1898-1960)" präsentiert sechshundert Postkarten, die von der Kuratorin Moira Luraschi sorgfältig ausgewählt wurden, um den Besuchern die außergewöhnliche Kreativität und die raffinierte Ausführung zu zeigen, mit der Japan die Postkarte zu einer wahren Kunstform erhoben hat.

Die ursprünglich von Marco Fagioli angelegte Sammlung wurde 2018 von der Stiftung Ada Ceschin und Rosanna Pilone, dem langjährigen Partner von MUSEC im Bereich der Fotografie und der Kunst des Orients, in das MUSEC eingebracht.

Die außergewöhnliche Sammlung repräsentiert in hervorragender Weise die Vielfalt der Motivtechniken, die in Japan während der goldenen Jahre der Postkarte, vom frühen zwanzigsten Jahrhundert bis zum Ersten Weltkrieg, und in den Jahrzehnten danach verwendet wurden.

Une extraordinaire mosaïque de six cents chefs-d'œuvre miniatures exprimant la finesse esthétique et la maîtrise technique typiques du Japon.

Présentées au public pour la première fois, les cartes postales exposées ont été sélectionnées parmi près de six mille images de la collection Ceschin Pilone, la plus importante d'Europe.

Installée au Spazio Maraini, au rez-de-chaussée de la Villa Malpensata, l'exposition "Souvenir du Japon. Cartes postales de la collection Ceschin Pilone (1898-1960)" présente six cents cartes postales, soigneusement sélectionnées par la conservatrice Moira Luraschi afin de montrer aux visiteurs l'extraordinaire créativité et l'exécution raffinée avec lesquelles le Japon a élevé la carte postale au rang de véritable forme d'art.

La Collection, constituée à l'origine par Marco Fagioli, a été mise en dépôt au MUSEC en 2018 par la Fondation Ada Ceschin et Rosanna Pilone, partenaire de longue date du MUSEC dans le domaine de la photographie et des arts d'Orient.

Cette collection extraordinaire représente parfaitement la multiplicité des techniques de sujets utilisées au Japon pendant les années d'or de la carte postale, du début du XXe siècle à la Première Guerre mondiale, et dans les décennies qui ont suivi.

Uno straordinario mosaico di seicento capolavori in miniatura in cui si esprimono la finezza estetica e la maestria tecnica tipiche del Giappone.

Presentate per la prima volta al pubblico, le cartoline esposte sono selezionate a partire delle quasi seimila immagini della Collezione Ceschin Pilone, la più grande d’Europa.

Allestita nello Spazio Maraini al piano terra di Villa Malpensata, l’esposizione «Souvenir du Japon. Cartoline della Collezione Ceschin Pilone (1898-1960)» presenta seicento cartoline, accuratamente selezionate dalla curatrice Moira Luraschi per restituire al visitatore la straordinaria creatività e la raffinatezza esecutiva con cui il Giappone ha elevato la cartolina a vero e proprio genere d’arte.

La Collezione, costituita all’origine da Marco Fagioli, nel 2018 è stata posta in deposito al MUSEC nel 2018 dalla Fondazione Ada Ceschin e Rosanna Pilone, partner di lunga data del MUSEC nel campo della fotografia e dell’arte dell’Oriente.

La straordinaria raccolta rappresenta in modo egregio la molteplicità delle tecniche dei soggetti utilizzati in Giappone negli anni d’oro della cartolina, dai primi del Novecento alla Prima Guerra mondiale, e nei decenni successivi.

An extraordinary mosaic of six hundred small masterpieces expressing the aesthetic finesse and technical mastery typical of Japan.

Presented to the public for the first time, the postcards on display have been selected from almost six thousand images in the Ceschin Pilone Collection, the largest in Europe.

Set up in Spazio Maraini on the ground floor of Villa Malpensata, the exhibition "Souvenir du Japon. Postcards from the Ceschin Pilone Collection (1898-1960)" presents six hundred postcards, carefully selected by curator Moira Luraschi to show visitors the extraordinary creativity and refined execution with which Japan has elevated the postcard to a true art form.

The Collection, originally assembled by Marco Fagioli, was placed on deposit at MUSEC in 2018 by the Ada Ceschin and Rosanna Pilone Foundation, MUSEC's long-standing partner in the field of photography and the art of the Orient.

The extraordinary collection is an excellent representation of the multiplicity of subject techniques used in Japan in the golden years of the postcard, from the early 20th century to the First World War, and in the decades that followed.

(Text: Museo delle Culture, Lugano)

Rolla Foundation | Bruzella
21. November 2020 - 27. Juni 2021

with your back to the earth
Hiroshi Sugimoto

Die achtzehnte Ausstellung der Rolla Foundation ist dem großen japanischen Fotografen Hiroshi Sugimoto (Tokio, 1948) und dem bedeutenden Werk Seascapes gewidmet. Seit Mitte der siebziger Jahre aktiv, nahm er 1980 das erste Bild der Serie auf den Meeren auf und fotografiert auch heute noch Meer und Himmel auf der ganzen Welt.

Vierzig Jahre nach der ersten Aufnahme stellten Philip und Rosella Rolla das zu ihrer Sammlung gehörende Portfolio mit dem Titel Time Exposed vor, das fünfzig von Sugimoto ausgewählte und 1991 gedruckte Meereslandschaften umfasst.

Der Fotograf hält den Horizont immer auf gleicher Höhe und blendet den Rest der Landschaft aus. Es gibt niemals eine Person oder eine andere Ablenkung im Rahmen. Im Laufe der Jahrhunderte hat sich die Erde verändert, und Sugimoto ist der Ansicht, dass die Meereslandschaft eine der wenigen Visionen ist, die der des prähistorischen Menschen gleichkommt, und dort findet er ein beruhigendes Gefühl der Sicherheit, als ob er seine angestammte Heimat besuchen würde.

Die Ausstellung wird von einem Katalog mit einem Text von Professor Michael Jakob begleitet.

La dix-huitième exposition de la Fondation Rolla est consacrée au grand photographe japonais Hiroshi Sugimoto (Tokyo, 1948) et à l'importante œuvre Seascapes. Actif depuis le milieu des années soixante-dix, il a pris en 1980 la première image de la série sur les mers et il continue encore aujourd'hui à photographier la mer et le ciel dans le monde entier.

Quarante ans après le premier cliché, Philip et Rosella Rolla ont présenté le portfolio intitulé Time Exposed, appartenant à leur collection, qui comprend cinquante paysages marins sélectionnés par Sugimoto et imprimés en 1991.

Le photographe garde l'horizon toujours à la même hauteur et annule le reste du paysage. Il n'y a jamais une personne ou une autre distraction dans le cadre. Au fil des siècles, la terre a changé et Sugimoto pense que le paysage marin est l'une des rares visions qui égale celle de l'homme préhistorique, et il y trouve un sentiment rassurant de sécurité, comme s'il visitait sa maison ancestrale.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue avec un texte du professeur Michael Jakob.

La diciottesima mostra della Fondazione Rolla è dedicata al grande fotografo giapponese Hiroshi Sugimoto (Tokyo, 1948) e all’importante opera Seascapes. Attivo dalla metà degli anni settanta, nel 1980 scatta la prima immagine della serie sui mari e ancora oggi continua a fotografare mare e cielo in tutto il mondo.

A quarant’anni dal primo scatto, Philip e Rosella Rolla mettono in mostra il portfolio intitolato Time Exposed, appartenente alla loro collezione, che comprende cinquanta paesaggi marini selezionati da Sugimoto e stampati nel 1991.

Il fotografo mantiene l’orizzonte sempre alla stessa altezza e annulla il resto del paesaggio. Non c’è mai una persona o altra distrazione nell’inquadratura. Nei secoli la terra è cambiata e Sugimoto pensa che il paesaggio marino sia una delle poche visioni uguali a quella dell’uomo preistorico, e lì ritrova un rasserenante senso di sicurezza, come se visitasse la sua casa ancestrale.

La mostra è accompagnata da un catalogo con un testo del Professor Michael Jakob.

The eighteenth Rolla Foundation exhibition features the famous Japanese photographer Hiroshi Sugimoto (Tokyo, 1948) and his remarkable Seascapes. Active since the mid-1970s, he took the first picture in the seascape series in 1980 and continues to photograph seas and skies the world over.

Forty years after that first photograph, Philip and Rosella Rolla are displaying a portfolio from their collection entitled Time Exposed, comprising fifty seascapes selected by Sugimoto and printed in 1991.

The photographer always places the horizon at the same level and annuls the rest of the landscape. No people or other distractions ever appear in the pictures. Earth has changed over the centuries and Sugimoto sees the marine landscape as one of the few visions to have remained unchanged since the time of prehistoric man, drawing from it a reassuring sense of security, as if he were returning to his ancestral home.

The exhibition is accompanied by a catalog with a text by Professor Michael Jakob.

(Text: Rolla Foundation, Bruzzlla)

Consarc Galleria | Chiasso
8. November - 24. Dezember 2020

Paesaggi improbabili
Stefania Beretta

Museo delle Culture | Villa Malpensata | Lugano
14. Oktober - 31. Januar 2021

Aufgrund der aktuellen Situation ist die Ausstellung bis auf weiteres geschlossen.

UP20. UNPUBLISHED PHOTO
Farnaz Damnabi, Gabriel Guerra Bianchini, Jian Luo, Gabriele Milani, Matteo Piacenti, Francesco Soave

Die im Spazio Maraini der Villa Malpensata eingerichtete Fotoausstellung UP20 - Unpublished Photo präsentiert vierundzwanzig Werke von sechs jungen Talenten der internationalen zeitgenössischen Fotografie. Dies ist die erste Etappe eines neuen Projekts, das in den kommenden Jahren ein echtes Archiv zeitgenössischer Fotografie in Lugano bilden wird. Mit dem Forschungs- und Ausstellungszyklus "Esovisioni" will MUSEC so seine seit 2005 entwickelte und etablierte Berufung zur zeitgenössischen Fotografie und zur Geschichte der Fotografie erweitern und festigen.

Das Projekt Unpublished Photo wird von MUSEC und der Fondazione culture e musei di Lugano gefördert, in Zusammenarbeit mit der Galerie 29 ARTS IN PROGRESS in Mailand, der wir die Schaffung des gleichnamigen Preises verdanken, der seit 2018 junge Talente der Fotografie aus der ganzen Welt anzieht.

Mit der Ausgabe 2020 will das Museum der Kulturen die Initiative konsolidieren und ihr einen institutionellen Rahmen und eine mittelfristige Entwicklungsperspektive geben, die 2021 zum Neustart des Internationalen Preises führen wird, nach der Pause, die dieses Jahr durch die Pandemie eingelegt wurde.

Unpublished Photo will die wichtigsten Tendenzen in der jungen künstlerischen Fotografie auf internationaler Ebene aufzeigen und bildet in Lugano ein wahres Archiv der zeitgenössischen Fotografie, das neben der Fotosammlung des 19. Jahrhunderts und der Sammlung von Fotografien des Exotismus, die MUSEC bereits besitzt, Platz finden wird. 

Das Projekt zielt auch darauf ab, die kulturelle Interaktion zwischen der Schweiz und Italien zu verbessern, indem es dem internationalen Sammeln eine maßgebliche Stütze bietet. Auf diese Weise verbindet die Entdeckung und Weiterentwicklung neuer Trends und neuer Sprachen Lugano und Mailand als privilegierte Vitrinen für aufstrebende Talente in der internationalen Kunstfotografie. 

Die UP20 wird von einer Reihe von Begleitveranstaltungen für die Öffentlichkeit begleitet, wie Konferenzen und Treffen mit Künstlern, die von MUSEC in Zusammenarbeit mit der Società Ticinese di Belle Arti organisiert werden. Das aktualisierte Programm wird in der Rubrik Nachrichten und Veranstaltungen veröffentlicht.

Die Ausstellung präsentiert der Öffentlichkeit die Gewinner der Editionen 2018 und 2019 des Unpublished Photo Award.

L'exposition photographique UP20 - Unpublished Photo, installée dans le Spazio Maraini de la Villa Malpensata, présente vingt-quatre œuvres de six jeunes talents de la photographie contemporaine internationale. Il s'agit de la première étape d'un nouveau projet qui, dans les années à venir, constituera une véritable archive de la photographie contemporaine à Lugano. MUSEC entend ainsi élargir et consolider sa vocation vers la photographie contemporaine et l'histoire de la photographie développée et établie depuis 2005 avec le cycle de recherches et d'expositions "Esovisioni".

Le projet "Photo inédite" est promu par MUSEC et la Fondazione culture e musei di Lugano, en collaboration avec la galerie 29 ARTS IN PROGRESS de Milan, à laquelle nous devons la création du prix homonyme qui, depuis 2018, attire de jeunes talents de la photographie du monde entier.

Avec l'édition 2020, le Musée des Cultures veut consolider l'initiative, en lui donnant un cadre institutionnel et une perspective de développement à moyen et long terme, qui conduira en 2021 à la remise du Prix International, après la pause imposée cette année par la pandémie.

Unpublished Photo entend mettre en évidence les principales tendances de la jeune photographie d'art au niveau international, en constituant à Lugano une véritable archive de la photographie contemporaine, qui trouvera place à côté de la collection photographique du XIXe siècle et de la collection de photographies d'exotisme que MUSEC possède déjà. 

Le projet vise également à améliorer l'interaction culturelle entre la Suisse et l'Italie, en offrant une rive faisant autorité aux collectionneurs internationaux. Ainsi, la découverte et la valorisation de nouvelles tendances et de nouveaux langages relient Lugano et Milan en tant que vitrines privilégiées des talents émergents de la photographie d'art internationale. 

UP20 sera accompagné d'une série d'événements collatéraux pour le public, tels que des conférences et des rencontres avec des artistes, organisés par MUSEC en collaboration avec la Società Ticinese di Belle Arti. Le programme actualisé sera publié dans la section "Actualités et événements".

L'exposition présente au public les lauréats des éditions 2018 et 2019 du Prix de la photo inédite.

L'esposizione fotografica UP20 - Unpublished Photo allestita nello Spazio Maraini di Villa Malpensata presenta ventiquattro opere di sei giovani talenti della fotografia contemporanea internazionale. Si tratta della prima tappa di un nuovo progetto, che nei prossimi anni costituirà a Lugano un vero e proprio archivio della fotografia contemporanea. 
Il MUSEC intende così ampliare e consolidare la sua vocazione verso la fotografia contemporanea e la storia della fotografia sviluppata e affermata dal 2005 con il ciclo di ricerche ed esposizioni «Esovisioni».

Il progetto Unpublished Photo è promosso dal MUSEC e dalla Fondazione culture e musei di Lugano, in collaborazione con 29 ARTS IN PROGRESS Gallery di Milano, cui si deve la creazione dell’omonimo premio che dal 2018 richiama giovani talenti della fotografia da tutto il mondo.

Con l’edizione 2020, il Museo delle Culture vuole consolidare l’iniziativa, dandole una cornice istituzionale e una prospettiva di sviluppo a medio-lungo termine, che tra l’altro porterà nel 2021 al riavvio del Premio internazionale, dopo la pausa imposta quest’anno dalla pandemia.

Unpublished Photo intende segnalare a livello internazionale le principali tendenze della giovane fotografia d’arte, costituendo a Lugano un vero e proprio archivio della fotografia contemporanea, che troverà spazio accanto alla collezione fotografica ottocentesca e alla collezione di fotografia dell’Esotismo che il MUSEC già possiede. 

Il progetto intende inoltre migliorare l’interazione culturale fra la Svizzera e l’Italia, offrendo una sponda autorevole al collezionismo internazionale. In tal modo, la scoperta e la valorizzazione di nuove tendenze e nuovi linguaggi interconnettono Lugano e Milano come vetrine espositive privilegiate e di grande rilievo per i talenti emergenti della fotografia d’arte internazionale. 

UP20 sarà accompagnato da una serie di appuntamenti di approfondimento collaterali per il pubblico, quali conferenze e incontri con gli artisti, organizzati dal MUSEC in collaborazione con la Società Ticinese di Belle Arti. Il programma aggiornato sarà pubblicato nella sezione news ed eventi.

L’esposizione presenta al pubblico i vincitori delle edizioni 2018 e 2019 del Premio Unpublished Photo.

UP20 - Unpublished Photo, the photographic exhibition at Spazio Maraini in Villa Malpensata presents twenty-four works by six young talents of international contemporary photography. This is the first stage of a new project, which in the coming years will constitute a real archive of contemporary photography in Lugano.

MUSEC thus intends to expand and consolidate its vocation towards contemporary photography and the history of photography developed and established since 2005 with the "Esovisioni" series of research and exhibitions.

Unpublished Photo is a project is promoted by MUSEC and the Fondazione culture e musei di Lugano, in collaboration with 29 ARTS IN PROGRESS Gallery in Milan, which has created the prize of the same name. Since 2018 this prize has attracted young photography talents from all over the world.

With the 2020 edition, the MUSEC aims to consolidate the initiative, giving it an institutional framework and a medium-long term development perspective, which, among other things, will lead in 2021 to the restart of the International Prize, after the pause imposed this year by the coronavirus pandemic.

Unpublished Photo intends to point out the main trends in young art photography on an international level, constituting in Lugano a real archive of contemporary photography. This archive will enrich the photographic collections of MUSEC, which already owns collections of 19th century photos and of photography of Exoticism.

The project also aims to improve the cultural interaction between Switzerland and Italy, offering an authoritative platform for international collecting. In this way, the discovery and enhancement of new trends and new languages interconnect Lugano and Milan as privileged exhibition showcases of great importance for the emerging talents of international art photography.

The exhibition which opens to the public in Lugano on October 14 presents the winners of the 2018 and 2019 editions of the Unpublished Photo Award in Milan, each of them with a portfolio of four photos.

(Text: Museo delle culture, Lugano)

Bottega die Gandria | Lugano
19. September - 30. Oktober 2020

Immaginarti Isola
Chiara Arturo

Heillandi freut sich, Sie zur Eröffnung der Ausstellung Immaginarti Isola einzuladen. Fotografien von Chiara Arturo, die in Lugano, in der Bottega di Gandria, im herrlichen Rahmen des gleichnamigen Weilers am 18. September ab 18.00 Uhr stattfinden wird. Die Ausstellung, die bis zum 30. Oktober dem Publikum zugänglich ist, wird von Chiara Finadri kuratiert und in Zusammenarbeit mit Heillandi, Bottega di Gandria, VivaGandria und Città Di Lugano realisiert. Die Ausstellung versammelt drei Serien, die das Ergebnis unterschiedlicher Forschungen sind, in denen der Autor eine komplexe Landschaft evoziert, die das Ergebnis zahlreicher Schichtungen ist. Das Bild, das dabei entsteht, zeichnet sich durch die poetische Umsetzung von Orten der Verzauberung sowie "durch die Übersetzung in die traumhafte und evokative Dimension des Symbols oder der Stimmung" aus, wobei "Formen der Komplexität und Transformation" (Tedeschi, 2011) beibehalten werden.

Heillandi è lieta di invitarvi all'inaugurazione della mostra Immaginarti Isola. Fotografie di Chiara Arturo,  che avrà luogo a Lugano, presso la Bottega di Gandria, nella splendida cornice della frazione omonima il 18 settembre dalle ore 18.00. La mostra, aperta al pubblico fino al 30 ottobre, è curata da Chiara Finadri, e realizzata in collaborazione con Heillandi, la Bottega di Gandria, VivaGandria e Città Di Lugano. La mostra riunisce tre serie frutto di percorsi di ricerca distinti, nelle quali l’autrice rievoca un paesaggio complesso, risultato di numerose stratificazioni. L’immagine che emerge si distingue dalla poetica trasposizione di luoghi d’incanto, così come “dalla traduzione nella dimensione onirica ed evocativa del simbolo o dello stato d’animo” aderendo a “forme della complessità e della trasformazione” (Tedeschi, 2011).

Heillandi is pleased to invite you to the opening of the exhibition "Immaginarti Isola. Photographs by Chiara Arturo", which will take place in Lugano, at the Bottega di Gandria, on 18th September from 6.00 pm. The exhibition, open to the public until 30 October, is curated by Chiara Finadri, and realized in collaboration with Heillandi, Bottega di Gandria, VivaGandria and Città Di Lugano. The exhibition brings together three series that are the result of distinct researches, in which the author evokes a complex landscape, the result of numerous stratifications. The image that emerges is distinguished by the poetic transposition of places of enchantment, as well as "by the translation into the dreamlike and evocative dimension of the symbol or mood" adhering to "forms of complexity and transformation" (Tedeschi, 2011).

Galleria Cons Arc | Chiasso
13. September - 24. Oktober 2020

Mentre cammino si spostano i luoghi
Giancarlo Dell’Antonia

Eine geduldige Dekonstruktion des bebauten Gebiets, um seine Bestandteile zu beobachten, wobei die Fassaden von den Volumina getrennt und letztere in einem Spiel ineinandergreifender Flächen komprimiert werden, um eine Collage mit einem urbanen Thema zu erhalten, das die Leichtigkeit einer konstruktivistischen Komposition besitzt. Ein bisschen wie das, was in einer Grafikmappe passiert, die als pädagogische Übung konzipiert ist, um zu sehen und neu zu kombinieren: die suprematistische Geschichte von El Lisitskijs "Zwei Quadrate", die "Alle Kinder der Welt" gewidmet ist. In Dell'Antonias Werken hat der Übergang zwischen der mit der Genauigkeit eines Anatomen ausgeschnittenen fotografischen Beschreibung einer realen Welt und den monochromen Schnittpunkten, die die mögliche abstrakte geometrische Komposition des Gebauten offenbaren, tatsächlich seinen eigenen konkreten Anfang in der Praxis einer urbanen Drift, die zuvor, als hätte sie diese Orte nie gesehen, gewohnheitsmäßig bewohnte Orte beobachtet. Es gibt nichts Spektakuläres an der Spätmoderne, die das bebaute Gebiet unserer Städte strukturiert; die Wiederholung der architektonischen Typologien zwischen Land und Land macht es schwer zu verstehen, ob es sich um eine italienische, schweizerische, deutsche Stadt usw. handelt. Diese allgegenwärtigen Formen des Gebäudes erlauben nicht einmal eine Unterscheidung zwischen Zentrum und Vororten. Dell'Antonia lädt uns propädeutisch dazu ein, das, was uns umgibt, zu beobachten, in einer Art Übung für Erwachsene, die die Fähigkeit finden, so auszusehen, als könnten sie das Gefühl einer möglichen Entdeckung empfinden, auch wenn die relative Anonymität dessen, was uns umgibt, unsere Fähigkeit, aufmerksam zu sein, lange Zeit gedämpft hat. Auf der Schwelle zwischen Gewohnheit und Entdeckung fließt die Linie der sich kreuzenden Orte, die sich bei unserer Beobachtung verändern. Es passiert scheinbar nichts, wir leiden nicht unter plötzlichem Schwindelgefühl, aber etwas scheint an Boden zu verlieren, wenn unser Blick sich auf die Formen der Dinge konzentriert. Aus dieser Beobachtungsart, die etwas vom Atem für einen Moment während einer Pause unseres Spaziergangs anhält, gewinnt Dell'Antonia Bilder, in denen eine Abfolge anonymer Balkone einen unerwarteten kompositorischen Rhythmus annehmen kann, in denen sich die Linien des Gebäudes nicht darauf beschränken, die Profile der Gebäude und ihre Details zu definieren, wie bei einem funktionalen Architekturentwurf, sondern sich in die Luft erstrecken und Morphologien erzeugen, die die Leere als visuell wahrnehmbares Element einschließen.

Une patiente déconstruction du bâti pour en observer les composantes, séparant les façades des volumes, comprimant ces derniers dans un jeu d'emboîtement des surfaces, afin d'obtenir un collage avec un sujet urbain qui a la légèreté d'une composition constructiviste. Un peu comme ce qui se passe dans un dossier graphique conçu comme un exercice d'éducation pour voir et recombiner : l'histoire suprémaciste des "Deux carrés" d'El Lisitskij, dédiée à "Tous les enfants du monde". Dans les œuvres de Dell'Antonia, le passage entre la description photographique d'un monde réel, découpé avec la précision d'un anatomiste, et les intersections monochromes qui révèlent la possible composition géométrique abstraite du bâti, a en fait son propre début concret dans la pratique d'une dérive urbaine qui observe avant, comme si elle ne les avait jamais vus, des lieux habituellement habités. Le modernisme tardif qui structure l'espace bâti de nos villes n'a rien de spectaculaire ; la répétition des typologies architecturales entre pays et pays rend difficile de comprendre s'il s'agit d'une ville italienne, suisse, allemande, etc. Ces formes omniprésentes du bâtiment ne permettent même pas de distinguer le centre et la banlieue. Dell'Antonia, propédeutique, nous invite à observer ce qui nous entoure, dans une sorte d'exercice pour les adultes qui trouvent une capacité de regard capable de sentir le sens d'une découverte possible, même si le relatif anonymat de ce qui nous entoure a longtemps freiné notre capacité d'attention. Au seuil entre l'habitude et la découverte s'étend la ligne de franchissement des lieux qui changent au fur et à mesure que nous les observons. Il ne se passe apparemment rien, nous ne souffrons pas de vertiges soudains, mais quelque chose semble perdre du terrain si notre regard se concentre sur la forme des choses. De cette manière d'observer, qui a quelque chose du souffle d'un moment retenu lors d'une pause dans notre marche, Dell'Antonia obtient des images dans lesquelles une séquence de balcons anonymes peut prendre un rythme de composition inattendu, où les lignes du bâtiment ne se limitent pas à définir les profils des bâtiments et leurs détails, comme dans une conception architecturale fonctionnelle, mais s'étendent dans l'air, générant des morphologies qui incluent le vide comme élément visuellement perceptible.

Una paziente decostruzione dell’abitato per osservarne le componenti, separando le facciate dalle volumetrie, comprimendo quest’ultime in un gioco ad incastro fra superfici, così da ottenere un collage a soggetto urbano che ha la levità di una composizione costruttivista. Un po’ quello che accade in una cartella di grafiche concepita come un esercizio di educazione al vedere e al ricombinare: il racconto suprematista dei “Due quadrati” di El Lisitskij, dedicato a “Tutti i bambini del mondo”.  Nei lavori di Dell’Antonia il passaggio fra descrizione fotografica di un mondo reale, ritagliato con l’accuratezza di un anatomista, e le intersezioni monocromatiche che rivelano la possibile composizione astratto geometrica del costruito, ha effettivamente un suo concreto avvio nella pratica di una deriva urbana che osserva prima, come se non li avesse mai visti, luoghi abitualmente vissuti. Non vi è niente di spettacolare nel tardo modernismo che struttura l’abitato delle nostre città; il ripetersi di tipologie architettoniche fra paese e paese rende difficile capire se si tratta di una città italiana, svizzera, tedesca etc. Queste forme ubique del costruito non permettono di distinguere nemmeno fra centro e periferia. Dell’Antonia, propedeuticamente, invita ad osservare quanto ci circonda, in una sorta di esercizio per adulti che ritrovino una capacità di sguardo in grado di avvertire il senso della scoperta possibile, anche lì dove la relativa anonimia di quel che ci circonda ha smorzato da tempo la nostra capacità di attenzione. Sulla soglia fra abitudine e scoperta scorre la linea di attraversamento di luoghi che si modificano nel mentre li si osserva. Non succede apparentemente nulla, non si soffre di subitanee vertigini, ma qualcosa sembra perdere suolo se il nostro sguardo si concentra sulle forme delle cose. Da questo modo di osservare, che ha qualcosa del respiro per un momento trattenuto durante una pausa della nostra passeggiata, Dell’Antonia ricava delle immagini nelle quali una sequenza di anonimi balconi può assumere un inaspettato ritmo compositivo, dove le linee del costruito non si limitano a definire i profili degli edifici e dei loro particolari, come in un funzionale disegno d’architettura, ma si prolungano nell’aria, generando morfologie che includono il vuoto come un elemento visivamente percepibile.

A patient deconstruction of the built-up area to observe its components, separating the facades from the volumes, compressing the latter in a game of interlocking surfaces, so as to obtain a collage with an urban subject that has the levity of a constructivist composition. A bit like what happens in a graphic folder conceived as an exercise in education to see and recombine: the supremacist story of El Lisitskij's "Two squares", dedicated to "All the children of the world". In Dell'Antonia's works, the passage between the photographic description of a real world, cut out with the accuracy of an anatomist, and the monochromatic intersections that reveal the possible abstract geometric composition of the built environment, actually has its own concrete beginning in the practice of an urban drift that observes before, as if it had never seen them, habitually lived places. There is nothing spectacular in late modernism that structures the inhabited area of our cities; the repetition of architectural typologies between country and country makes it difficult to understand if it is an Italian, Swiss, German city, etc.. These ubiquitous forms of the built up do not allow to distinguish even between center and periphery. Dell'Antonia, propaedeutically, invites us to observe what surrounds us, in a sort of exercise for adults who find an ability to look able to feel the sense of possible discovery, even where the relative anonymity of what surrounds us has long dampened our ability to pay attention. On the threshold between habit and discovery flows the line of crossing places that change as we observe them. Apparently nothing happens, we do not suffer from sudden dizziness, but something seems to lose ground if our gaze focuses on the shapes of things. From this way of observing, which has something of the breath for a moment held during a break in our walk, Dell'Antonia draws images in which a sequence of anonymous balconies can take on an unexpected compositional rhythm, where the lines of the building are not limited to defining the profiles of the buildings and their details, as in a functional architectural design, but extend into the air, generating morphologies that include the void as a visually perceptible element.

(Text: Riccardo Caldura)

MASI Palazzo Reali | Lugano
29. August 2020 - 25. April 2021

Das Tessin im Wandel der Zeit
Vincenzo Vicari

Im Palazzo Reali ist eine monografische Ausstellung mit Arbeiten des Tessiner Fotografen Vincenzo Vicari zu sehen, welcher von 1936 bis 1987 in Lugano tätig war. Der chronologisch gegliederte Rundgang zeigt eine sorgfältig kuratierte Auswahl von über 100 Schwarzweiss- und Farbaufnahmen, sowohl Originalabzüge als auch Abzüge von Negativen aus dem Nachlass von Vicari. Seine Motive dokumentieren eindrücklich die Veränderung des Tessins und seiner Bewohner von der ländlich geprägten Welt der unmittelbaren Nachkriegszeit bis hin zum urbanen Tessin der 1980er-Jahre. Vicari zeigt das Tessin ohne Zensur zu üben. Von den Postkartenmotiven bis hin zu den überraschenden Momentaufnahmen ist sein Blick weder feierlich noch ästhetisierend. Er dokumentiert schlicht die ihn umgebende Realität, wenn auch manchmal mit einem Anflug von Ironie. Das Tessin Vicaris ist nicht die Idylle, wie sie von den Literaten Francesco Chiesa, Guido Calgari oder Giuseppe Zoppi dargestellt wird. Es ist auch nicht das Tessin der geistigen Landesverteidigung oder der Tourismus-Werbung. Auch die vieldiskutierten Themen des technischen Fortschritts und des wirtschaftlichen Erfolgs um jeden Preis finden sich nicht beim geborenen Luganesen. Die Bedeutung von Vicaris Werk liegt in der Fähigkeit, die Komplexität eines Territoriums auf der Suche nach seiner Identität in einer Weise wiederzugeben, die nie ins Banale abgleitet.

Palazzo Reali accueille une exposition monographique consacrée au photographe tessinois Vincenzo Vicari, actif à Lugano de 1936 à 1987. Cette exposition est orchestrée de façon chronologique et présente une vaste sélection de photos originales et de tirages à partir de négatifs, soit un total de plus de 100 clichés noir et blanc et en couleur. Ces photographies retracent les menus changements survenus au niveau de la région et de ses habitants au cours des années de transition entre le monde encore fortement rural de la première période de l’après-guerre et le Tessin urbanisé des années 80. Vicari voit et documente le Tessin de façon très libre : exempt de tout caractère romanesque ou esthétisant, son regard jongle entre les vues de "carte postale" et les sujets plus insolites. Il documente ainsi sans ambages la réalité qui l’entoure, parfois même avec une petite pointe d’ironie. Si le Tessin de Vicari ne ressemble en rien au pays idyllique suggéré par les hommes de lettres tels que Francesco Chiesa, Guido Calgari et Giuseppe Zoppi, ni à celui idéologisé du mouvement de la Défense spirituelle et de la propagande touristique, le Tessin de Vicari est toutefois bien plus que le simple portrait du progrès technique et de la réussite économique à tout prix. C’est précisément dans sa capacité à restituer et à synthétiser de manière originale la complexité d’un territoire en quête d’identité que réside la force du travail de Vicari.

La sede di Palazzo Reali ospita una mostra monografica dedicata al fotografo ticinese Vincenzo Vicari, attivo a Lugano dal 1936 al 1987. Il percorso espositivo cronologico presenta un’accurata selezione di stampe originali e riproduzioni da negativi per un totale di oltre 100 scatti in bianco e nero e a colori che documentano la trasformazione del territorio ticinese e dei suoi abitanti negli anni di passaggio dal mondo ancora fortemente rurale del primo dopoguerra al Ticino urbanizzato degli anni Ottanta. Vicari legge e documenta il Ticino senza censure: dai soggetti “da cartolina” a quelli più inaspettati il suo sguardo non è né celebrativo né estetizzante, ma documenta con sicurezza la realtà che lo circonda, a volte con lieve ironia. Se il Ticino di Vicari non è quello idilliaco ricercato da letterati quali Francesco Chiesa, Guido Calgari e Giuseppe Zoppi, o quello dell’ideologia della Difesa spirituale e della propaganda turistica, non è nemmeno unicamente il Ticino del progresso tecnico e del successo economico ad ogni costo. L’importanza dell’opera di Vicari risiede proprio nella sua capacità di restituire e sintetizzare in maniera mai banale la complessità di un territorio alla ricerca della sua identità. La mostra si inserisce in un progetto di valorizzazione più ampio coordinato dalla Divisione cultura della Città di Lugano e curato da Damiano Robbiani, coinvolgendo diverse istituzioni nelle loro sedi – tra queste il MASI.

Palazzo Reali hosts a monographic exhibition dedicated to the Ticino-born photographer Vincenzo Vicari, active in Lugano between 1936 and 1987. The chronological exhibition presents a careful selection of original prints and reproductions from negatives, constituting a total of over one hundred black-and-white and colour photographs that document the transformation of the region and its inhabitants during the transition from the a still very rural world of the post-war years to the urbanized Ticino of the 1980s. Vicari interpreted and documented the canton of Ticino without censorship: from picture-postcard subjects to more unexpected ones, his eye was never celebratory nor beautifying, but confidently recorded the world around him, only occasionally allowing a touch of irony to shine through. While Vicari’s Ticino may not be the idyllic one sought by literary figures such as Francesco Chiesa, Guido Calgari and Giuseppe Zoppi, or that of the ideology of spiritual Defense and tourist propaganda, neither it is only the Ticino of technical progress and economic success at any cost. Indeed, the importance of Vicari’s work lies in his ability to render and summarize the complexity of an area seeking its identity in a way that is never banal.

(Text: MASI, Lugano)

Museo Regiunal Surselva | Ilanz
4. Juli 2020 - 2. Mai 2021

“Fotografias dalla Surselva 1900–1950 veta purila | architettura | handwerk”

Drei Ausstellungen geben in der Casa d’Angel (Lumbrein), dem Museum Regiunal Surselva (Ilanz) und der Fotostiftung Graubünden (Chur), mit rund 300 Aufnahmen von bekannten wie wiederentdeckten Fotografen Einblicke in ein halbes Jahrhundert Kulturgeschichte der Surselva.

Das Museum Regiunal Surselva stellt das Handwerk in den Mittelpunkt, wobei auch zeitgenössische Formen vorgestellt werden, die Casa d'Angel das Bauernleben und die Fotostiftung Graubünden in Chur die Architektur. Gerade in der heutigen, schnelllebigen Zeit ist eine Rückbesinnung auf das traditionsreiche kulturelle Erbe der Bergtäler notwendig, nützlich und wohltuend.

Eine ausserordentlich grosse Schar von Fotografen hat im Zeitraum von 1900-1950 den Kanton und in besonderem Mass auch die Surselva besucht und mit tausenden von Aufnahmen dokumentiert.

Unter den ersten Fotografen waren wissenschaftlich oder alpinistisch interessierte Amateure wie Walram Derichsweiler und Paul Scheuermeier oder Pater Karl Hager in Disentis, aber auch Volkskundler wie Ernst Brunner, Richard Weiss oder der Bauernhaus-Spezialist Jakob Hunziker schwärmten für ihre Forschungen aus. Daneben berichteten von den ersten Schweizer Fotoreportern Hans Staub über den "Bergwinter" in den dreissiger Jahren und Emil Brunner über das "Gesicht" der Bergkinder.

Einheimische Autoren machten sich ebenfalls früh auf zu ausgedehnten Reisen: Moritz Maggi für Postkarten, Christian Meisser als hervorragender Landschaftsfotograf und Alfons Maissen um den Alltag in den Dörfern zu dokumentieren. Insbesondere Vrin und Vals (hier auch mit Rudolf Zinggeler und den Gebrüdern Heini) waren bildstarke Orte, während Cumbel durch eine grosse Sammelaktion alter Fotos einzigartig dokumentiert ist.

In vielen Bündner Archiven, vor allem auch beim Dicziunari Rumantsch Grischun, liegen grossartige, teilweise noch wenig gehobene Fotoschätze. Dasselbe gilt wohl auch bei manchen Familien.

So ergibt sich beim Rundgang durch die drei Ausstellungen ein umfassendes und faszinierendes Bild einer kulturell vielfältigen, von einer grossartigen Landschaft eingerahmten Region, von würdevollen Menschen bei ihrer Arbeit und ihren Häusern, von einer entschwundenen Gemeinschaftlichkeit von Alt und Jung, von Hirten und Tieren, von einem würdevollen Leben in häufig materiellen Notlagen. Das bäuerliche Leben ist in und mit der Natur von Schönheit und Stolz erfüllt.

Treis exposiziuns cun rodund 300 fotografias da fotografs renommai ni danovamein scuvretgs dattan perdetga dad in miez tschentaner historia culturala dalla Surselva.

Il Museum Regiunal Surselva metta la lavur tradiziunala dils mistergners el center, denton vegnan era fuormas contemporanas presentadas. La Casa d'Angel muossa la veta purila e la Fundaziun da fotografias Grischun a Cuera focusescha sin l’architectura. Las exposiziuns envidan da reflectar la cultura muntagnarda pleina da tradiziuns. Ina tala reflexiun ei necessaria e fa bein al carstgaun modern.

Ina retscha da fotografs han visitau cun lur apparats da fotografar il cantun Grischun e la Surselva duront il temps 1900-1950 ed aschia documentau la regiun cun lur fotografias.

Denter ils emprems fotografs deva ei entgins cun interess vid la scienzia ed igl alpinissem sco per exempel Walram Derichsweiler, Paul Scheuermeier ni il pader Karl Hager dalla claustra a Mustèr. Denton vegnevan era ethnologs sco Ernst Brunner, Richard Weiss ni il specialist da casas purilas, Jakob Hunziker, en nossas valladas per far perscrutaziuns.

Ils emprems reporters da fotografias sco Hans Staub vegnevan per rapportar digl “unviern muntagnard” els onns trenta, ni Emil Brunner per mussar la fatscha dils affons muntagnards, ils schinumnai “Bergkinder”.

Fotografs indigens semettevan era sin viadi cun lur cameras: Moritz Maggi produceva cartas postalas dalla Surselva, Christian Meisser era in excellent fotograf da cuntradas ed il nunstunclenteivel Alfons Maissen rimnava mussaments dalla cultura indigena els vitgs sursilvans en tuttas fuormas, era fotograficamein.

Oravontut Vrin e Val S. Pieder eran predistenai per bials motivs fotografics. En quels dus loghens han Rudolf Zinggeler ed ils frars Heini fatg biaras fotografias. Il vitg da Cumbel denton ei documentaus fetg bein grazia alla gronda acziun da rimnar fotografias historicas entras la uniun Pro Cumbel.

Biars archivs el Grischun possedan remarcablas rimnadas da fotografias, oravontut il Dicziunari Rumantsch Grischun. Denton eisi da supponer ch’era enqual scazi ei aunc buc discuvretgs sin surcombras privats.

La runda atras las treis exposiziuns dat in maletg fascinont dalla Surselva cun sia cultura multifara, circumdada dad ina cuntrada da gronda bellezia.

Al visitader sepresenta in maletg da carstgauns e lur avdonzas, da lur lavur quotidiana sin praus e pradas, pastiras ed alps, in maletg d’ina cuminonza denter giuven e vegl ton sco svanida, in maletg da carstgauns plein dignitad malgrad la dira lavur e la scartezia el mintgadi.

Tre mostre nella Casa d'Angel (Lumbrein), al Museo regionale Surselva (Ilanz) e alla Fotostiftung Graubünden (Coira), con circa 300 fotografie di fotografi noti e riscoperti, offrono uno sguardo su mezzo secolo di storia culturale della Surselva.

Il Museo regionale Surselva si concentra sull'artigianato, mentre vengono presentate anche forme contemporanee, la Casa d'Angel sulla vita contadina e la Fotostiftung Graubünden a Coira sull'architettura. Soprattutto in tempi di rapida evoluzione, un ritorno al patrimonio culturale tradizionale delle valli montane è necessario, utile e benefico.

Un numero straordinariamente elevato di fotografi ha visitato il cantone e in particolare la Surselva nel periodo 1900-1950 e lo ha documentato con migliaia di fotografie.

Tra i primi fotografi c'erano dilettanti interessati alla scienza o all'alpinismo come Walram Derichsweiler e Paul Scheuermeier o Padre Karl Hager a Disentis, ma andavano in escursione per le loro ricerche anche etnologi come Ernst Brunner, Richard Weiss o lo specialista di fattorie Jakob Hunziker. Inoltre hanno raccontato, tra i primi fotoreporter svizzeri, Hans Staub del "Bergwinter/Inverno di montagna" negli anni '30 e Emil Brunner del "Gesicht/Volto" dei bambini di montagna.

Anche gli autori locali si sono messi presto in viaggio per lunghi viaggi: Moritz Maggi per le cartoline, Christian Meisser come eccezionale fotografo di paesaggi e Alfons Maissen per documentare la vita quotidiana nei villaggi. Vrin e Vals in particolare (qui anche con Rudolf Zinggeler e i fratelli Heini) erano luoghi visivamente potenti, mentre Cumbel è documentato in modo unico da una vasta collezione di vecchie foto.

In molti archivi grigionesi, in particolare nel Dicziunari Rumantsch Grischun, ci sono grandi tesori fotografici, alcuni dei quali non sono ancora molto ben conservati. Lo stesso probabilmente vale per alcune famiglie.

La visita alle tre mostre offre un quadro completo e affascinante di una regione culturalmente diversificata, incorniciata da un paesaggio magnifico, di persone dignitose al lavoro e delle loro case, di una comunità scomparsa di vecchi e giovani, di pastori e animali, di una vita dignitosa spesso in condizioni di disagio materiale. La vita rurale nella e con la natura è piena di bellezza e di orgoglio.

Ca’ Lenz | Cevio
4. Juli - 30. August 2020

Die rote Brücke
Stephan Bösch

In einem Patrizierhaus aus dem Jahre 1638 in Cevio zeige ich einen Teil meiner Werkreihe „Die rote Brücke“. Die Aufnahmen entstanden über zehn Jahre auf meinen Reisen, aber auch im Alltag. Rein intuitiv, einem Impuls folgend, hielt ich die mir zugefallenen Szenen auf Schwarzweissfilm fest.

Die Reflexion erfolgte erst Jahre später. Dabei zeigte sich die Auswahl inmitten der unzähligen Negative in völliger Klarheit. Die Bilder geben keine Wirklichkeit wieder. Die archetypischen Elemente stehen im Vordergrund und sind Gegenstand der Auseinandersetzung mit meinem Leben und dem Werk. Ich stelle die Abzüge im eigenen Fotolabor in Handarbeit her, was die Aufmerksamkeit auf das einzelne Bild steigert.

Stephan Bösch, geboren 1982, lebt in St. Gallen als freischaffender Fotograf zwischen Fotokunst und Auftragsfotografie.

Nel nucleo storico di Cevio, in un antica casa patrizia datata del 1638, espongo parte delle mie opere della serie “Die Rote Brücke”. Le immagini ripercorrono sia viaggi personali che il succedersi della vita quotidiana in un lasso di tempo che supera i dieci anni.

Sul supporto fotografico, in bianco e nero, ho impresso scene che occasionalmente mi si sono presentate, cogliendovi il potenziale in maniera puramente intuitiva e lasciandomi toccare nell’ intimo, questo medesimo impulso mi ha ugualmente guidato nel processo creativo. Anni più tardi è arrivata la rifflessione su questi lavori e su questi soggetti ed assieme ad essa la consapevolezza per selezionarli da una quantità smisurata di negativi.

Le fotografie non ci rimandano alla realtà in se stessa, ma in primo piano stanno gli elementi archetipici che rappresentano soggetto ed argomento significanti della mia vita e delle mie opere. Sviluppo le mie foto personalmente nel mio Laboratoriofotografico e da esse emerge tutta la cura per il dettaglio che metto in ogni singola tiratura.

Stephan Bösch è nato nel 1982, vive a San Gallo e lavora come fotografo indipendente nel campo della fotografia d’ arte e di committenza.

Fiore di pietra | Monte Generoso
8. Juni - 8. November 2020

Barcodes scenario
Matteo Fieni

Die Auswahl der Bilder von Fotograf Matteo Fieni (Mendrisio, 1976) für diese Ausstellung ist eine Reflexion über den fotografischen Akt selbst. Sie sind eine aussagekräftige Zusammenfassung seiner etwa vierjährigen visuellen Recherche ab 2016 zwischen Zürich, Paris und Mailand über die Beziehung zwischen der symbolischen Kodierung des Barcodes und dem Bild, das durch die Überlagerung von Aufnahmen entsteht. Wie andere fotografische Hilfsmittel (Zeitlupe oder Vergrösserung) erlaubt dieses System es dem Menschen, das „Optisch-Unbewusste“ zu entdecken, also den Raum, den er unbewusst einnimmt, wahrzunehmen. Bei Betrachtung dieser Fotos hat man den Eindruck, dass sich wirre Sätze und intermittierende Impulse der Liebe und des Bedauerns durch ein synästhetisches Phänomen in mehrfarbige, kaskadenartige Lichtvorhänge verwandeln, die sich in sich selbst zusammenfalten und verschwinden. Fieni kreiert in diesen konzeptuellen Bildern, die hier erstmals einem breiten Schweizer Publikum präsentiert werden, faszinierende und mitreissende Szenarien, die es dem Betrachter erlauben, imaginärer Darsteller einer Fiktion zu werden.

Les images que Matteo Fieni (Mendrisio, 1976) présente dans le cadre de cette exposition constituent une réflexion sur l’acte même de photographier. Elles font la synthèse de la recherche visuelle que le photographe mène depuis 2016, entre Zurich, Paris et Milan, sur le lien entre le symbolisme du code-barres et l’image construite en superposant des enregistrements. Ce système, comme d’autres moyens auxiliaires de la photographie, tels que le ralenti ou les agrandissements, permet à l’homme de découvrir son « Inconscient optique », c’est-à-dire de percevoir l’espace qu’il élabore inconsciemment. En observant ces photographies, on a la sensation, par kinesthésie, que des phrases confuses et des élans intermittents d’amour et de regret se transforment en rideaux de lumière multicolore qui tombent en cascade, se replient sur eux-mêmes et disparaissent. Matteo Fieni, à l’aide de ces images de matrice conceptuelle, exposées pour la première fois au public en Suisse, construit des scénarios intrigants et attrayants qui permettent au spectateur de devenir l’acteur imaginaire d’une fiction.

La selezione delle immagini presentate dal fotografo Matteo Fieni (Mendrisio, 1976) per questa mostra costituisce una riflessione sull’atto fotografico stesso. Esse sono una significativa sintesi della ricerca visiva che dal 2016 fra Zurigo, Parigi e Milano egli ha condotto per circa un quadriennio sulla correlazione esistente tra la codifica simbolica del barcode e l’immagine costruita sovrapponendo delle registrazioni. Questo sistema, come altri mezzi ausiliari della fotografia, quali il rallentatore o gli ingrandimenti, permette all’uomo di scoprire il proprio “inconscio ottico”, ossia di percepire quello spazio che elabora inconsciamente. Osservando queste fotografie si ha l’impressione che per un fenomeno sinestetico frasi confuse e impulsi intermittenti di amore e rimpianto si trasformano in cortine di luce multicolore che precipitano a cascata, si ripiegano su sé stesse e svaniscono. Fieni in queste immagini di derivazione concettuale, esposte qui per la prima volta in ambito pubblico in Svizzera, costruisce degli intriganti e coinvolgenti scenari che danno la possibilità allo spettatore di diventare attore immaginario di una fiction.

The selection of images presented by photographer Matteo Fieni (born 1976, Mendrisio, Switzerland) in this exhibition reflect on the act of photography itself. They offer a comprehensive summary of the visual research he has carried out over an approximately four-year period, since 2016, in Zurich, Paris and Milan, on the correlation between the symbolic encoding of the barcode and images assembled through superimposition. This system, like other auxiliary tools used in photography, like slow motion or magnification, allows people to discover their ‘optical unconscious’, in other words to perceive the space they develop subconsciously. Observing these photographs, one has the impression of confused phrases and intermittent impulses of love and regret synesthetically transforming into multicoloured curtains of light that cascade down, fold in on themselves and vanish. In these conceptual images, displayed here for the first time in public in Switzerland, Fieni constructs intriguing and engaging scenarios that allow viewers to become imaginary participants in a work of fiction.

(Text: Francesca Marinoli, Art Curator)

CONSARC Galleria | Chiasso
22. März - 31. Juli 2020

Foto Garfica
Herbert Matter

Dank einer Privatsammlung gelangt eine Ausstellung mit rund dreissig Fotografien von Herbert Matter (CH 1907 - USA 1984), dem international bekannten Schweizer Fotografen, Designer und Grafiker, nach Chiasso.

Grâce à une collection privée, une exposition d'une trentaine d'œuvres photographiques anciennes d'Herbert Matter (CH 1907 - USA 1984), photographe, designer et graphiste suisse de renommée internationale, arrive à Chiasso.

Grazie ad una collezione privata, approda a Chiasso una mostra di una trentina di opere fotografiche vintage di Herbert Matter (CH 1907 – USA 1984), fotografo, designer e grafico svizzero conosciuto a livello internazionale.

Thanks to a private collection, an exhibition of about thirty vintage photographic works by Herbert Matter (CH 1907 - USA 1984), internationally known Swiss photographer, designer and graphic designer, arrives in Chiasso.

Cons Arc Galleria | Chiasso
19. Januar - 29. Februar 2020

Trenta
Gabriele Basilico, Mariapia Borgnini, Françoise e Daniel Cartier, Gabriele Jardini, Christof Klute, Gérard Pétremand, Francesco Radino, Andreas Seibert, Massimo Vitali

Für den CONSARC/GALLERIA beginnt dieses neue Jahr mit einem wichtigen Jahrestag, der durch eine gemeinsame Ausstellung unterstrichen wird, die symbolisch die TRENTA-Jahre der Tätigkeit der GALLERY feiern will.

In diesen 3 Jahrzehnten waren viele Autoren ausgestellt, und dieses Kollektiv will nur eine kleine Gruppe unter denen sammeln, die wir zum Glück kennen und ausstellen durften.

Pour CONSARC/GALLERIA, cette nouvelle année commence par un anniversaire important souligné par une exposition collective qui veut symboliquement célébrer les années d'activité de la GALERIE TRENTA.

Au cours de ces trois décennies, de nombreux auteurs ont été exposés et ce collectif ne veut rassembler qu'un petit groupe parmi ceux que nous avons eu la chance de connaître et d'exposer.

Per CONSARC/GALLERIA questo anno nuovo inizia con un anniversario importante sottolineato da una mostra collettiva che vuole simbolicamente festeggiare i TRENTA anni di attività della GALLERIA.

In questi 3 decenni gli autori esposti sono stati molti e questa collettiva vuole raccoglierne solo un piccolo gruppo tra quelli che abbiamo avuto la fortuna di conoscere ed esporre.

For CONSARC/GALLERIA this new year begins with an important anniversary underlined by a collective exhibition that symbolically wants to celebrate the TRENTA years of activity of the GALLERY.

In these 3 decades there have been many authors on display and this collective wants to collect only a small group among those we have been lucky enough to know and exhibit.

(Text: Consarc Galleria, Chiasso)

Cons Arc | Chiasso
5. Oktober - 29. November 2019

Die Ausstellung findet im Rahmen der Bi Biennale dell’immagine statt

The House
Karin Borghouts

"The House" – zeigt wie ein Feuer das Elternhaus von Karin Borghouts zerstört hat. Trotz dem Gefühlschaos, der unwiderruflichen Zerstörung ist Karin Borghouts fasziniert von der eigenartigen Schönheit, die das Feuer zurückgelassen hat und hält die verkohlten Habseligkeiten und verschiedene Winkel im Haus fest. Die noch erkennbaren Objekte wecken Erinnerungen des Vergangenen in den Räumlichkeiten.

"The House" - montre comment un incendie a détruit la maison de Karin Borghouts. Malgré le chaos émotionnel, la destruction irréversible, Karin Borghouts est fascinée par la beauté étrange que le feu a laissée derrière elle et capture les biens carbonisés et les différents coins de la maison. Les objets encore reconnaissables réveillent dans les pièces des souvenirs du passé.

"The House" - mostra come un incendio ha distrutto la casa di Karin Borghouts. Nonostante il caos emotivo, la distruzione irreversibile, Karin Borghouts è affascinata dalla strana bellezza che il fuoco ha lasciato e cattura gli oggetti carbonizzati e i vari angoli della casa. Gli oggetti ancora riconoscibili risvegliano nelle stanze ricordi del passato.

"The House" - shows how a fire destroyed the home of Karin Borghouts. Despite the emotional chaos, the irreversible destruction, Karin Borghouts is fascinated by the strange beauty the fire has left behind and captures the charred belongings and various corners of the house. The still recognizable objects awaken memories of the past in the rooms.

Rolla Foundation | Bruzella
18. Mai 2019 - 30. September 2020

Lawrence Carroll Photographs

Lawrence Carroll Photographs ist die sechzehnte Ausstellung im ehemaligen Kindergarten von Bruzella, dem Sitz der Rolla Foundation.

Philip und Rosella Rolla sammeln seit Jahren Carrolls Bildwerke und präsentieren nun sein erstes fotografisches Projekt.

Lawrence Carroll gilt als einer der führenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst. Sein Werk, oft an der Grenze zwischen Malerei und Skulptur, ist von einem poetischen Gefühl und einem autobiografischen Abdruck durchdrungen, der sich in seinem fotografischen Werk widerspiegelt.

Das Projekt entstand nach einer langen Reise durch die Vereinigten Staaten von Amerika in eine neue Stadt und ein neues Zuhause.

Lawrence Carroll Photographs è la sedicesima mostra ospitata nell’ex scuola d’infanzia di Bruzella, sede della Fondazione Rolla.

Philip e Rosella Rolla, che da anni collezionano l’opera pittorica di Carroll, ora presentano il suo primo progetto fotografico.

Lawrence Carroll è considerato un esponente di rilievo dell’arte contemporanea internazionale. Il suo lavoro, spesso al limite tra pittura e scultura, è pervaso da un sentimento poetico e un’impronta autobiografica che si riflette anche nel lavoro fotografico.

Il progetto nasce dopo un lungo viaggio attraverso gli Stati Uniti d’America verso una nuova città e una nuova casa.

Lawrence Carroll Photographs is the sixteenth exhibition held in the ex-kindergarten of Bruzella, home of the Rolla Foundation.

Philip and Rosella Rolla have been collecting Carroll’s pictorial work for years and now present his first photographic project.

Lawrence Carroll is considered a leading exponent of contemporary art. His work, often at the boundary between painting and sculpture, is pervaded by a poetic sentiment and an autobiographical imprint that is reflected in his photographic work.

The project was born after a long journey through the United States of America to a new city and a new home.

(Text: Rolla Foundation)

Galleria Cons Arc | Chiasso
12. Mai - 27. Juli 2019

Billboard - Latronico 2018
Maurizio Montagna

Im Jahr 2013 präsentierte CONSARC/GALLERIA eine Reihe von Billboards 2003-2009 von Maurizio Montagna, einem Mailänder Profi, der sich seit 20 Jahren der Architekturfotografie und der Darstellung der Stadtlandschaft widmet.

Montagna's Arbeit an Plakaten begann 2003 mit einer Recherche, die zunächst dazu neigte, die Funktion der Werbeflächen zu neutralisieren, die leer in der Stadtlandschaft verbleiben, sich auf die Umgebungssituationen beziehen und die Lücken verschiedener, oft zufälliger Realitäten schließen. Dieses neue Werk, das von CONS ARC / GALLERIA unter dem Titel Billboard - Latronico 2018 veranstaltet wird, wurde 2017 nach einem Landschaftsfotografie-Workshop geboren und geht von einem von Bianco Valente und Pasquale Campanella kuratierten Projekt mit dem Titel A cielo Aperto aus, das dank der Arbeit des Vereins Vincenzo de Luca in der Gemeinde Latronico, Basilikata, als Forschung und Experiment in der Welt der zeitgenössischen Kunst entstand. In dieser zweiten Phase der Arbeit an Plakaten, die konzeptueller und synthetischer ist, wird das "Kartellsubjekt" seiner primären Funktion beraubt und wird zum Versuch, das gleiche Objekt zu posieren und auch einen definierten Raum in der Leere und dem geschaffenen Mangel zu erfinden. Die Beobachtung eines sich im Laufe der Zeit verändernden Landschaftsfragments erfolgt von einem bestimmten Punkt aus und durch ein leeres, 6 mal 3 Meter breites Werbeschild, das speziell entworfen und am Fuße des Monte Alpi, oberhalb von Latronico (PZ-Italien) platziert wurde. Montagna erklärt in einem Interview mit Marianna Ascolese und Federica Deo für die Zeitschrift[c] compasses, dem internationalen Magazin für Architektur & Innenarchitektur / Middle East:

"Das Zeichen wartet nicht stillschweigend auf die Ankunft desjenigen, der es erkennen kann: es konstituiert sich nie selbst, außer durch einen Akt des Wissens" (M.Foucault, The Order of Things, Routledge, London 2002, S. 65)".

In den technischen Möglichkeiten, die das Instrument zur Verfügung stellt, in Bezug auf die Lesemöglichkeiten eines Subjekts zu handeln, ist das Vorrecht eines Künstlers. Fotografie ist ein Akt des Wissens, vielleicht mehr als die anderen Künste: Die sorgfältige Beobachtung eines Fotos ist ein Akt des Respekts vor der Welt. Jedes Detail eines Fotos kann Interpretationsmöglichkeiten eröffnen. Unsere Sensibilität wird uns die Möglichkeit geben, das Thema durch Codes zu verstehen: Es liegt an uns und unserer visuellen Kultur, es zu interpretieren und ihnen Bedeutung zu geben. Durch ein gutes Foto hoffe ich immer, die Überstrukturen des Subjekts aus dem Gleichgewicht zu bringen und eine Neuinterpretation geben zu können, bei der Sinn und Vision das "Opfer" des Subjekts durch Posen unterstützen. Dies gilt für jedes Modell, das ich versuche, meinen Werken vorzuschlagen, insbesondere für die Architektur, wo ein stereotyper Blick das Risiko birgt, Kanons vorzuschlagen, die mit vorab festgelegten Modellen gefüllt sind, mit dem traurigen Ergebnis, dass wir uns damit begnügen, zu sehen, was wir bereits wissen.

Nel 2013 la CONSARC/GALLERIA accoglieva una serie del lavoro dei Billboards 2003-2009 di Maurizio Montagna, professionista milanese che si dedica da 20 anni alla fotografia di architettura e alla rappresentazione del paesaggio urbano.

Il lavoro di Montagna sui Billboards parte dal 2003 con una ricerca che tendeva inizialmente a neutralizzare la funzione dei pannelli pubblicitari che, vuoti, restano nel paesaggio urbano, relazionandosi con le situazioni circostanti e riempiendo i vuoti di realtà diverse, spesso accidentali. Questo nuovo lavoro ospitato da CONS ARC / GALLERIA dal titolo Billboard – Latronico 2018, nasce dopo un workshop di fotografia di paesaggio nel 2017 e parte da un progetto a cura di Bianco Valente e Pasquale Campanella dal titolo A cielo Aperto, creato come ricerca e sperimentazione nel mondo dell’arte contemporanea grazie al lavoro dell’Associazione Vincenzo de Luca, nel Comune di Latronico, Basilicata. In questa seconda fase del lavoro sui Billboards, più concettuale e sintetica, il “soggetto cartello” viene privato dalla sua funzione primaria e diventa un tentativo di mettere in posa lo stesso oggetto e anche di inventarsi uno spazio definito nel vuoto e nella mancanza creatisi. L’osservazione di un frammento di paesaggio, che muta nel tempo, viene ripresa da un punto determinato e attraverso un cartello pubblicitario vuoto, largo 6 metri per 3, pensato e posto appositamente ai piedi del Monte Alpi, sopra Latronico (PZ-Italia). Spiega Montagna in un’intervista di Marianna Ascolese e Federica Deo per la rivista [c] compasses, the architecture & interior design international magazine / middle east:

“Il segno non attende silenziosamente l’arrivo di colui che può riconoscerlo: non si costituisce mai se non attraverso un atto di conoscenza” (M.Foucault, The Order of Things, Routledge, London 2002, p. 65)”.

Agire nelle possibilità tecniche che lo strumento mette a disposizione in relazione alle possibilità di lettura di un soggetto è la prerogativa di un artista. La fotografia è un atto di conoscenza, forse più delle altre arti:osservare attentamente una fotografia è un atto di riguardo verso il mondo. Ogni dettaglio di una fotografia può aprirci possibilità d’interpretazione. La nostra sensibilità ci darà la possibilità di una comprensione del soggetto attraverso dei codici: sta a noi e alla nostra cultura visiva interpretarli e dar loro significati. Attraverso una buona fotografia mi auguro sempre di scardinare le sovrastrutture del soggetto, riuscendone a dare una rilettura ove senso e visione avvalorino il “sacrificio” compiuto dal soggetto mettendosi in posa. Così è per ogni modello che cerco di proporre ai miei lavori, in maniera particolare per l’architettura, dove uno sguardo stereotipato corre il rischio di proporre canoni impagliati da modelli precostituiti, con il triste risultato di accontentarci di vedere quello che già conosciamo. 

(Text: Galleria Cons Arc, Chiasso)