C/O Berlin
27. Januar – 23. Mai 2024

Bannkörbe . C/O Berlin Talent Award 2023
Aladin Borioli

Auf den ersten Blick ist ein bizarres, in Holz geschnitztes Gesicht zu erkennen. Die schmale Öffnung, die den Mund darstellt, ist jedoch weitaus mehr: Sie ist der Eingang in die faszinierende Welt der Bienen. Was wir sehen ist einer von nur wenigen erhaltenen Bannkörben – ein Bienenstock, hergestellt aus organischen Materialien wie Holz, Stroh und Kuhdung, nach der norddeutschen Kunstwerkstradition. Neben der Beheimatung von Bienen diente der Korb mit seiner charakteristischen Maske auch der Abwehr vor dem ‚bösen Blick‘ und Honigdieben. Aladin Borioli (*1988, Schweiz), Gewinner des C/O Berlin Talent Award 2023 – Artist, untersucht in seinem recherchebasierten Projekt Bannkörbe anhand von Fotografien, archivarischem Material und teilnehmender Beobachtung das Zusammenleben von Menschen und Bienen sowie alternative Methoden der Imkerei. Mit Beharrlichkeit, Einfallsreichtum und der Methodik der ‚visuellen Anthropologie‘ bewegt sich Borioli in seiner kollaborativen Praxis zwischen Kunst und Wissenschaft, Fotografie, Philosophie und Feldforschung. C/O Berlin präsentiert seine erste institutionelle Einzelausstellung. Eine ausstellungsbegleitende Publikation erscheint bei Spector Books. Sie enthält neben einem Interview mit dem Künstler auch einen Essay von Bas Blaasse, Gewinner des C/O Berlin Talent Award 2023 in der Position Theorist.

Seit 2020 wird der C/O Berlin Talent Award durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.

Au premier coup d'œil, on distingue un visage bizarre sculpté dans le bois. Mais l'ouverture étroite qui représente la bouche est bien plus que cela : c'est l'entrée dans le monde fascinant des abeilles. Ce que nous voyons est l'une des rares ruches banales conservées - une ruche fabriquée à partir de matériaux organiques comme le bois, la paille et la bouse de vache, selon la tradition des œuvres d'art du nord de l'Allemagne. Outre le fait d'abriter des abeilles, la corbeille avec son masque caractéristique servait également à se défendre contre le 'mauvais œil' et les voleurs de miel. Aladin Borioli (*1988, Suisse), lauréat du C/O Berlin Talent Award 2023 - Artist, étudie dans son projet Bannkörbe, basé sur des recherches, la cohabitation entre les hommes et les abeilles ainsi que les méthodes alternatives d'apiculture à l'aide de photographies, de matériel d'archives et d'observations participantes. Avec persévérance, ingéniosité et la méthodologie de l''anthropologie visuelle', Borioli évolue dans sa pratique collaborative entre art et science, photographie, philosophie et recherche sur le terrain. C/O Berlin présente sa première exposition individuelle institutionnelle. Une publication accompagnant l'exposition est publiée par Spector Books. Outre une interview de l'artiste, elle contient un essai de Bas Blaasse, lauréat du C/O Berlin Talent Award 2023 dans la position de théoricien.

Depuis 2020, le C/O Berlin Talent Award est rendu possible grâce à la fondation Alexander Tutsek.

A prima vista si riconosce un bizzarro volto scolpito nel legno. Tuttavia, la stretta apertura che rappresenta la bocca è molto di più: è l'ingresso all'affascinante mondo delle api. Quello che vediamo è uno dei pochi alveari sopravvissuti - un alveare realizzato con materiali organici come legno, paglia e sterco di mucca, secondo la tradizione artistica della Germania settentrionale. Oltre a ospitare le api, il cesto con la sua caratteristica maschera serviva anche a difendersi dal "malocchio" e dai ladri di miele. Nel suo progetto Bannkörbe, basato sulla ricerca, Aladin Borioli (*1988, Svizzera), vincitore del C/O Berlin Talent Award 2023 - Artist, utilizza fotografie, materiale d'archivio e l'osservazione dei partecipanti per indagare sulla coesistenza di uomini e api e sui metodi alternativi di apicoltura. Con perseveranza, ingegno e la metodologia dell'"antropologia visiva", la pratica collaborativa di Borioli si muove tra arte e scienza, fotografia, filosofia e ricerca sul campo. C/O Berlin presenta la sua prima mostra personale istituzionale. Una pubblicazione che accompagna la mostra sarà edita da Spector Books. Oltre a un'intervista con l'artista, contiene anche un saggio di Bas Blaasse, vincitore del C/O Berlin Talent Award 2023 nella posizione Theorist.

Dal 2020, il C/O Berlin Talent Award è reso possibile dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

At first glance, you see a bizarre face carved into wood. However, the narrow “mouth” is also the entryway to a fascinating world of bees. This is one of only a few preserved beehives made from organic materials such as wood, straw, and cow dung in the northern German artisanal tradition. In addition to sheltering bees, the container with its characteristic face also serves as protection against the “evil eye” and honey thieves. Aladin Borioli (b. 1988, Switzerland) is the winner of the C/O Berlin Talent Award 2023 – Artist. In his research-based project, Bannkörbe, he uses photographs, archival material, and participatory observation to investigate the coexistence of humans and bees as well as alternative methods of beekeeping. With perseverance, ingenuity, and a visual anthropology approach, Borioli’s collaborative practice moves between art and science, photography, philosophy, and field research. C/O Berlin presents his first solo institutional exhibition. A publication accompanying the exhibition will be published by Spector Books. In addition to an interview with the artist, it also contains an essay by Bas Blaasse, who won the C/O Berlin Talent Award 2023 in the Theorist category.

Since 2020, the C/O Berlin Talent Award has been made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: C/O Berlin)

C/O Berlin
27. Januar – 23. Mai 2024

VALIE EXPORT – Retrospektive

Die Ausstellung präsentiert das facettenreiche Schaffen einer der bedeutendsten Medien- und Performancekünstler:innen des 20. Jahrhunderts. VALIE EXPORT (*1940, Österreich) gilt international als wegweisende Künstlerin, die mit ihrer medienreflexiven Praxis und feministischen Kritik gesellschaftliche Normen und Rollenbilder herausfordert. Von ihren frühen provokanten Expanded-Cinema-Aktionen über ihre symbolhaften Performances bis hin zu ihren urbanen Interventionen, führt die Ausstellung durch ihre vielseitige künstlerische Entwicklung. EXPORTs intensive Auseinandersetzung mit Medien, wie Video, Zeichnung und Installation wird in verschiedenen Phasen ihres Werks deutlich, insbesondere in ihrer experimentellen Herangehensweise an die Fotografie, auf der ein besonderer Schwerpunkt der Ausstellung liegt. Ihre radikalen Performances und ihre kritische Analyse von Massenmedien beleuchten unter anderem die Rolle der Frau und ihre gesellschaftliche Marginalisierung in einer patriarchalen Gesellschaft.

Die Ausstellung wurde von der Albertina, Wien in Kooperation mit C/O Berlin organisiert. Ermöglicht durch den Hauptstadtkulturfonds.

L'exposition présente les multiples facettes de l'œuvre de l'une des artistes les plus importantes du 20e siècle dans le domaine des médias et de la performance. VALIE EXPORT (*1940, Autriche) est considérée au niveau international comme une artiste pionnière qui défie les normes et les rôles sociaux par sa pratique réflexive des médias et sa critique féministe. De ses premières actions provocatrices d'Expanded Cinema à ses interventions urbaines, en passant par ses performances symboliques, l'exposition nous guide à travers son développement artistique varié. L'exploration intensive par EXPORT de médias tels que la vidéo, le dessin et l'installation apparaît clairement à différentes étapes de son œuvre, notamment dans son approche expérimentale de la photographie, sur laquelle l'exposition se concentre tout particulièrement. Ses performances radicales et son analyse critique des médias de masse mettent en lumière, entre autres, le rôle de la femme et sa marginalisation sociale dans une société patriarcale.

L'exposition a été organisée par l'Albertina, Vienne, en coopération avec C/O Berlin. Permis par le Hauptstadtkulturfonds.

La mostra presenta il lavoro multiforme di una delle più importanti artiste mediatiche e performative del XX secolo. VALIE EXPORT (*1940, Austria) è riconosciuta a livello internazionale come un'artista pionieristica che sfida le norme sociali e i modelli di ruolo con la sua pratica riflessiva sui media e la sua critica femminista. Dalle prime provocatorie azioni di Expanded Cinema alle performance simboliche e agli interventi urbani, la mostra guida i visitatori attraverso il suo multiforme sviluppo artistico. L'intensa esplorazione da parte di EXPORT di media come il video, il disegno e l'installazione è evidente in varie fasi del suo lavoro, in particolare nel suo approccio sperimentale alla fotografia, che è un punto focale della mostra. Le sue performance radicali e la sua analisi critica dei mass media mettono in evidenza, tra l'altro, il ruolo delle donne e la loro emarginazione sociale in una società patriarcale.

La mostra è stata organizzata dall'Albertina di Vienna in collaborazione con C/O Berlin. È stata resa possibile dall'Hauptstadtkulturfonds.

The exhibition presents the multifaceted oeuvre of one of the most important media and performance artists of the twentieth century. VALIE EXPORT (b. 1940, Austria) is internationally recognized as a trailblazing artist who challenges social norms and role models with her media-reflective practice and feminist criticism. This exhibition presents her eclectic artistic development, ranging from her early, provocative expanded cinema” actions to her symbolic performances and urban interventions. EXPORT’s in-depth examination of media such as video, drawing, and installation is apparent in the different phases of her career, especially in her experimental approach to photography, which is a special focus of this exhibition. Her radical performances and critical analysis of mass media highlight, among other things, the role of women and their social marginalization in a patriarchal society.

The exhibition was organized by Albertina, Vienna in cooperation with C/O Berlin. Made possible by the Hauptstadtkulturfonds.

(Text: C/O Berlin)

C/O Berlin
27. Januar – 23. Mai 2024

On Rape – And Institutional Failure
Laia Abril

In einer Assemblage aus eigenen und gefundenen Fotografien, Berichten, Zitaten, Videos und Artefakten widmet sich die katalanische Künstlerin Laia Abril (*1986) in ihrer umfassenden Recherchearbeit dem Thema der strukturell ermöglichten Vergewaltigung. Über verschiedene Zeithorizonte, Kulturpraktiken und Medien hinweg, zeichnet sie die Normalisierung misogyner Denk- und Handlungsweisen in Gesellschaft und Politik nach, ohne dabei auf explizite Darstellungen sexueller Gewalt zurückzugreifen. Im Fokus stehen vielmehr tradierte Vorstellungen, Gesetze und institutionalisiertes Versagen, die Machtdynamiken und Abhängigkeitsverhältnisse aufrechterhalten und somit Vergewaltigung ermöglichen. Es ist das zweite Kapitel ihres Langzeitprojekts A History of Misogyny, in dem Abril auf die vielfältigen Formen systemischer Gewalt gegen Frauen reagiert. Der bei dieser Thematik häufig empfundenen Sprachlosigkeit setzt sie eine bewegende wie politische Erzählung entgegen und appelliert sogleich an die gesamtgesellschaftliche Verantwortung.

C/O Berlin präsentiert die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin in Deutschland.

Dans un assemblage de photographies personnelles et trouvées, de rapports, de citations, de vidéos et d'artefacts, l'artiste catalane Laia Abril (*1986) consacre son vaste travail de recherche au thème du viol structurellement rendu possible. À travers différents horizons temporels, pratiques culturelles et médias, elle retrace la normalisation des modes de pensée et d'action misogynes dans la société et la politique, sans pour autant recourir à des représentations explicites de la violence sexuelle. Elle se concentre plutôt sur les représentations traditionnelles, les lois et les défaillances institutionnalisées qui perpétuent les dynamiques de pouvoir et les relations de dépendance et rendent ainsi le viol possible. Il s'agit du deuxième chapitre de son projet à long terme A History of Misogyny, dans lequel Abril réagit aux multiples formes de violence systémique envers les femmes. Elle oppose au mutisme souvent ressenti face à cette thématique un récit à la fois émouvant et politique et en appelle aussitôt à la responsabilité de la société dans son ensemble.

C/O Berlin présente la première exposition individuelle institutionnelle de l'artiste en Allemagne.

In un assemblaggio di fotografie proprie e ritrovate, relazioni, citazioni, video e manufatti, l'artista catalana Laia Abril (*1986) dedica il suo ampio lavoro di ricerca al tema dello stupro strutturalmente abilitato. Spaziando tra diversi orizzonti temporali, pratiche culturali e media, l'artista traccia la normalizzazione di modi di pensare e agire misogini nella società e nella politica, senza ricorrere a rappresentazioni esplicite della violenza sessuale. L'attenzione si concentra invece sulle idee tradizionali, sulle leggi e sui fallimenti istituzionalizzati che mantengono le dinamiche di potere e le relazioni di dipendenza, consentendo così lo stupro. È il secondo capitolo del suo progetto a lungo termine A History of Misogyny, in cui Abril reagisce alle varie forme di violenza sistemica contro le donne. L'artista contrasta l'assenza di parole che spesso si prova quando si affronta questo tema con una narrazione commovente e politica e fa immediatamente appello alla responsabilità della società nel suo complesso.

C/O Berlin presenta la prima mostra personale istituzionale dell'artista in Germania.

Catalan artist Laia Abril (b. 1986) dedicates her extensive research work to the topic of institutionally enabled rape using assemblages of found and original photographs, reports, quotations, videos, and artifacts. Working across time horizons, cultural practices, and media, she traces the normalization of misogynous ways of thinking and acting in society and politics without resorting to explicit depictions of sexual violence. Instead, the focus lies on the traditional ideas, laws, and institutionalized failures that maintain power dynamics and relationships of dependency that enable rape. The artist counters the speechlessness often felt around this topic with a moving and political narrative while simultaneously appealing to the responsibility of society as a whole. This is the second chapter of her long-term project, A History of Misogyny, in which Abril reacts to the various forms of systemic violence against women.

C/O Berlin presents the artist’s first institutional solo exhibition in Germany.

(Text: C/O Berlin)

Kunstpalast | Düsseldorf
1. Februar – 20. Mai 2024

SIZE MATTERS – Grösse in der Fotografie

Alles verändert sich, wenn in Bildwelten am Größenregler gedreht wird: Dinge werden hervorgehoben, aus dem Zusammenhang gerissen, überhöht und umgedeutet. Sie rücken nah heran, werden studierbar, oder verschwimmen vor den Augen.

Die Ausstellung beleuchtet den erheblichen und oft unbemerkten Bedeutungswandel, der mit Größenverschiebungen in der Fotografie einhergeht. Von allen Medien vermag sie am einfachsten ihren Umfang zu ändern, kann leichtfüßig zum Großbild auf der Museumswand anwachsen aber auch zum Thumbnail auf dem Handyscreen schrumpfen. Sie schafft Miniaturen der Welt, kann die Dinge aber ebenso lebens- und überlebensgroß zeigen und Unsichtbares sichtbar machen.

Die Schau demonstriert, dass gerade die dimensionale Beweglichkeit dem Medium Wirksamkeit in kulturellen, sozialen und politischen Kontexten verleiht. Werke vom späten 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart werfen Fragen nach den Konsequenzen von Größe für die Wahrnehmung und den Umgang mit fotografischen Bildern auf. Ausgangspunkt ist die Sammlung des Kunstpalastes, nationale und internationale Leihgaben ergänzen die Werkauswahl.

Kuratorin: Linda Conze, Leitung Fotosammlung Kunstpalast

Tout change lorsque l'on tourne le curseur de la taille dans les mondes visuels : Les choses sont mises en évidence, sorties de leur contexte, surélevées et réinterprétées. Elles se rapprochent, deviennent étudiables ou s'estompent devant les yeux.

L'exposition met en lumière les changements de signification considérables et souvent inaperçus qui accompagnent les changements de taille dans la photographie. De tous les médias, c'est elle qui change le plus facilement d'échelle, elle peut facilement s'agrandir pour devenir une grande image sur le mur d'un musée ou se réduire à une vignette sur l'écran d'un téléphone portable. Elle crée des miniatures du monde, mais peut aussi montrer les choses plus grandes que nature et rendre visible l'invisible.

L'exposition démontre que c'est justement la mobilité dimensionnelle qui confère au média son efficacité dans des contextes culturels, sociaux et politiques. Des œuvres de la fin du 19e siècle à nos jours soulèvent des questions sur les conséquences de la taille sur la perception et l'utilisation des images photographiques. Le point de départ est la collection du Kunstpalast, des prêts nationaux et internationaux complètent la sélection d'œuvres.

Conservatrice : Linda Conze, direction de la collection de photos du Kunstpalast

Nei mondi visivi, tutto cambia quando si gira il regolatore delle dimensioni: Le cose vengono enfatizzate, estrapolate dal contesto, esagerate e reinterpretate. Si avvicinano, diventano studiabili o si confondono davanti agli occhi.

La mostra mette in luce il considerevole e spesso inosservato cambiamento di significato che va di pari passo con i cambiamenti di dimensione nella fotografia. Tra tutti i mezzi di comunicazione, è il più facile da modificare, può facilmente crescere fino a diventare una grande immagine sulla parete di un museo, ma può anche ridursi a una miniatura sullo schermo di un cellulare. Crea miniature del mondo, ma può anche mostrare cose a grandezza naturale e più che mai e rendere visibile l'invisibile.

La mostra dimostra che è proprio questa mobilità dimensionale a rendere il mezzo efficace in contesti culturali, sociali e politici. Opere dalla fine del XIX secolo ai giorni nostri sollevano questioni sulle conseguenze delle dimensioni per la percezione e la gestione delle immagini fotografiche. Il punto di partenza è la collezione del Kunstpalast, con prestiti nazionali e internazionali che completano la selezione delle opere.

Curatore: Linda Conze, responsabile della Collezione fotografica del Kunstpalast

Any tinkering with size in an image is bound to alter our perception of it completely: objects are accentuated, plucked out of context, magnified and reinterpreted. They draw closer, inviting scrutiny, or dissolve into a blur before our eyes. Size Matters: Scale in Photography illuminates the significant and often overlooked semantic shifts that accompany changes to scale in photography.

Of all media, photography is the most adept at adjusting its scale; it can effortlessly expand to become a large-size image on a museum wall but is equally capable of shrinking to a thumbnail on a smartphone screen. It creates miniatures of the world, depicting things both life-size and larger than life, making the invisible visible.

The exhibition shows how it is precisely this unique ability to navigate dimensions that explains the effectiveness of the medium in cultural, social and political contexts. Artworks from the late 19th century to the present encourage contemplation of the implications of size for how we perceive and interact with photographic images. The presentation draws on the Kunstpalast’s own collection and is enriched by national and international loans that complement the curated selection of works.

Curator: Linda Conze, Head of the Photography Collection, Kunstpalast Düsseldorf

(Text: Kunstpalast, Düsseldorf)

Deichtorhallen | Hamburg
9. Februar – 11. August 2024

The End of the World
Claudia Andujar

Für Claudia Andujar ist die Fotografie ein Mittel, um mit der Welt zu kommunizieren, ein Medium, durch das man so viel lernt, wie man gibt. Ihre Arbeiten zeugen vom langjährigen Engagement der Fotografin für den Schutz der Yanomami, einer der größten indigenen Gemeinschaften im brasilianischen Amazonasgebiet. Seit den 1970er Jahren hat Andujar mehrfach mit dieser Community im Amazonasbecken gelebt. Diese Region wird bis heute aufgrund ihrer Bodenschätze laufend ausgebeutet.

Claudia Andujar versteht Fotografie als künstlerisches und politisches Werkzeug. Ihr Werk ist geprägt von dem starken Verantwortungsgefühl, mit dem sich die Künstlerin in der Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) für geschützte Gebiete entlang der brasilianisch-venezolanischen Grenze einsetzt.

Claudia Andujar wurde 1931 in Neuchâtel, Schweiz, geboren und lebt und arbeitet in São Paulo. Nach dem Zweiten Weltkrieg emigrierte sie in die Vereinigten Staaten und 1955 nach Brasilien. In den 1970er Jahren erhielt Andujar Stipendien von der John Simon Guggenheim Foundation und der Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP], um die Kultur der Yanomami zu fotografieren und zu studieren. Von 1978 bis 2000 arbeitete sie für die Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) und koordinierte die Kampagne für die Abgrenzung des Yanomami-Territoriums im Amazonasgebiet (TIY), das 1992 von der brasilianischen Regierung eingerichtet wurde. In Anerkennung ihrer Arbeit als Verfechterin der Menschenrechte erhielt Andujar im Jahr 2000 den Annual Cultural Freedom Award der Lannan Foundation, New Mexico. Im Jahr 2003 erhielt sie den Severo-Gomes-Preis der Menschenrechtskommission Teotônio Vilela, São Paulo. 2008 wurde sie vom brasilianischen Kulturministerium mit dem Orden für kulturelle Verdienste ausgezeichnet. 2010 erhielt sie den Kasseler Fotobuchpreis für Marcados, erschienen bei Cosac Naify, und 2018 wurde sie mit der Goethe-Medaille geehrt. 2015 wurde im Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brasilien, der ständige Pavillon Galeria Claudia Andujar mit dreihundert von der Künstlerin geschaffenen Werken über die Yanomami eröffnet.

Kurator: Viktor Hois

Pour Claudia Andujar, la photographie est un moyen de communiquer avec le monde, un média par lequel on apprend autant qu'on donne. Son travail témoigne de l'engagement de longue date de la photographe pour la protection des Yanomami, l'une des plus grandes communautés indigènes d'Amazonie brésilienne. Depuis les années 1970, Andujar a vécu à plusieurs reprises avec cette communauté dans le bassin amazonien. Aujourd'hui encore, cette région est continuellement exploitée pour ses ressources minières.

Claudia Andujar considère la photographie comme un outil artistique et politique. Son œuvre est marquée par le fort sentiment de responsabilité avec lequel l'artiste s'engage au sein de la commission pro-yanomami (CCPY) pour les zones protégées le long de la frontière brésilienne et vénézuélienne.

Claudia Andujar est née en 1931 à Neuchâtel, en Suisse, et vit et travaille à São Paulo. Après la Seconde Guerre mondiale, elle a émigré aux États-Unis, puis au Brésil en 1955. Dans les années 1970, Andujar a reçu des bourses de la John Simon Guggenheim Foundation et de la Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] pour photographier et étudier la culture des Yanomami. De 1978 à 2000, elle a travaillé pour la Commission pro-yanomami (CCPY) et a coordonné la campagne pour la délimitation du territoire yanomami en Amazonie (TIY), créée par le gouvernement brésilien en 1992. En reconnaissance de son travail en tant que défenseur des droits de l'homme, Andujar a reçu en 2000 le prix annuel de la liberté culturelle de la Fondation Lannan, Nouveau Mexique. En 2003, elle a reçu le prix Severo Gomes de la Commission des droits de l'homme Teotônio Vilela, São Paulo. En 2008, elle a été décorée de l'Ordre du mérite culturel par le ministère brésilien de la Culture. En 2010, elle a reçu le prix du livre de photographie de Kassel pour Marcados, publié par Cosac Naify, et en 2018, elle a été honorée de la médaille Goethe. En 2015, le pavillon permanent Galeria Claudia Andujar a été inauguré à l'Instituto Inhotim de Brumadinho, Minas Gerais, Brésil, avec trois cents œuvres sur les Yanomami créées par l'artiste.

Curateur : Viktor Hois

Per Claudia Andujar la fotografia è un mezzo per comunicare con il mondo, un mezzo attraverso il quale si impara tanto quanto si dà. Il suo lavoro testimonia l'impegno di lunga data della fotografa per la protezione degli Yanomami, una delle più grandi comunità indigene dell'Amazzonia brasiliana. Andujar ha vissuto più volte con questa comunità nel bacino amazzonico a partire dagli anni Settanta. Ancora oggi, questa regione viene costantemente sfruttata per le sue risorse minerarie.

Per Claudia Andujar la fotografia è uno strumento artistico e politico. Il suo lavoro è caratterizzato dal forte senso di responsabilità con cui l'artista si batte per le aree protette lungo il confine tra Brasile e Venezuela nella Commissione Pro-Yanomami (CCPY).

Claudia Andujar è nata a Neuchâtel, in Svizzera, nel 1931 e vive e lavora a San Paolo. Dopo la seconda guerra mondiale è emigrata negli Stati Uniti e poi in Brasile nel 1955. Negli anni Settanta, Andujar ha ricevuto borse di studio dalla Fondazione John Simon Guggenheim e dalla Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] per fotografare e studiare la cultura Yanomami. Dal 1978 al 2000 ha lavorato per la Commissione Pro-Yanomami (CCPY) e ha coordinato la campagna per la demarcazione del territorio Yanomami in Amazzonia (TIY), istituita dal governo brasiliano nel 1992. Nel 2000, Andujar ha ricevuto il Premio annuale per la libertà culturale dalla Lannan Foundation, New Mexico, in riconoscimento del suo lavoro di sostenitrice dei diritti umani. Nel 2003 ha ricevuto il Premio Severo Gomes dalla Commissione per i diritti umani Teotônio Vilela di San Paolo e nel 2008 è stata insignita dell'Ordine al merito culturale dal Ministero della Cultura brasiliano. Nel 2010 ha ricevuto il Premio Kassel per il libro fotografico Marcados, pubblicato da Cosac Naify, e nel 2018 è stata insignita della Medaglia Goethe. Nel 2015 è stato inaugurato il padiglione permanente Galeria Claudia Andujar presso l'Instituto Inhotim di Brumadinho, Minas Gerais, Brasile, con trecento opere sugli Yanomami realizzate dall'artista.

Curatore: Viktor Hois

For Claudia Andujar, photography is a way of communicating with the world, a medium through which one learns as much as one gives. Her works testify to the photographer's longstanding commitment to the commitment to the protection of the Yanomami, one of the largest indigenous communities in the communities in the Brazilian Amazon. Since the 1970s Andujar has lived with this community in the Amazon basin on several occasions. To this day, this region is constantly exploited for its mineral resources.

Claudia Andujar sees photography as an artistic and political tool. Her work is characterized by the strong sense of responsibility, with which the artist is involved in the Pro-Yanomami Commission (CCPY) for the protected areas along the Brazilian-Venezuelan border.

Claudia Andujar was born in Neuchâtel, Switzerland, in 1931 and lives and works in São Paulo. After World War II, she immigrated to the United States and, in 1955, to Brazil. During the 1970s, Andujar received grants from the John Simon Guggenheim Foundation and Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] to photograph and study the culture of the Yanomami people. From 1978 to 2000, she

worked for the Pro-Yanomami Commission (CCPY) and coordinated the campaign for the demarcation of the Yanomami territory in the Amazon (TIY), created by the Brazilian government in 1992. In recognition of her work as an advocate of human rights, Andujar received the Annual Cultural Freedom Award from the Lannan Foundation, New Mexico, in 2000. In 2003, she received the Severo Gomes Award from the Teotônio Vilela Human Rights Commission, São Paulo, and in 2008 was honored by the Ministry of Culture of Brazil with the Order of Cultural Merit. In 2010 she received the Kassel Photobook Award for Marcados, published by Cosac Naify, and she was honored with the Goethe-Medaille in 2018. In 2015, the permanent pavilion Galeria Claudia Andujar opened at Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brazil, with three hundred works created by the artist about the Yanomami.

Curator: Victor Hois

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Kunstsammlungen Chemnitz
11. Februar – 9. Juni 2024

Vier Frauen. Vier Lebensläufe Fotografieren in der DDR
Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel, May Voigt

Mit Vier Frauen. Vier Lebensläufe - Fotografieren in der DDR widmen sich die Kunstsammlungen am Theaterplatz Werken der sächsischen Fotografinnen Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel und May Voigt. Die Ausstellung präsentiert deren Leben und Arbeit in der DDR-Zeit und damit einem oft vernachlässigten Kapitel der Fotografiegeschichte. Es werden etwa 80 Fotografien präsentiert, die bis zur politischen Wende 1989 entstanden sind - darunter auch die im vergangenen Jahr durch die Kunstsammlungen Chemnitz erworbenen Künstlerporträts von Christine Stephan-Brosch. Die Kunstsammlungen Chemnitz greifen für das Projekt sowohl auf den eigenen Bestand zurück als auch auf Arbeiten, die direkt von den Fotografinnen geliehen sind.

Eng verbunden mit der sächsischen Kulturszene ist Christine Stephan-Brosch, die seit den 1960er Jahren eine Vielzahl an Künstler:innen porträtiert hat. Mit ihren Fotografien geht sie stets auf Spurensuche nach dem Natürlichen, das sie sowohl in den Menschen als auch in ihrer eigenen unmittelbaren Umgebung findet. Evelyn Krull überzeugt mit ihrer Sicht auf das Körperliche. Bereits in den 1970er-Jahren beginnt sie Akte zu fotografieren. In ihrer künstlerischen Fotografie werden in klarer Bildsprache universale menschliche Themen durch die Aktdarstellungen kommuniziert. Über die Arbeit mit dem Menschen und dem Körper werden Fragen aufgeworfen, Emotionen erzeugt sowie Körperlichkeit und oft auch Sinnlichkeit verhandelt. Gerdi Sippels Fotografien zeichnen sich besonders durch das Darstellen von menschlicher Arbeit und deren schöpferischer Kraft aus. Der Fokus liegt jedoch weniger auf dem Arbeiten als Handlung, als auf dem Ergebnis, das sich in den alltäglichsten Dingen und in Arbeitsspuren zeigt. Dunkel gehaltene Momentaufnahmen, in denen das Licht eine entscheidende Rolle spielt, prägen die Arbeiten von May Voigt. Ihre Bilder sind oft als verschlüsselte Metaphern zu verstehen. In dieser Form geben die Fotografien auf eindrucksvolle und sensible Weise das tiefste Innere der Künstlerin wieder. Die Bilder spiegeln Ängste, Einsamkeit, Schwermütigkeit und gleichzeitig Hoffnung sowie die Suche nach dem Sinn wider.

"Hautnah und ganz persönlich begegnen uns die vier Fotografinnen in der Ausstellung, die damit den Blick auf eine vergangene Zeit ermöglichen." Johanna Gerling, Kuratorin.

Die Ausstellung verfolgt das Ziel, die unterschiedlichen Positionen im Kontext ihrer Entstehung zu verorten und die künstlerische Entwicklung der vier Fotografinnen darzustellen. Dafür werden die Lebensläufe und Werke der einzelnen Künstlerinnen, die aus unterschiedlichen Generationen stammen, näher beleuchtet. Diese stehen stellvertretend für eine Vielzahl an Fotografinnen, von denen einige beinahe in Vergessenheit geraten sind.

Avec Vier Frauen. Vier Lebensläufe - Fotografieren in der DDR, les Kunstsammlungen am Theaterplatz se consacrent aux œuvres des photographes saxonnes Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel et May Voigt. L'exposition présente leur vie et leur travail à l'époque de la RDA et donc un chapitre souvent négligé de l'histoire de la photographie. Environ 80 photographies réalisées jusqu'au tournant politique de 1989 sont présentées - dont les portraits d'artistes de Christine Stephan-Brosch, acquis l'année dernière par les collections d'art de Chemnitz. Pour ce projet, les collections d'art de Chemnitz ont recours à leur propre fonds ainsi qu'à des œuvres directement empruntées aux photographes.

Christine Stephan-Brosch est étroitement liée à la scène culturelle saxonne. Depuis les années 1960, elle a fait le portrait d'un grand nombre d'artistes. Avec ses photographies, elle part toujours à la recherche du naturel, qu'elle trouve aussi bien chez les gens que dans son propre environnement immédiat. Evelyn Krull convainc par sa vision du physique. Dès les années 1970, elle commence à photographier des nus. Dans sa photographie artistique, des thèmes humains universels sont communiqués dans un langage visuel clair à travers les représentations de nus. Le travail avec l'homme et le corps soulève des questions, génère des émotions et négocie la corporalité et souvent la sensualité. Les photographies de Gerdi Sippel se distinguent particulièrement par la représentation du travail humain et de sa force créatrice. L'accent est cependant moins mis sur le travail en tant qu'action que sur le résultat, qui se manifeste dans les objets les plus quotidiens et dans les traces de travail. Les travaux de May Voigt se caractérisent par des instantanés sombres dans lesquels la lumière joue un rôle décisif. Ses visuels sont souvent à comprendre comme des métaphores codées. Sous cette forme, les photographies restituent de manière impressionnante et sensible l'intérieur le plus profond de l'artiste. Les visuels reflètent l'angoisse, la solitude, la mélancolie mais aussi l'espoir et la quête de sens.

"C'est à fleur de peau et de manière très personnelle que nous rencontrons les quatre photographes de l'exposition, qui nous permettent ainsi de jeter un regard sur une époque révolue". Johanna Gerling, commissaire d'exposition.

L'exposition a pour objectif de situer les différentes positions dans le contexte de leur création et de présenter l'évolution artistique des quatre photographes. Pour ce faire, les parcours de vie et les œuvres de chacune des artistes, issues de générations différentes, sont examinés de plus près. Elles sont représentatives d'une multitude de femmes photographes, dont certaines sont presque tombées dans l'oubli.

Con Quattro donne. Vier Lebensläufe - Fotografieren in der DDR, le Kunstsammlungen am Theaterplatz si dedicano alle opere delle fotografe sassoni Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel e May Voigt. La mostra presenta la loro vita e il loro lavoro durante l'epoca della DDR e quindi un capitolo spesso trascurato della storia della fotografia. Sono presentate circa 80 fotografie scattate fino al cambiamento politico del 1989, tra cui i ritratti d'artista di Christine Stephan-Brosch acquisiti dalla Kunstsammlungen Chemnitz lo scorso anno. Per il progetto, la Kunstsammlungen Chemnitz attinge al proprio patrimonio e alle opere prestate direttamente dai fotografi.

Christine Stephan-Brosch è strettamente legata alla scena culturale sassone e ha ritratto un gran numero di artisti fin dagli anni Sessanta. Nelle sue fotografie è sempre alla ricerca di tracce di natura, che trova sia nelle persone che nell'ambiente circostante. Evelyn Krull colpisce per la sua visione del fisico. Ha iniziato a fotografare nudi già negli anni Settanta. Nella sua fotografia artistica, i temi umani universali sono comunicati attraverso i nudi in un chiaro linguaggio visivo. Lavorando con le persone e il corpo, solleva domande, genera emozioni e negozia la fisicità e spesso la sensualità. Le fotografie di Gerdi Sippel sono caratterizzate in particolare dalla rappresentazione del lavoro umano e del suo potere creativo. Tuttavia, l'attenzione non è tanto sul lavoro in quanto azione, quanto sul risultato, che può essere visto nelle cose più quotidiane e nelle tracce del lavoro. Le opere di May Voigt sono caratterizzate da istantanee scure in cui la luce gioca un ruolo decisivo. Le sue immagini sono spesso da intendersi come metafore codificate. In questa forma, le fotografie riflettono in modo impressionante e sensibile l'interiorità più profonda dell'artista. Le immagini riflettono paure, solitudine, malinconia e, allo stesso tempo, speranza e ricerca di significato.

"Incontriamo i quattro fotografi in mostra da vicino, permettendoci di gettare uno sguardo su un'epoca passata". Johanna Gerling, curatrice.

L'obiettivo della mostra è collocare le diverse posizioni nel contesto della loro creazione e mostrare lo sviluppo artistico dei quattro fotografi. A tal fine, le biografie e le opere dei singoli artisti, che appartengono a generazioni diverse, saranno esaminate in dettaglio. Esse sono rappresentative di un gran numero di fotografe donne, alcune delle quali sono state quasi dimenticate.

With Four Women. Vier Lebensläufe - Fotografieren in der DDR, the Kunstsammlungen am Theaterplatz are devoting themselves to works by the Saxon photographers Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel and May Voigt. The exhibition presents their lives and work during the GDR era and thus an often neglected chapter in the history of photography. Around 80 photographs are presented that were taken up to the political change in 1989 - including the artist portraits by Christine Stephan-Brosch acquired by the Kunstsammlungen Chemnitz last year. For the project, the Kunstsammlungen Chemnitz is drawing on its own holdings as well as works lent directly by the photographers.

Christine Stephan-Brosch is closely associated with the Saxon cultural scene and has portrayed a large number of artists since the 1960s. In her photographs, she is always on the lookout for traces of the natural, which she finds both in people and in her own immediate surroundings. Evelyn Krull impresses with her view of the physical. She began photographing nudes as early as the 1970s. In her artistic photography, universal human themes are communicated through the nudes in a clear visual language. By working with people and the body, she raises questions, generates emotions and negotiates physicality and often sensuality. Gerdi Sippel's photographs are characterized in particular by the depiction of human work and its creative power. However, the focus is less on the work as an action than on the result, which can be seen in the most everyday things and in traces of work. May Voigt's works are characterized by dark snapshots in which light plays a decisive role. Her visuals are often to be understood as coded metaphors. In this form, the photographs reflect the artist's deepest inner self in an impressive and sensitive way. The visuals reflect fears, loneliness, melancholy and at the same time hope and the search for meaning.

"We encounter the four photographers in the exhibition up close and personal, allowing us to take a look at a bygone era." Johanna Gerling, curator.

The aim of the exhibition is to place the different positions in the context of their creation and to show the artistic development of the four photographers. To this end, the biographies and works of the individual artists, who come from different generations, will be examined in more detail. They are representative of a large number of female photographers, some of whom have almost been forgotten.

(Text: Kunstsammlungen Chemnitz)

Helmut Newton Stiftung | Berlin
15. Februar – 20. Mai 2024

CHRONORAMA – Photographic Treasures of the 20th Century

Die Helmut Newton Stiftung und die Pinault Collection freuen sich, die kommende Ausstellung unter dem Titel CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century gemeinsam bekannt zu geben. Nach dem großen Publikumserfolg der ersten Station im Palazzo Grassi in Venedig wird diese hochkarätig besetzte Gruppenschau ab dem 15. Februar 2024 in der Berliner Helmut Newton Stiftung zu sehen sein. CHRONORAMA setzt die Kooperation zwischen der Helmut Newton Stiftung und bedeutenden internationalen Sammlungen fort, die 2018 mit der Ausstellung Between Art & Fashion begann. 223 Werke von 85 FotografInnen aus der Sammlung von Carla Sozzani, der früheren Chefredakteurin der italienischen Ausgaben der Modezeitschriften Elle und Vogue, konnten damals gezeigt werden.

Nun folgt die Präsentation der von François Pinault jüngst erworbenen Sammlung herausragender Fotografien der Genres Porträt, Mode, Stillleben, Architektur und Fotojournalismus, ergänzt durch frühe Illustrationen aus dem legendären Condé-Nast-Archiv. Knapp 250 Werke, entstanden zwischen 1910 und den späten 1970er-Jahren für die stilprägenden Condé-Nast-Titel und chronologisch geordnet, offenbaren exemplarisch die Entwicklung der Modegeschichte und die radikalen gesellschaftlichen Veränderungen in der westlichen Welt.

Auch Helmut Newtons Werk ist selbstverständlich Bestandteil dieser beachtlichen Sammlung, hat er doch seit den 1950er-Jahren für die unterschiedlichen Condé-Nast-Zeitschriften gearbeitet, vorwiegend für Vogue und Vanity Fair. Die Mehrzahl dieser Newton-Aufnahmen wird erstmals in der Berliner Stiftung zu sehen sein.

Ferner begegnen uns in der Ausstellung Helmut Newtons bekannteste und innovativste Zeitgenossen, darunter Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville oder Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA ist ein atemberaubendes Kompendium aus wertvollen Vintage Prints, von denen viele seinerzeit als Druckvorlagen für die Magazine verwendet wurden. Wie auf einer fotografischen Zeitreise durch das 20. Jahrhundert erhalten die BesucherInnen einen Einblick in die Anfänge der fotografischen Inszenierung und in die Interpretation der damals zeitgenössischen Mode, aber auch in Bereiche wie Kultur, Lifestyle und das historische Weltgeschehen. Streng nach Dekaden geordnet, beginnt der Parcours im Jahr 1910, nachdem Condé Nast die Zeitschrift Vogue ein Jahr zuvor erworben und in der Folge zum führenden Medium für die Themen Mode, Stil und Schönheit transformiert hatte. In dieser Frühzeit waren Fotografien natürlich noch in der Unterzahl, insofern hängen hier auch zahlreiche gezeichnete Illustrationen aus den 1910er- und 20er-Jahren an den Ausstellungswänden, die für die Beiträge und vor allem die Magazincover von den damals berühmtesten Modezeichnern angefertigt wurden. Und diese Illustrationen waren im Gegensatz zur Fotografie jener Zeit farbig, für Condé Nast und seine Zeitschriften ein wichtiges Verkaufsargument. Doch das Verhältnis zwischen den Medien veränderte sich ab der nächsten Dekade. Die Fotografie wurde schließlich zum Leitmedium, nicht nur in den Magazinen Vogue und Vanity Fair, hier für Jahrzehnte fast ausschließlich in Schwarz-weiß. Entsprechend stammt auch das früheste Farbbild in der Ausstellung von 1952, aufgenommen von Irving Penn, der darüber hinaus für weit über 100 Vogue-Cover verantwortlich war.

Neben der Mode steht der Mensch im Mittelpunkt von CHRONORAMA, vor allem Porträts kreativer Geister aus den Bereichen Musik und Kunst, Sport und Politik, kurzum: Hier ist ein Who’s Who der Schönen und Reichen, der Berühmten und Bewunderten im 20. Jahrhundert zu sehen. Daneben schauen wir in luxuriöse Interieurs und Schönheitssalons, auf Stillleben und Foto-Experimente, sogar ins kriegszerstörte London oder auf das gerade errichtete Empire State Building in New York. All dies wurde in den Condé-Nast-Zeitschriften parallel publiziert – jetzt ist dieser einzigartige Bilderschatz in Berlin zu entdecken.

Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen: CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 Seiten, ISBN: 978-1-4197-6662-6.

Die Ausstellung wurde von der Pinault Collection – Palazzo Grassi (Venedig) produziert und dort im Jahr 2023 präsentiert. Vom 15. Februar bis zum 20. Mai 2024 ist sie, kuratiert von Matthieu Humery, dem Berater der Pinault Collection für Fotografie, und Matthias Harder, dem Direktor der Helmut Newton Stiftung, in Berlin zu sehen.

La Fondation Helmut Newton et la Pinault Collection ont le plaisir d'annoncer la prochaine exposition intitulée CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, sont annoncées conjointement. Après le grand succès public de la première étape au Palazzo Grassi de Venise, cette exposition collective de haut niveau sera présentée à la Fondation Helmut Newton de Berlin à partir du 15 février 2024. CHRONORAMA poursuit la coopération entre la Fondation Helmut Newton et d'importantes collections internationales, qui a débuté en 2018 avec l'exposition Between Art & Fashion. 223 œuvres de 85 photographes issues de la collection de Carla Sozzani, ancienne rédactrice en chef des éditions italiennes des magazines de mode Elle et Vogue, avaient alors pu être présentées.

La collection récemment acquise par François Pinault de photographies exceptionnelles de portraits, de mode, de natures mortes, d'architecture et de photojournalisme, complétée par des illustrations anciennes provenant des légendaires archives Condé Nast, est maintenant présentée. Près de 250 œuvres, réalisées entre 1910 et la fin des années 1970 pour les titres de Condé Nast qui ont marqué le style de l'entreprise et classées par ordre chronologique, révèlent de manière exemplaire l'évolution de l'histoire de la mode et les changements sociaux radicaux dans le monde occidental.

L'œuvre d'Helmut Newton fait bien entendu partie de cette remarquable collection, puisqu'il a travaillé depuis les années 1950 pour les différents magazines Condé Nast, principalement pour Vogue et Vanity Fair. La plupart de ces photos de Newton seront présentées pour la première fois à la Fondation de Berlin.

L'exposition présente également les contemporains les plus connus et les plus innovants d'Helmut Newton, comme Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville ou Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA est un compendium époustouflant de précieux tirages vintage, dont beaucoup ont été utilisés à l'époque comme modèles d'impression pour les magazines. Comme dans un voyage photographique à travers le 20e siècle, les visiteurs ont un aperçu des débuts de la mise en scène photographique et de l'interprétation de la mode contemporaine de l'époque, mais aussi de domaines tels que la culture, le style de vie et l'actualité historique mondiale. Strictement organisé par décennie, le parcours commence en 1910, après que Condé Nast ait acquis le magazine Vogue un an plus tôt et l'ait transformé par la suite en un média de premier plan pour les thèmes de la mode, du style et de la beauté. A cette époque précoce, les photographies étaient bien sûr encore en nombre insuffisant, c'est pourquoi de nombreuses illustrations dessinées des années 1910 et 20, réalisées pour les articles et surtout les couvertures de magazine par les plus célèbres dessinateurs de mode de l'époque, sont accrochées aux murs de l'exposition. Et ces illustrations, contrairement à la photographie de l'époque, étaient en couleur, un argument de vente important pour Condé Nast et ses magazines. Mais la relation entre les médias a changé à partir de la décennie suivante. La photographie devint finalement le média principal, et pas seulement dans les magazines Vogue et Vanity Fair, ici presque exclusivement en noir et blanc pendant des décennies. En conséquence, la première photo en couleur de l'exposition date de 1952 et a été prise par Irving Penn, qui a par ailleurs réalisé plus de 100 couvertures de Vogue.

Outre la mode, l'homme est au centre de CHRONORAMA, avec notamment des portraits d'esprits créatifs dans les domaines de la musique et de l'art, du sport et de la politique, en bref : on y voit un who's who du beau et du riche, des célébrités et des admirateurs du 20e siècle. En outre, nous jetons un coup d'œil aux intérieurs luxueux et aux salons de beauté, aux natures mortes et aux expériences photographiques, et même à Londres, dévastée par la guerre, ou à l'Empire State Building de New York, tout juste érigé. Tout cela a été publié en parallèle dans les magazines Condé-Nast - ce trésor d'images unique est désormais à découvrir à Berlin.

Un catalogue a été publié à l'occasion de l'exposition : CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 pages, ISBN : 978-1-4197-6662-6.

L'exposition a été produite par la Pinault Collection - Palazzo Grassi (Venise) et y sera présentée en 2023. Du 15 février au 20 mai 2024, elle sera présentée à Berlin, sous le commissariat de Matthieu Humery, conseiller de la Pinault Collection pour la photographie, et de Matthias Harder, directeur de la Fondation Helmut Newton.

La Fondazione Helmut Newton e la Collezione Pinault sono liete di annunciare la prossima mostra CHRONORAMA. Tesori fotografici del XX secolo. Dopo il grande successo di pubblico della prima tappa a Palazzo Grassi a Venezia, questa collettiva di altissimo livello sarà esposta alla Helmut Newton Foundation di Berlino dal 15 febbraio 2024. CHRONORAMA prosegue la collaborazione tra la Helmut Newton Foundation e le principali collezioni internazionali, iniziata nel 2018 con la mostra Between Art & Fashion. In quell'occasione sono state esposte 223 opere di 85 fotografi provenienti dalla collezione di Carla Sozzani, ex direttrice delle edizioni italiane delle riviste di moda Elle e Vogue.

Ora viene presentata la collezione di François Pinault, recentemente acquisita, di fotografie eccezionali nei generi del ritratto, della moda, dello still life, dell'architettura e del fotogiornalismo, completata dalle prime illustrazioni del leggendario archivio Condé Nast. Quasi 250 opere, realizzate tra il 1910 e la fine degli anni Settanta per le testate Condé Nast che definiscono lo stile e organizzate cronologicamente, rivelano in modo esemplare lo sviluppo della storia della moda e i radicali cambiamenti sociali del mondo occidentale.

Anche il lavoro di Helmut Newton fa parte di questa straordinaria collezione, poiché ha lavorato per le varie riviste Condé Nast a partire dagli anni Cinquanta, soprattutto per Vogue e Vanity Fair. La maggior parte di queste fotografie di Newton sarà esposta per la prima volta alla Fondazione di Berlino.

La mostra presenta anche i contemporanei più noti e innovativi di Helmut Newton, tra cui Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville e Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA è un compendio mozzafiato di preziose stampe d'epoca, molte delle quali sono state utilizzate come artwork per le riviste dell'epoca. Come in un viaggio fotografico attraverso il XX secolo, i visitatori hanno la possibilità di conoscere gli albori della messa in scena fotografica e l'interpretazione della moda contemporanea dell'epoca, ma anche settori come la cultura, lo stile di vita e gli eventi storici mondiali. Organizzato rigorosamente per decennio, il tour inizia nel 1910, dopo che Condé Nast aveva acquisito la rivista Vogue un anno prima e l'aveva trasformata nel principale mezzo di comunicazione per la moda, lo stile e la bellezza. In questi primi tempi, le fotografie erano ovviamente ancora in minoranza, ed è per questo che sulle pareti della mostra sono appese numerose illustrazioni disegnate degli anni '10 e '20, realizzate per gli articoli e soprattutto per le copertine delle riviste dai più famosi illustratori di moda dell'epoca. A differenza della fotografia dell'epoca, queste illustrazioni erano a colori, un importante punto di forza per Condé Nast e le sue riviste. Tuttavia, il rapporto tra i media cambiò nel decennio successivo. La fotografia divenne finalmente il mezzo principale, non solo nelle riviste Vogue e Vanity Fair, qui quasi esclusivamente in bianco e nero per decenni. Di conseguenza, la prima immagine a colori della mostra è stata scattata nel 1952 da Irving Penn, responsabile anche di oltre 100 copertine di Vogue.

Oltre alla moda, CHRONORAMA si concentra sulle persone, soprattutto sui ritratti dei creativi della musica e dell'arte, dello sport e della politica: in breve, un who's who dei ricchi e dei belli, dei famosi e degli ammirati del XX secolo. Inoltre, vengono ritratti interni lussuosi e saloni di bellezza, nature morte ed esperimenti fotografici, persino la Londra devastata dalla guerra o l'Empire State Building di New York, appena eretto. Tutto questo è stato pubblicato parallelamente nelle riviste Condé Nast - ora questo tesoro unico di immagini può essere scoperto a Berlino.

La mostra è accompagnata da un catalogo: CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 pagine, ISBN: 978-1-4197-6662-6.

La mostra è stata prodotta dalla Collezione Pinault - Palazzo Grassi (Venezia) e presentata nel 2023. Sarà esposta a Berlino dal 15 febbraio al 20 maggio 2024, a cura di Matthieu Humery, consulente per la fotografia della Collezione Pinault, e Matthias Harder, direttore della Fondazione Helmut Newton.

The Helmut Newton Foundation and Pinault Collection proudly present CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century. Following its highly successful premiere at Palazzo Grassi in Venice, the collaborative project will be shown at the Helmut Newton Foundation in Berlin starting 15 February 2024. CHRONORAMA marks the latest partnership between the Helmut Newton Foundation in Berlin and leading international collections. In 2018, it hosted Between Art & Fashion, with 223 works by 85 photographers from the collection of Carla Sozzani, former editor-in-chief of the Italian Elle and Vogue.

Now, the foundation unveils François Pinault’s recently acquired collection of exceptional photographs, including portraits, fashion, still lifes, architecture, photojournalism, as well as early illustrations from the legendary Condé Nast Archive. Showcasing nearly 250 works created between 1910 and the late-1970s for Condé Nast’s style-defining magazines, this chronological presentation traces the evolution of the fashion industry against the backdrop of radical changes in western culture, spanning subjects from the sophisticated to the sublime.

Naturally, Helmut Newton’s works are also part of this remarkable collection, as he contributed extensively to Condé Nast magazines like Vogue and Vanity Fair from the 1950s onward. Most of Newton’s fashion photographs featured in this show have not been previously exhibited in Berlin.

Furthermore, the exhibition brings together an impressive array of Helmut Newton’s contemporaries and predecessors, including trailblazing photographers like Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville, and Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA comprises a breathtaking compendium of valuable vintage prints, many of which served as the basis for high-quality images in the magazines of their time. These photographic treasures transport today’s viewers through the history of the 20th century, offering insight into fashion staging and the evolving interpretation of fashion trends as well as culture, lifestyle, and world events. Organized by decade, the immersive tour begins in 1910, one year after Condé Nast acquired Vogue magazine, transforming it into a leading platform for fashion, style, and beauty. In those early days, photographs were still relatively rare, so abundant drawings by renowned fashion illustrators of the era also adorn the exhibition walls. Unlike the photography back then, the illustrations gracing the magazine’s pages and covers were in color – an important selling point for Condé Nast and its magazines. The dynamics between the two mediums underwent a seismic shift as photography rose to prominence in the ensuing decade in Vogue and Vanity Fair and other leading publications. Black-and-white photography long remained the standard, so the earliest color image on display dates to 1952, shot by Irving Penn, who also created over 100 Vogue covers.

Besides fashion, CHRONORAMA places people at the heart of its captivating chronicle, with numerous portraits of luminaries from the realms of music, art, sports, and politics – a veritable Who’s Who of the 20th century’s most celebrated figures. The exhibition also surveys lavish interiors, beauty salons, artistic still lifes, photographic experiments, and examples of journalistic photography, capturing war-torn London and the newly erected Empire State Building in New York. All these facets were published concurrently across Condé Nast’s magazines – and now this extraordinary treasure trove of images awaits discovery in Berlin.

The exhibition is accompanied by the publication CHRONORAMA: Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 pages, ISBN 978-1-4197-6662-6

The exhibition, produced and presented at Pinault Collection – Palazzo Grassi (Venice) in 2023, is now shown at the Helmut Newton Foundation under the joint curatorship of Matthieu Humery, Advisor for photography at Pinault Collection and Matthias Harder, Director of the foundation.

(Text: Helmut Newton Stiftung, Berlin)

Stadthaus Ulm
25. Februar – 16. Juni 2024

Maziar Moradi: Ich werde deutsch

„Wie gelingt Integration?“ In Zeiten einer anhaltend hohen Fluchtmigration ist diese Frage zum Politikum geraten, die in einem Spannungsfeld von Willkommenskultur und Abschottung diskutiert wird. Dabei ist Migration kein neues Phänomen, sondern spätestens seit den Jahren des Wirtschaftswunders ein fester Bestandteil der deutschen DNA. Trotzdem klammern die aktuellen Debatten oft die Erfahrungen der Migrantinnen und Migranten aus, die längst hier leben. Die Fotoserie „Ich werde deutsch“ von Maziar Moradi beschäftigt sich genau damit.

In großformatigen Bildern reinszeniert Moradi die Erlebnisse von Menschen, die ihr Heimatland verlassen haben, um in Deutschland ein neues Leben zu beginnen, oder hier als Kinder von Einwandererfamilien geboren wurden und schon lange Teil der deutschen Gesellschaft sind. In opulenten Szenen visualisiert er Momente und Episoden ihres „Deutsch-werdens“ und zeigt so die Widrigkeiten, die persönlichen Leistungen und die Meilensteine eines langen Prozesses, von dem niemand genau weiß, wann er abgeschlossen ist. Moradi arbeitet dabei nicht dokumentarisch, sondern konzeptionell. Seine Aufnahmen wirken wie Standbilder eines Films, die aus dem Fluss der Zeit herausgerissen wurden. Was genau passiert ist, erläutern in manchen Fällen Texte, die von den Protagonistinnen und Protagonisten der Geschichten selbst verfasst wurden, während es in anderen Fällen den Betrachterinnen und Betrachtern überlassen bleibt, das Dargestellte zu deuten.

Diesen rätselhaften Szenen steht eine Serie von Bildern gegenüber, welche die harte Realität von Migrationserfahrungen zeigt. „Ich werde deutsch – der Anfang“ dokumentiert die Orte, an denen das Leben in Deutschland für viele Migrantinnen und Migranten beginnt. Maziar Moradi fotografierte in den Jahren 2015/16 die unterschiedlichen Gebäude und Unterkünfte, in denen Geflüchtete nach ihrer Ankunft untergebracht werden. Die ungewohnt sachliche Bildsprache der Aufnahmen betont die Behelfsmäßigkeit und Isoliertheit dieser Orte, die eine Art Pufferzone zwischen altem und neuem Leben darstellen. Sie befinden sich zwar überall in Deutschland, sind aber trotzdem nicht Teil des täglichen Lebens hier. Sie stehen synonym für eine existenzielle Ausnahmesituation, die dem Prozess der Integration vorangeht und sich unweigerlich auf diesen auswirkt.

"Comment réussir l'intégration ?" En ces temps de forte migration de fuite persistante, cette question est devenue un sujet politique qui fait l'objet de discussions entre culture de l'accueil et isolement. Pourtant, la migration n'est pas un phénomène nouveau, elle fait partie intégrante de l'ADN allemand, au moins depuis les années du miracle économique. Malgré cela, les débats actuels mettent souvent entre parenthèses les expériences des migrants qui vivent ici depuis longtemps. La série de photos "Ich werde deutsch" de Maziar Moradi se penche précisément sur ce sujet.

Dans des visuels grand format, Moradi met en scène les expériences de personnes qui ont quitté leur pays d'origine pour commencer une nouvelle vie en Allemagne, ou qui sont nées ici dans des familles d'immigrés et font partie depuis longtemps de la société allemande. Dans des scènes opulentes, il visualise des moments et des épisodes de leur "devenir-allemand" et montre ainsi l'adversité, les réalisations personnelles et les étapes d'un long processus dont personne ne sait exactement quand il sera terminé. Moradi ne travaille pas de manière documentaire, mais conceptuelle. Ses prises de vue ressemblent à des images fixes d'un film, arrachées au flux du temps. Dans certains cas, des textes rédigés par les protagonistes des histoires expliquent ce qui s'est exactement passé, tandis que dans d'autres cas, c'est au spectateur d'interpréter ce qui est représenté.

A ces scènes énigmatiques s'oppose une série de visuels qui montrent la dure réalité de l'expérience migratoire. "Ich werde deutsch - der Anfang" documente les lieux où la vie en Allemagne commence pour de nombreux migrants. En 2015/16, Maziar Moradi a photographié les différents bâtiments et logements dans lesquels les personnes en fuite sont hébergées à leur arrivée. Le langage visuel inhabituellement sobre des prises de vue souligne le caractère de fortune et l'isolement de ces lieux, qui constituent une sorte de zone tampon entre l'ancienne et la nouvelle vie. Bien qu'ils se trouvent partout en Allemagne, ils ne font pas pour autant partie de la vie quotidienne ici. Vous êtes synonyme d'une situation d'exception existentielle qui précède le processus d'intégration et qui se répercute inévitablement sur celui-ci.

"Come può l'integrazione avere successo?". In tempi di livelli persistentemente elevati di migrazione di rifugiati, questa domanda è diventata una questione politica che viene discussa in un ambito di tensione tra cultura dell'accoglienza e isolamento. La migrazione non è un fenomeno nuovo, ma è parte integrante del DNA della Germania al più tardi dagli anni del miracolo economico. Tuttavia, i dibattiti attuali spesso ignorano le esperienze dei migranti che vivono qui da molto tempo. La serie fotografica "Ich werde deutsch" di Maziar Moradi affronta proprio questo tema.

In immagini di grande formato, Moradi rievoca le esperienze di persone che hanno lasciato il loro Paese d'origine per iniziare una nuova vita in Germania, o che sono nate qui come figli di famiglie di immigrati e fanno parte da tempo della società tedesca. In scene sfarzose, egli visualizza momenti ed episodi del loro "diventare tedeschi", mostrando così le avversità, le conquiste personali e le pietre miliari di un lungo processo che nessuno sa esattamente quando si concluderà. Il lavoro di Moradi non è documentario, ma concettuale. I suoi scatti sembrano fotogrammi di un film strappati al flusso del tempo. In alcuni casi, i testi scritti dagli stessi protagonisti delle storie spiegano cosa è successo esattamente, mentre in altri casi è lasciato allo spettatore il compito di interpretare ciò che viene mostrato.

Queste scene enigmatiche sono accostate a una serie di immagini che mostrano la dura realtà delle esperienze di migrazione. "Ich werde deutsch - der Anfang" documenta i luoghi in cui inizia la vita in Germania per molti migranti. Nel 2015/16, Maziar Moradi ha fotografato i vari edifici e centri di accoglienza dove i rifugiati vengono ospitati dopo il loro arrivo. L'immagine insolitamente materica delle fotografie enfatizza la natura improvvisata e l'isolamento di questi luoghi, che rappresentano una sorta di zona cuscinetto tra la vecchia e la nuova vita. Sebbene si trovino in tutta la Germania, non fanno parte della vita quotidiana. Sono sinonimo di una situazione esistenziale eccezionale che precede il processo di integrazione e che inevitabilmente ha un impatto su di esso.

"How can integration succeed?" In times of persistently high levels of refugee migration, this question has become a political issue that is being discussed in a field of tension between welcome culture and isolation. Migration is not a new phenomenon, but has been an integral part of German DNA since the years of the economic miracle at the latest. Nevertheless, current debates often ignore the experiences of migrants who have been living here for a long time. The photo series "Ich werde deutsch" by Maziar Moradi deals with precisely this.

In large-format visuals, Moradi restages the experiences of people who have left their home country to start a new life in Germany, or who were born here as children of immigrant families and have long been part of German society. In opulent scenes, he visualizes moments and episodes of their "becoming German" and thus shows the adversities, personal achievements and milestones of a long process that no one knows exactly when it will be completed. Moradi's work is not documentary, but conceptual. His shots look like stills from a movie that have been torn out of the flow of time. In some cases, texts written by the protagonists of the stories themselves explain exactly what happened, while in other cases it is left to the viewer to interpret what is shown.

These enigmatic scenes are juxtaposed with a series of visuals that show the harsh reality of migration experiences. "Ich werde deutsch - der Anfang" documents the places where life in Germany begins for many migrants. In 2015/16, Maziar Moradi photographed the various buildings and accommodations where refugees are housed after their arrival. The unusually matter-of-fact imagery of the photographs emphasizes the makeshift nature and isolation of these places, which represent a kind of buffer zone between old and new life. Although they are located all over Germany, they are not part of everyday life here. They are synonymous with an exceptional existential situation that precedes the process of integration and inevitably has an impact on it.

(Text: Stadthaus Ulm)

Kunsthalle Erfurt
3. März – 26. Mai 2024

Ute Mahler & Werner Mahler & Ludwig Schirmer

Ute und Werner Mahler gehören zu den renommiertesten deutschen Fotokünstlern. Heute wie damals überzeugen ihre Arbeiten durch eine humanistische Sicht auf die Welt. Sie sind Gründungsmitglieder der berühmten Fotografenkooperative Ostkreuz. Seit 2008 entstehen gemeinsame Projekte, die neben den eigenen Werkgruppen gezeigt werden. Einen Schwerpunkt der Ausstellung bilden ihre Fotografien vom thüringischen Berka, wo beide zu unterschiedlichen Zeiten fotografiert haben. Aufnahmen von Ludwig Schirmer, autodidaktischer Fotograf und Vater von Ute Mahler, ergänzen die Präsentation.

Ute et Werner Mahler font partie des artistes photographes allemands les plus renommés. Aujourd'hui comme hier, leur travail convainc par une vision humaniste du monde. Ils sont membres fondateurs de la célèbre coopérative de photographes Ostkreuz. Depuis 2008, des projets communs voient le jour et sont présentés aux côtés de leurs propres groupes d'œuvres. L'exposition met l'accent sur leurs photographies de Berka, en Thuringe, où ils ont tous deux photographié à différentes époques. Des clichés de Ludwig Schirmer, photographe autodidacte et père d'Ute Mahler, complètent la présentation.

Ute e Werner Mahler sono tra i più rinomati artisti fotografici tedeschi. Oggi come ieri, il loro lavoro è caratterizzato da una visione umanistica del mondo. Sono membri fondatori della famosa cooperativa di fotografi Ostkreuz. Dal 2008 creano progetti comuni che vengono esposti accanto ai loro gruppi di opere. La mostra è incentrata sulle fotografie di Berka, in Turingia, dove entrambi hanno fotografato in tempi diversi. Le fotografie di Ludwig Schirmer, fotografo autodidatta e padre di Ute Mahler, completano la presentazione.

Ute and Werner Mahler are among the most renowned German photo artists. Today, as in the past, their work impresses with its humanistic view of the world. They are founding members of the famous Ostkreuz photographers' cooperative. Since 2008, they have been creating joint projects that are shown alongside their own groups of works. One focus of the exhibition is their photographs of Berka in Thuringia, where they both photographed at different times. Photographs by Ludwig Schirmer, a self-taught photographer and father of Ute Mahler, complete the presentation.

(Text: Kunsthalle Erfurt)

Fotografiska Berlin
8. März – 9. Juni 2024

The Fury
Shirin Neshat

Fotografiska Berlin präsentiert The Fury, die neueste Videoarbeit der renommierten iranischen Künstlerin und Filmemacherin Shirin Neshat. Darin konzentriert sich Neshat auf die nuancierte Komplexität der sexuellen Ausbeutung weiblicher politischer Gefangener und stellt ihren Fokus in den Kontext der Islamischen Republik Iran.

Während ihrer gesamten künstlerischen Laufbahn hat sich die in New York lebende Künstlerin immer wieder mit den Feinheiten des weiblichen Körpers in islamischen Kulturen auseinandergesetzt. Ihr Werk ist ein umkämpfter Raum, in dem Themen wie Sünde, Scham, Gewalt, Unterdrückung, Rebellion, Macht und Protest eine Rolle spielen.

The Fury ist eine raffinierte Kombination aus einer 2-Kanal-Videoinstallation und einer Serie von Schwarz-Weiß-Fotografien mit von Hand aufgetragenen Kalligrafien von Gedichten der iranischen Dichterin Forough Farrokhzad. Diese nuancierten Arbeiten spiegeln Neshats einschneidende künstlerische Praxis wider, die den weiblichen Körper sowohl als Schlachtfeld für Ideologie als auch als Kraftreservoir in den Mittelpunkt stellt. Indem sie die Dynamik zwischen dem Männlichen und dem Weiblichen, dem Individuum und dem Kollektiv erforschen, setzen sich diese aufgeladenen Bilder mit Fragen der Macht in patriarchalen Gesellschaften auseinander.

Die Künstlerin erläutert ihre künstlerische Perspektive: "Ich sehe alles in der Form der Dualität. Visuell und konzeptionell basiert alles auf einer Vorstellung von Gegensätzen". Ihre überwiegend in Schwarz-Weiß gehaltenen Arbeiten sind stilistisch von magischem Realismus, Surrealismus und Träumen beeinflusst. Thematisch sind die Erzählungen durchweg politisch aufgeladen und bieten eine ergreifende Mischung aus Verstörung und Emotion, Poesie und Schönheit.

Die Videoinstallation im Rahmen von The Fury befasst sich mit der stark fiktionalisierten und stilisierten Darstellung der sexuellen Übergriffe, denen weibliche politische Gefangene ausgesetzt waren, die schwer gefoltert und sogar vergewaltigt wurden. In Anbetracht derbleibenden emotionalen Narben nach der Entlassung zeichnet die Ausstellung die psychologische und emotionale Reise einer jungen iranischen Frau nach, die jetzt in den Vereinigten Staaten lebt und von den Erinnerungen an ihre Gefangenschaft verfolgt wird. Ergänzt wird diese Erzählung durch eine Fotoserie, die sich direkt mit dem weiblichen Körper als Objekt der Begierde und der Gewalt auseinandersetzt.

Vor dem Hintergrund des Frühlings 2022, der der Revolution "Frau, Leben, Freiheit" vorausging, sind diese ergreifenden Serien von bemerkenswerter Aktualität, da zahlreiche iranische Männer und Frauen als politische Gefangene weiterleben. Anlässlich des Internationalen Frauentags zeigt Fotografiska Berlin diese Ausstellung nach der Präsentation bei Fotografiska Stockholm. Die von Marina Paulenka kuratierte Ausstellung bietet eine nuancierte Erkundung der Schnittmenge zwischen Kunst, Politik und menschlicher Erfahrung.

Fotografiska Berlin présente The Fury, la dernière œuvre vidéo de l'artiste et cinéaste iranienne de renom Shirin Neshat. Neshat s'y concentre sur la complexité nuancée de l'exploitation sexuelle des prisonnières politiques et transmet son point de vue dans le contexte de la République islamique d'Iran.

Tout au long de sa carrière artistique, l'artiste, qui vit à New York, n'a cessé d'explorer les subtilités du corps féminin dans les cultures islamiques. Son œuvre est un espace contesté dans lequel des thèmes tels que le péché, la honte, la violence, l'oppression, la rébellion, le pouvoir et la protestation jouent un rôle.

The Fury est une combinaison raffinée d'une installation vidéo à deux canaux et d'une série de photographies en noir et blanc avec des calligraphies appliquées à la main de poèmes de la poétesse iranienne Forough Farrokhzad. Ces œuvres nuancées reflètent la pratique artistique incisive de Neshat, qui transmet le corps féminin à la fois comme champ de bataille pour l'idéologie et comme réservoir de force. En explorant la dynamique entre le masculin et le féminin, l'individuel et le collectif, ces visuels chargés abordent les questions de pouvoir dans les sociétés patriarcales.

L'artiste explique sa perspective artistique : "Je vois tout sous la forme de la dualité. Visuellement et conceptuellement, tout est basé sur une idée d'opposition". Ses travaux, principalement en noir et blanc, sont stylistiquement influencés par le réalisme magique, le surréalisme et les rêves. Sur le plan thématique, les récits sont tous chargés de politique et offrent un mélange saisissant de perturbation et d'émotion, de poésie et de beauté.

L'installation vidéo dans le cadre de The Fury s'intéresse à la représentation fortement fictionnalisée et stylisée des agressions sexuelles subies par les prisonnières politiques, qui ont été sévèrement torturées et même violées. Compte tenu des cicatrices émotionnelles qui subsistent après la libération, l'exposition retrace le parcours psychologique et émotionnel d'une jeune femme iranienne qui vit désormais aux États-Unis et qui est hantée par les souvenirs de sa captivité. Ce récit est complété par une série de photos qui s'intéressent directement au corps féminin en tant qu'objet de désir et de violence.

Dans le contexte du printemps 2022, qui a précédé la révolution "Femme, vie, liberté", ces séries poignantes sont d'une remarquable actualité, puisque de nombreux hommes et femmes iraniens continuent de vivre en tant que prisonniers politiques. À l'occasion de la Journée internationale de la femme, Fotografiska Berlin présente cette exposition après sa présentation à Fotografiska Stockholm. L'exposition, organisée par Marina Paulenka, propose une exploration nuancée de l'intersection entre l'art, la politique et l'expérience humaine.

Fotografiska Berlin presenta The Fury, l'ultima opera video della famosa artista e regista iraniana Shirin Neshat. In questo lavoro, Neshat si concentra sulla complessità delle sfumature dello sfruttamento sessuale delle donne prigioniere politiche, collocando la sua attenzione nel contesto della Repubblica Islamica dell'Iran.

Nel corso della sua carriera artistica, l'artista newyorkese ha ripetutamente esplorato le complessità del corpo femminile nelle culture islamiche. Il suo lavoro è uno spazio contestato in cui i temi del peccato, della vergogna, della violenza, dell'oppressione, della ribellione, del potere e della protesta giocano un ruolo importante.

The Fury è una sofisticata combinazione di un'installazione video a due canali e di una serie di fotografie in bianco e nero con calligrafie applicate a mano di poesie del poeta iraniano Forough Farrokhzad. Queste opere ricche di sfumature riflettono l'incisiva pratica artistica di Neshat, incentrata sul corpo femminile come campo di battaglia dell'ideologia e serbatoio di potere. Esplorando le dinamiche tra il maschile e il femminile, l'individuo e il collettivo, queste immagini cariche di significato affrontano le questioni del potere nelle società patriarcali.

L'artista spiega la sua prospettiva artistica: "Vedo tutto in termini di dualità. Visivamente e concettualmente, tutto si basa sull'idea degli opposti". Le sue opere, prevalentemente in bianco e nero, sono influenzate stilisticamente dal realismo magico, dal surrealismo e dai sogni. Dal punto di vista tematico, le narrazioni hanno una forte carica politica e offrono una miscela struggente di turbamento ed emozione, poesia e bellezza.

L'installazione video all'interno di The Fury tratta la rappresentazione altamente romanzata e stilizzata delle violenze sessuali subite dalle donne prigioniere politiche, che sono state gravemente torturate e persino violentate. Considerando le cicatrici emotive che rimangono dopo il rilascio, la mostra traccia il viaggio psicologico ed emotivo di una giovane donna iraniana che ora vive negli Stati Uniti, perseguitata dai ricordi della sua prigionia. Questa narrazione è completata da una serie di fotografie che si confrontano direttamente con il corpo femminile come oggetto di desiderio e di violenza.

Sullo sfondo della primavera del 2022, che ha preceduto la rivoluzione "Donna, vita, libertà", queste serie toccanti sono straordinariamente attuali, poiché numerosi uomini e donne iraniani continuano a vivere come prigionieri politici. In occasione della Giornata internazionale della donna, Fotografiska Berlin presenta questa mostra dopo la presentazione a Fotografiska Stockholm. Curata da Marina Paulenka, la mostra offre un'esplorazione sfumata dell'intersezione tra arte, politica ed esperienza umana.

Fotografiska Berlin presents The Fury, the latest exhibition by acclaimed Iranian artist and filmmaker Shirin Neshat. Focused on the nuanced complexities surrounding the sexual exploitation of female political prisoners, Neshat places her focus within the context of the Islamic Republic of Iran.

Throughout her extensive artistic career, the New York-based artist has consistently grappled with the intricacies of the female body in Islamic cultures. Her work navigates this terrain as a contested space, encompassing themes of sin, shame, violence, repression, rebellion, power, and protest.

The Fury unfolds as a sophisticated amalgamation of a double-channel video installation and a series of black and white photographs featuring hand-inscribed calligraphy of poems by Iranian poet Forough Farrokhzad. These nuanced works echo Neshat's incisive artmaking practice, spotlighting the female body as both a battleground for ideology and a reservoir of strength. By probing the dynamics between the masculine and feminine, the individual and the collective, these charged images delve into issues of power within patriarchal societies.

Neshat elucidates her artistic perspective, stating, "I see everything in the form of duality. Visually and conceptually, everything is based on some notion of opposites." Shot predominantly in black and white, her work embraces the stylistic influences of magic realism, surrealism, and dreams. Thematically, the narratives are consistently politically charged, offering a poignant blend of disturbance and emotion, poetry, and beauty.

The video installation within The Fury delves into the highly fictionalized and stylized representation of the sexual assault endured by female political prisoners subjected to severe torture, including rape. Recognizing the lasting emotional scars post-release, the exhibition traces the psychological and emotional journey of a young Iranian woman, now residing in the United States, haunted by memories of her captivity. Complementing this narrative is a photographic series that directly confronts the female body as both an object of desire and violence.

Set against the backdrop of the Spring of 2022, predating the "Woman, Life, Freedom" Revolution, these poignant series remain remarkably relevant as numerous Iranian men and women persist as political prisoners. On the occasion of International Women's Day, Fotografiska Berlin is now showing this exhibition after its presentation at Fotografiska Stockholm and the Goodman Gallery in London. The exhibition, curated by Marina Paulenka, Director of Exhibitions, offers a nuanced exploration of the intersection between art, politics, and the human experience.

(Text: Fotografiska Berlin)

Stadthaus Ulm
10. März – 16. Juni 2024

Fragile Träume - Fotografien aus dem Orient
Katharina Eglau

Im Nahen und Mittleren Osten liegen die Wurzeln von Judentum, Christentum und Islam. Durch das Zusammenleben der Menschen entwickelte sich ein faszinierendes Geflecht von Kulturen, religiöser Praxis und ethischen Maßstäben. Mittlerweile aber wurde der Orient mehr und mehr auch zu einer Quelle von Fanatismus, Engstirnigkeit und Gewalt im Namen von Religion und staatlicher Autokratie.

Die Fotografin Katharina Eglau und ihr Ehemann, der Nahost-Korrespondent Martin Gehlen, beschäftigten sich mit der Schönheit, aber auch mit den Krisen des Orients.

Katharina Eglau verstand sich selbst nie als Nachrichtenfotografin, sondern als Mittlerin zwischen den Menschen des Nahen Ostens oder Nordafrikas und denjenigen, die ihren Bildern in Medien und Ausstellungen der westlichen Welt begegnen. Mit ihrem persönlichen Blick hält sie den Ausdruck von Emotionen fest, die allen Menschen auf dem Erdball vertraut sind.

Kuratiert von Karla Nieraad und Katrin Stern

Le Proche et le Moyen-Orient sont le berceau du judaïsme, du christianisme et de l'islam. La cohabitation des hommes a donné naissance à un fascinant réseau de cultures, de pratiques religieuses et de normes éthiques. Mais entre-temps, l'Orient est aussi devenu de plus en plus une source de fanatisme, d'étroitesse d'esprit et de violence au nom de la religion et de l'autocratie étatique.

La photographe Katharina Eglau et son mari, le correspondant au Proche-Orient Martin Gehlen, se sont intéressés à la beauté, mais aussi aux crises de l'Orient.

Katharina Eglau ne s'est jamais considérée comme une photographe d'actualités, mais comme une intermédiaire entre les habitants du Proche-Orient ou d'Afrique du Nord et ceux qui rencontrent ses images dans les médias et les expositions du monde occidental. Avec son regard personnel, elle capture l'expression d'émotions familières à tous les habitants du globe.

Organisé par Karla Nieraad et Katrin Stern

Le radici dell'ebraismo, del cristianesimo e dell'islam affondano nel Vicino e Medio Oriente. Grazie alla convivenza tra i popoli, si è sviluppata un'affascinante rete di culture, pratiche religiose e norme etiche. Nel frattempo, però, l'Oriente è diventato sempre più una fonte di fanatismo, grettezza e violenza in nome della religione e dell'autocrazia statale.

La fotografa Katharina Eglau e suo marito, il corrispondente dal Medio Oriente Martin Gehlen, si sono concentrati sulla bellezza, ma anche sulle crisi dell'Oriente.

Katharina Eglau non si è mai vista come una fotografa di cronaca, ma come una mediatrice tra le popolazioni del Medio Oriente o del Nord Africa e coloro che incontrano le sue immagini nei media e nelle mostre del mondo occidentale. Con il suo sguardo personale, cattura l'espressione di emozioni che sono familiari a tutti in tutto il mondo.

A cura di Karla Nieraad e Katrin Stern

The roots of Judaism, Christianity and Islam lie in the Near and Middle East. As a result of people living together, a fascinating network of cultures, religious practices and ethical standards developed. In the meantime, however, the Orient has increasingly become a source of fanaticism, narrow-mindedness and violence in the name of religion and state autocracy.

The photographer Katharina Eglau and her husband, the Middle East correspondent Martin Gehlen, focused on the beauty, but also the crises of the Orient.

Katharina Eglau never saw herself as a news photographer, but as a mediator between the people of the Middle East or North Africa and those who encounter her images in the media and exhibitions of the Western world. With her personal gaze, she captures the expression of emotions that are familiar to everyone around the globe.

Curated by Karla Nieraad and Katrin Stern

(Text: Stadthaus Ulm)

Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
15. März – 13. Oktober 2024

WATER PRESSURE - Gestaltung für die Zukunft

Seit Anbeginn der Geschichte ist Wasser eine der größten Herausforderungen der Menschen. Unser Umgang mit dieser lebenswichtigen Ressource wird die Zukunft der Menschheit und unseres Planeten bestimmen. Gegenwärtig sind wir mit einer vielschichtigen Wasserkrise konfrontiert, die weitestgehend auf unser Missmanagement zurückzuführen ist: 40 Prozent der Weltbevölkerung ist von Wasserknappheit betroffen und mehr als 90 Prozent der Katastrophen haben mit Wasser zu tun. Im Jahr 2022 erlebte Europa die schlimmste Dürre seit 500 Jahren.

Die Gruppenausstellung „Water Pressure. Gestaltung für die Zukunft“ im MK&G nimmt eine globale Perspektive auf die Wasserkrise ein: Gezeigt werden Gestaltungsideen, die das Potenzial haben, unsere Zukunft radikal zu ändern. Die innovativen Arbeiten aus den Bereichen Design, Architektur, Kunst und Wissenschaft gehen vielfach auf Prinzipien der Natur zurück und eröffnen so neue Wege aus der aktuellen Lage. In fünf Kapiteln werden inspirierende Lösungen für Probleme wie Wasserknappheit, Verschmutzung und gestörte Wasserkreisläufe vorgestellt. Die Ausstellung befasst sich auch mit der Hafenstadt Hamburg und den gegenwärtigen und zukünftigen Herausforderungen, denen sie sich stellen muss – von Überschwemmungen bis hin zum Wassermangel.

In der Ausstellung vertreten sind unter anderem City of 1000 Tanks, unter der Leitung der OOZE Architects (Indien); Isla Urbana (Mexiko), Eden in Irak (Irak); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Dänemark); Cloudfisher, WasserStiftung (Marokko); und Colorifix (Großbritannien). Eigens für das MK&G gestalten die niederländischen Architekten OOZE Architects und das österreichische Design-Duos mischer'traxler neue Arbeiten. Die Gruppenschau wird von einem umfangreichen Rahmenprogramm begleitet.

Eine Ausstellung des MK&G in Zusammenarbeit mit Jane Withers Studio, London.

Mit freundlicher Unterstützung der Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Stiftung und Martha Pulvermacher Stiftung.

Depuis le début de l'histoire, l'eau est l'un des plus grands défis auxquels l'homme est confronté. Notre gestion de cette ressource vitale déterminera l'avenir de l'humanité et de notre planète. Actuellement, nous sommes confrontés à une crise de l'eau à multiples facettes, largement due à notre mauvaise gestion : 40 % de la population mondiale est touchée par la pénurie d'eau et plus de 90 % des catastrophes sont liées à l'eau. En 2022, l'Europe a connu sa pire sécheresse depuis 500 ans.

L'exposition de groupe "Water Pressure. Conception pour l'avenir" au MK&G adopte une perspective globale sur la crise de l'eau : Elle présente des idées de conception qui ont le potentiel de changer radicalement notre avenir. Les travaux innovants issus des domaines du design, de l'architecture, de l'art et de la science s'inspirent souvent des principes de la nature et ouvrent ainsi de nouvelles voies pour sortir de la situation actuelle. Cinq chapitres présentent des solutions inspirantes à des problèmes tels que la pénurie d'eau, la pollution et les cycles de l'eau perturbés. L'exposition s'intéresse également à la ville portuaire de Hambourg et aux défis actuels et futurs qu'elle doit relever, des inondations à la pénurie d'eau.

L'exposition présente notamment City of 1000 Tanks, sous la direction de OOZE Architects (Inde) ; Isla Urbana (Mexique), Eden in Irak (Irak) ; Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danemark) ; Cloudfisher, WaterStiftung (Maroc) ; et Colorifix (Royaume-Uni). Les architectes néerlandais OOZE Architects et le duo autrichien de designers mischer'traxler ont conçu de nouveaux travaux spécialement pour le MK&G. L'exposition collective s'accompagne d'un vaste programme d'accompagnement.

Une exposition du MK&G en collaboration avec Jane Withers Studio, Londres.

Avec l'aimable soutien de la Fondation pour l'environnement Michael Otto, de la Fondation Hapag-Lloyd et de la Fondation Martha Pulvermacher.

Fin dagli albori della storia, l'acqua è stata una delle maggiori sfide per l'umanità. Il nostro uso di questa risorsa vitale determinerà il futuro dell'umanità e del nostro pianeta. Attualmente stiamo affrontando una crisi idrica dalle molteplici sfaccettature, dovuta in gran parte alla nostra cattiva gestione: il 40% della popolazione mondiale è colpita dalla scarsità d'acqua e più del 90% dei disastri sono legati all'acqua. Nel 2022, l'Europa ha vissuto la peggiore siccità degli ultimi 500 anni.

La mostra collettiva "Water Pressure. Design for the Future" all'MK&G affronta la crisi idrica da una prospettiva globale: In mostra ci sono idee di design che hanno il potenziale per cambiare radicalmente il nostro futuro. Le opere innovative provenienti dai settori del design, dell'architettura, dell'arte e della scienza si basano spesso su principi naturali e aprono così nuove vie d'uscita dalla situazione attuale. In cinque capitoli vengono presentate soluzioni ispirate a problemi come la scarsità d'acqua, l'inquinamento e l'interruzione dei cicli idrici. La mostra analizza anche la città portuale di Amburgo e le sfide attuali e future che deve affrontare, dalle inondazioni alla carenza d'acqua.

La mostra comprende City of 1000 Tanks, realizzata da OOZE Architects (India); Isla Urbana (Messico), Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danimarca); Cloudfisher, WaterFoundation (Marocco) e Colorifix (Regno Unito). Gli architetti olandesi OOZE Architects e il duo di designer austriaci mischer'traxler stanno creando nuove opere appositamente per il MK&G. La mostra collettiva sarà accompagnata da un ampio programma di supporto.

Una mostra MK&G in collaborazione con Jane Withers Studio, Londra.

Con il gentile sostegno della Michael Otto Environmental Foundation, della Hapag-Lloyd Foundation e della Martha Pulvermacher Foundation.

Since the dawn of history, water has been one of the most important human preoccupations. How we care for this vital resource is one of the factors that will define our future and that of our planet. Today, we are facing a multifaceted water crisis that is largely due to our mismanagement. Water scarcity affects 40 per cent of the world’s people, and more than 90 per cent of disasters are water-related. In 2022, Europe suffered its worst drought in 500 years.

The group exhibition “Water Pressure: Designing for the Future” at MK&G looks at the water crisis from a global perspective, displaying design ideas that illuminate the potential for radically changing our future. Innovative works from the fields of design, architecture, art and science – in many cases using nature-based systems to open up new routes to overcoming the current situation. Five chapters will present inspiring solutions to issues such as water scarcity, pollution and disrupted hydrological cycles. The exhibition also looks at the city of Hamburg and the present and future water challenges it faces – from flooding to scarcity.

Among the featured projects on display will be City of 1000 Tanks by a team led by OOZE architects (India); Isla Urbana (Mexico); Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Denmark); Cloudfisher, WaterFoundation (Morocco, South Africa); and Colorifix (UK). As a special highlight, the Dutch firm OOZE architects and the Austrian design duo Mischer’traxler are creating new works especially for the MK&G. The group show will be accompanied by an extensive supporting programme for the public.

An exhibition by MK&G in cooperation with Jane Withers Studio, London.

Kindly supported by the Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Foundation and Martha Pulvermacher Foundation.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg)

Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
15. März – 19. Mai 2024

Typ/Traube/Tross
Sebastian Wells

Der Ostkreuz-Fotograf Sebastian Wells untersucht in der Ausstellung „Typ/Traube/Tross“ das Identitätskonstrukt nationalistischer Bewegungen, hier exemplarisch in Flandern. Mit seinen Fotografien geht er der Frage nach, wie mittels sozialer Praktiken, Uniformen und Bildsymbolik eine Vorstellung von Gemeinschaft geschaffen wird, die an Nationalismen festhält und sich auf eine kollektiv imaginierte Geschichte stützt.

Mal mit, mal ohne Uniform: Zwei Porträtfolgen von Mitgliedern einer ultranationalistischen Studierendenverbindung in Flandern werden einander gegenübergestellt. Mit ihrer strengen Ästhetik schärfen die Fotografien den Blick für die Wirkung von Kleidung und die Hierarchien, die durch sie vermittelt werden. Darüber hinaus sind Eindrücke von Sebastian Wells‘ Reisen durch Flandern zu sehen. Eine überwucherte Mauer, Schützengräben, ein Stapel Zeitungen, Demonstrierende gegen Corona-Maßnahmen, die sich in die flämisch-nationalistische Flagge hüllen: Die Bilder weben ein komplexes Netz aus Spuren der Vergangenheit und Zeichen der Gegenwart. Sebastian Wells widmet sich auch der buchstäblichen Geschichtsschreibung: In der künstlerischen Überarbeitung einer historischen Publikation, die das „germanische Volksgesicht“ auszumachen suchte, deckt er rassistische Diskurse auf und reflektiert über die Macht von Text und Bild.

Mitten in Europa ist rechtsradikales Gedankengut weit verbreitet. Mit seinen Arbeiten zeigt Sebastian Wells auf, wie Vorstellungen von Identität und Geschichte visuell inszeniert und kommuniziert werden. Dabei sieht der Künstler seine Rolle als die eines Archäologen, der in der Gegenwart nach den Spuren von gestern sucht.

Sebastian Wells (geb. 1996 in Königs Wusterhausen) studierte Fotografie an der Ostkreuzschule in Berlin, der Hochschule Bielefeld und der KASK (Königlichen Akademie der Bildenden Künste) in Gent. Seit 2019 ist er Mitglied der Agentur Ostkreuz. Sebastian Wells ist außerdem Mitbegründer des ukrainisch-deutschen Kunstmagazins „soлomiya“, dessen dritte Ausgabe im Frühling 2024 erscheint. Er lebt und arbeitet in Berlin.

Dans l'exposition "Type/Traube/Tross", le photographe d'Ostkreuz Sebastian Wells examine la construction identitaire des mouvements nationalistes, ici de manière exemplaire en Flandre. Avec ses photographies, il s'interroge sur la manière dont, au moyen de pratiques sociales, d'uniformes et de symbolisme pictural, on crée une idée de communauté qui s'accroche aux nationalismes et s'appuie sur une histoire imaginée collectivement.

Tantôt avec, tantôt sans uniforme : deux séries de portraits de membres d'une association d'étudiants ultranationalistes en Flandre sont mises en parallèle. Avec leur esthétique austère, les photographies aiguisent le regard sur l'effet des vêtements et les hiérarchies qu'ils véhiculent. On y voit en outre des impressions des voyages de Sebastian Wells en Flandre. Un mur envahi par la végétation, des tranchées, une pile de journaux, des manifestants contre les mesures de Corona qui se drapent dans le drapeau nationaliste flamand : Les visuels tissent un réseau complexe de traces du passé et de signes du présent. Sebastian Wells se consacre également à l'écriture littérale de l'histoire : en retravaillant artistiquement une publication historique qui cherchait à repérer le "visage populaire germanique", il met à jour des discours racistes et réfléchit au pouvoir du texte et du visuel.

Au cœur de l'Europe, les idées d'extrême droite sont très répandues. Avec ses travaux, Sebastian Wells montre comment les idées d'identité et d'histoire sont mises en scène et communiquées visuellement. Ce faisant, l'artiste considère son rôle comme celui d'un archéologue qui cherche dans le présent les traces d'hier.

Sebastian Wells (né en 1996 à Königs Wusterhausen) a étudié la photographie à l'école Ostkreuz de Berlin, à l'université de Bielefeld et à la KASK (Académie royale des beaux-arts) de Gand. Depuis 2019, il est membre de l'agence Ostkreuz. Sebastian Wells est également cofondateur du magazine d'art ukrainien-allemand "soлomiya", dont le troisième numéro paraîtra au printemps 2024. Il vit et travaille à Berlin.

Nella mostra "Typ/Traube/Tross", il fotografo di Ostkreuz Sebastian Wells esamina la costruzione identitaria dei movimenti nazionalisti, qui esemplificati nelle Fiandre. Con le sue fotografie, esplora la questione di come le pratiche sociali, le uniformi e il simbolismo visivo siano utilizzati per creare un'idea di comunità che si aggrappa al nazionalismo e si basa su una storia immaginata collettivamente.

A volte con, a volte senza uniforme: vengono accostate due serie di ritratti di membri di una confraternita studentesca ultranazionalista delle Fiandre. Con la loro estetica austera, le fotografie acuiscono lo sguardo sull'effetto dell'abbigliamento e sulle gerarchie che esso trasmette. Sono esposte anche le impressioni dei viaggi di Sebastian Wells attraverso le Fiandre. Un muro incolto, trincee, una pila di giornali, manifestanti contro le misure corona avvolti nella bandiera nazionalista fiamminga: Le immagini tessono una complessa trama di tracce del passato e segni del presente. Sebastian Wells si dedica anche alla scrittura letterale della storia: nella revisione artistica di una pubblicazione storica che cercava di identificare il "volto germanico del popolo", scopre discorsi razzisti e riflette sul potere del testo e dell'immagine.

Le idee estremiste di destra sono diffuse nel centro dell'Europa. Con le sue opere, Sebastian Wells mostra come le idee di identità e di storia siano messe in scena e comunicate visivamente. L'artista vede il suo ruolo come quello di un archeologo alla ricerca di tracce di ieri nel presente.

Sebastian Wells (nato nel 1996 a Königs Wusterhausen) ha studiato fotografia alla Ostkreuzschule di Berlino, all'Università di Scienze Applicate di Bielefeld e alla KASK (Accademia Reale di Belle Arti) di Gand. Dal 2019 è membro dell'agenzia Ostkreuz. Sebastian Wells è anche cofondatore della rivista d'arte ucraino-tedesca "soлomiya", il cui terzo numero sarà pubblicato nella primavera del 2024. Vive e lavora a Berlino.

In the exhibition "Typ/Traube/Tross", Ostkreuz photographer Sebastian Wells examines the identity construct of nationalist movements, here exemplified in Flanders. With his photographs, he explores the question of how social practices, uniforms and visual symbolism are used to create an idea of community that clings to nationalisms and is based on a collectively imagined history.

Sometimes with, sometimes without uniform: two series of portraits of members of an ultra-nationalist student fraternity in Flanders are juxtaposed. With their austere aesthetics, the photographs sharpen the eye for the effect of clothing and the hierarchies it conveys. Impressions of Sebastian Wells' travels through Flanders are also on display. An overgrown wall, trenches, a pile of newspapers, demonstrators against corona measures wrapped in the Flemish nationalist flag: The visuals weave a complex web of traces of the past and signs of the present. Sebastian Wells also devotes himself to the literal writing of history: in the artistic revision of a historical publication that sought to identify the "Germanic face of the people", he uncovers racist discourses and reflects on the power of text and visuals.

Right-wing extremist ideas are widespread in the middle of Europe. With his works, Sebastian Wells shows how ideas of identity and history are visually staged and communicated. The artist sees his role as that of an archaeologist searching for traces of yesterday in the present.

Sebastian Wells (born 1996 in Königs Wusterhausen) studied photography at the Ostkreuzschule in Berlin, the Bielefeld University of Applied Sciences and the KASK (Royal Academy of Fine Arts) in Ghent. He has been a member of the Ostkreuz agency since 2019. Sebastian Wells is also co-founder of the Ukrainian-German art magazine "soлomiya", the third issue of which will be published in spring 2024. He lives and works in Berlin.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
15. März – 2. Juni 2024

A DAY OFF – Eine Ausstellung der Stiftung F.C. Gundlach

Diane Arbus, Katharina Bosse, Henri Cartier-Bresson, Elliott Erwitt, Arthur „Weegee“ Fellig, Bruce Gilden, Nan Goldin, F.C. Gundlach, Esther Haase, David Hockney, Thomas Höpker, Peter Keetman, Barry Key, Barbara Klemm, Lisette Model, Martin Munkácsi, Martin Parr, Joel Sternfeld, u.a.

Freizeitgestaltung ist ein Thema, das uns alle permanent beschäftigt. Einfach einmal nichts tun? Unmöglich! Nicht erst seit der Corona-Pandemie ist unser Leben hektischer und intensiver geworden. Überall werden wir mit immer aufregenderen, abenteuerlicheren und exotischeren Freizeitaktivitäten konfrontiert. Der Druck, mithalten zu können und vermeintlich zu müssen, ist enorm. Freizeit ist von der Erholungszeit nach getaner Arbeit zu einem durchgetakteten Massenphänomen geworden. Zu den Stoßzeiten nach Feierabend, am Wochenende und an Feiertagen platzen Strände, Schwimmbäder, Sportstudios, Kinos und Parks aus allen Nähten. Alle streben nach maximaler Entspannung, Selbstoptimierung und größtmöglichem Abstand vom Alltag.

A DAY OFF im f³ – freiraum für fotografie visualisiert mit einem Augenzwinkern die Erscheinungsformen unserer Freizeitkultur: Es wird geschlemmt, gebrutzelt, geraucht, geschwitzt und gepowert, was das Zeug hält. Manche Szenen sind heute nicht mehr denkbar. Andere gleichen sich, so wurde damals wie heute ausgiebigst Sonne getankt, der neueste Film im Kino angesehen, das Tanzbein geschwungen oder gemeinsam Bingo gespielt. Durch die Linse einiger der weltweit renommiertesten Fotograf*innen erhalten wir einen Einblick in den Wandel unseres Freizeitverhaltens der vergangenen hundert Jahre.

Die Sammlung F.C. Gundlach
Über viele Jahrzehnte hat F.C. Gundlach, selbst einer der wichtigsten Modefotografen der Bundesrepublik Deutschland, Fotografie gesammelt und eine der bedeutendsten privaten Fotografiesammlungen des Landes zusammengetragen. Im Zentrum steht das Bild des Menschen in der Fotografie. Unter diesem Titel fanden seit 2005 rund 9.000 fotografische Werke aus der Sammlung als Dauerleihgabe Einzug in das Haus der Photographie in der südlichen Deichtorhalle in Hamburg. Darüber hinaus waren und sind viele andere Arten und Gattungen der Fotografie Bestandteil der Sammlung F.C. Gundlach, die zum Teil als eigenständige Sammlungsthemen gesehen werden können. Auch über den Tod des Sammlers hinaus kommen weiterhin Großkonvolute einzelner Fotograf*innen und Bestände von Archiven hinzu, die in der Stiftung F.C. Gundlach bewahrt und bearbeitet werden.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Natalja Aljasova. Konzeption: Natalja Aljasova und Jasmin Seck.

Les loisirs sont un sujet qui nous préoccupe tous en permanence. Ne rien faire, tout simplement ? C'est impossible ! Notre vie est devenue plus frénétique et plus intense, et pas seulement depuis la pandémie de Corona. Partout, nous sommes confrontés à des activités de loisirs toujours plus passionnantes, aventureuses et exotiques. La pression pour pouvoir et prétendument devoir suivre le rythme est énorme. Les loisirs sont passés d'un temps de repos après le travail à un phénomène de masse rythmé. Aux heures de pointe après le travail, le week-end et les jours fériés, les plages, les piscines, les salles de sport, les cinémas et les parcs sont pleins à craquer. Tout le monde aspire à une détente maximale, à l'optimisation de soi et à la plus grande distance possible avec le quotidien.

A DAY OFF au f³ - freiraum für fotografie visualise avec un clin d'œil les manifestations de notre culture des loisirs : on se régale, on grignote, on fume, on transpire et on se défoule à tout va. Certaines scènes sont aujourd'hui impensables. D'autres se ressemblent : à l'époque comme aujourd'hui, on prenait largement le soleil, on allait voir le dernier film au cinéma, on se déhanchait ou on jouait au bingo ensemble. À travers l'objectif de quelques-uns des photographes* les plus renommés au monde, nous avons un aperçu de l'évolution de notre comportement en matière de loisirs au cours des cent dernières années.

La collection F.C. Gundlach
Pendant de nombreuses décennies, F.C. Gundlach, lui-même l'un des plus importants photographes de mode de la République fédérale d'Allemagne, a collectionné des photographies et a réuni l'une des plus importantes collections privées de photographies du pays. Au cœur de cette collection se trouve le visuel de l'homme dans la photographie. C'est sous ce titre que, depuis 2005, près de 9.000 œuvres photographiques de la collection ont fait leur entrée à la Haus der Photographie, dans le sud de la Deichtorhalle à Hambourg, sous forme de prêt permanent. En outre, de nombreux autres types et genres de photographie faisaient et font toujours partie de la collection F.C. Gundlach, qui peuvent en partie être considérés comme des thèmes de collection à part entière. Même après la mort du collectionneur, de gros volumes de photographes individuels* et des fonds d'archives continuent d'être conservés et traités par la fondation F.C. Gundlach.

L'exposition a été organisée par Natalja Aljasova. Conception : Natalja Aljasova et Jasmin Seck.

L'organizzazione del tempo libero è un tema che ci occupa costantemente. Non fare nulla per una volta? Impossibile! La nostra vita è diventata più frenetica e intensa, e non solo dopo la pandemia di coronavirus. Ovunque ci troviamo di fronte ad attività di svago sempre più eccitanti, avventurose ed esotiche. La pressione per stare al passo e presumibilmente doverlo fare è enorme. Il tempo libero si è trasformato da momento di relax dopo il lavoro in un fenomeno di massa con un programma serrato. Nei momenti di punta dopo il lavoro, nei fine settimana e nei giorni festivi, le spiagge, le piscine, gli impianti sportivi, i cinema e i parchi sono pieni zeppi. Tutti cercano il massimo relax, l'auto-ottimizzazione e la massima distanza possibile dalla vita quotidiana.

A DAY OFF a f³ - freiraum für fotografie visualizza le manifestazioni della nostra cultura del tempo libero con una strizzatina d'occhio: le persone banchettano, sfrigolano, fumano, sudano e si danno da fare. Alcune scene sono inimmaginabili oggi. Altre sono le stesse: allora come oggi, le persone prendevano il sole, guardavano l'ultimo film al cinema, ballavano tutta la notte o giocavano a bingo insieme. Attraverso l'obiettivo di alcuni tra i più famosi fotografi del mondo, possiamo capire come sono cambiati i nostri comportamenti nel tempo libero negli ultimi cento anni.

La collezione F.C. Gundlach
Nel corso di molti decenni, F.C. Gundlach, egli stesso uno dei più importanti fotografi di moda della Repubblica Federale Tedesca, ha collezionato fotografie e accumulato una delle più importanti collezioni fotografiche private del Paese. L'attenzione è rivolta all'immagine delle persone nella fotografia. A questo titolo, dal 2005 circa 9.000 opere fotografiche della collezione sono in prestito permanente alla Casa della Fotografia nella Deichtorhalle meridionale di Amburgo. Inoltre, molti altri tipi e generi di fotografia facevano e fanno parte della Collezione F.C. Gundlach, alcuni dei quali possono essere considerati come temi della collezione a sé stanti. Anche dopo la morte del collezionista, la Fondazione F.C. Gundlach continua a conservare ed elaborare grandi collezioni di singoli fotografi e archivi.

La mostra è stata curata da Natalja Aljasova. Ideazione: Natalja Aljasova e Jasmin Seck.

Leisure activities are a topic that constantly occupies us all. Just do nothing? Impossible! Our lives have become more hectic and intense, and not just since the coronavirus pandemic. We are confronted with ever more exciting, adventurous and exotic leisure activities everywhere. The pressure to keep up and supposedly have to is enormous. Leisure time has gone from being a time to relax after work to a mass phenomenon. At peak times after work, at weekends and on public holidays, beaches, swimming pools, sports studios, cinemas and parks are bursting at the seams. Everyone is striving for maximum relaxation, self-optimization and the greatest possible distance from everyday life.

A DAY OFF at f³ – freiraum für fotografie visualizes the manifestations of our leisure culture with a wink: people feast, sizzle, smoke, sweat and work out as much as they can. Some scenes are no longer conceivable today. Others are similar: then, as now, people soaked up the sun, watched the latest film in the cinema, danced or played bingo together. Through the lens of some of the world's most renowned photographers, we gain an insight into how our leisure behavior has changed over the past hundred years.

The F.C. Gundlach Collection
For many decades, F.C. Gundlach, himself one of the most important fashion photographers in the Federal Republic of Germany, collected photography and amassed one of the most important private photography collections in the country. The focus is the image of man in photography. Under this title, around 9,000 photographic works from the collection have been on permanent loan to the House of Photography in the southern Deichtorhalle in Hamburg since 2005. In addition, many other types and genres of photography were and are part of the F.C. Gundlach Collection, some of which can be seen as collection themes in their own right. Even after the collector's death, the F.C. Gundlach Foundation continues to add large collections of individual photographers and archives, which are preserved and processed.

The exhibition was curated by Natalja Aljasova. Concept: Natalja Aljasova and Jasmin Seck.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Museum für Kunst & Gewerbe | Hamburg
22. März – 29. September 2024

Fragile Schönheiten. Spitze in Mode und Fotografie

Spitze ist zart und fragil, sie legt sich wie ein Netz auf die Haut. Die feinteilige Struktur und die Balance zwischen freier und bearbeiteter Fläche fordert unser Auge, genau hinzuschauen – das gilt sowohl für das feine Gewebe als auch für seine fotografische Darstellung. Die Ausstellung „Fragile Schönheiten. Spitze in Mode und Fotografie“ im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) wirft ein Schlaglicht auf das Thema Spitze und zeigt beispielhaft Werke aus der Sammlung, darunter Arbeiten aus den 1910er und 1920er Jahren unter anderem von der herausragenden deutschen Klöppelkünstlerin Leni Matthaei und der bekannten Fotografin Madame d’Ora.

Die Ausstellung verfolgt einen assoziativen Ansatz, dieser findet sich auch im umfassenden Werk von Madame d’Ora (1881–1963) wieder: Als angesagte Modefotografin im Wien des beginnenden 20. Jahrhunderts lichtete sie Repräsentantinnen des ausgehenden Kaiserreichs Österreich-Ungarn in delikater Spitze ab. Motivisch vergleichbare Gewebe und Netzstrukturen entdeckte sie in den Pariser Schlachthöfen und nannte die Fotografien von tierischen Überresten fast zärtlich „La Dentelle“ – „die Spitze“. Von diesem visuellen Widerspruch ausgehend blickt die Ausstellung in die Schubladen der Sammlungen Textil und Fotografie des MK&G.

Mit seinen Ursprüngen, die bis ins 16. Jahrhundert zurückreichen, hat sich das Klöppelhandwerk in die Geschichte des Kunstgewerbes eingeschrieben und ein Vermächtnis voller Schönheit hinterlassen. Der Reiz geklöppelter Spitze liegt in ihren komplexen Mustern und zarten Motiven sowie der ausgefeilten Technik: Mit sorgfältig choreografiertem Drehen und Kreuzen der Klöppelnadeln werden Schläge in das Gewebe eingearbeitet. Von den eleganten Kurven floraler Muster bis zur geometrischen Präzision komplizierter Gitterwerke verweben sich die Fäden zu faszinierendem Garngeflecht. In einer Welt, die von Technologie und Massenproduktion dominiert wird, ist Klöppelspitze ein Sinnbild für die dauerhafte Kraft hochwertiger Handwerkskunst.

Eine der wenigen bekannten Spitzenentwerferinnen und Klöppelkünstlerinnen war Leni Matthaei (1873–1981). Ermutigt durch den Gründungsdirektor des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg Justus Brinckmann, dem sie ihre Entwürfe zeigte, erlernte sie um 1907 das Klöppelhandwerk an der Ecole de Dentelles et Broderie Paris. In der Sammlung des MK&G befinden sich rund 80 Arbeiten von Leni Matthaei. In der Zusammenschau der Klöppelkunst mit Fotografien des 19. bis Mitte des 20. Jahrhunderts aus der Sammlung – unter anderem von Imre von Santho (1895–1957), Constant Puyo (1857–1933), David Octavius Hill (1802–1870) und Arthur Benda (1885–1969) – wird Spitze als außergewöhnliches Kunsthandwerk und als Mittel der fotografischen Inszenierung vorgestellt. Häufig wird die Spitze in ihrer Zerbrechlichkeit als Sinnbild für die Verletzlichkeit des menschlichen Körpers eingesetzt.

La dentelle est délicate et fragile, elle se pose sur la peau comme un filet. La structure finement divisée et l'équilibre entre surface libre et surface travaillée demandent à notre œil de regarder attentivement - cela vaut aussi bien pour le tissu fin que pour sa représentation photographique. L'exposition "Fragile Schönheiten. La dentelle dans la mode et la photographie" au Museum für Kunst und Gewerbe de Hambourg (MK&G) met en lumière le thème de la dentelle et présente des œuvres exemplaires de la collection, dont des travaux des années 1910 et 1920, entre autres de l'éminente artiste dentellière allemande Leni Matthaei et de la célèbre photographe Madame d'Ora.

L'exposition suit une approche associative, que l'on retrouve également dans l'œuvre complète de Madame d'Ora (1881-1963) : en tant que photographe de mode en vogue dans la Vienne du début du 20e siècle, elle photographiait les représentantes de l'empire austro-hongrois finissant dans de délicates dentelles. Elle a découvert des tissus et des structures réticulaires aux motifs comparables dans les abattoirs parisiens et a appelé presque tendrement les photographies de restes d'animaux "La Dentelle" - "la dentelle". C'est à partir de cette contradiction visuelle que l'exposition regarde dans les tiroirs des collections de textile et de photographie du MK&G.

Avec ses origines qui remontent au XVIe siècle, la dentelle aux fuseaux s'est inscrite dans l'histoire des arts décoratifs et a laissé un héritage plein de beauté. Le charme de la dentelle aux fuseaux réside dans ses motifs complexes et délicats ainsi que dans sa technique sophistiquée : des coups sont incorporés dans le tissu grâce à une chorégraphie minutieuse de rotation et de croisement des aiguilles à fuseaux. Des courbes élégantes des motifs floraux à la précision géométrique des grillages compliqués, les fils s'entrelacent pour former des entrelacs de fils fascinants. Dans un monde dominé par la technologie et la production de masse, la dentelle aux fuseaux est un symbole de la force durable de l'artisanat de qualité.

Leni Matthaei (1873-1981) était l'une des rares créatrices de dentelle et artistes dentellières connues. Encouragée par le directeur fondateur du Musée des arts et métiers de Hambourg Justus Brinckmann, à qui elle montra ses créations, elle apprit vers 1907 le métier de dentellière à l'Ecole de Dentelles et Broderie de Paris. La collection du MK&G contient environ 80 œuvres de Leni Matthaei. La dentelle est présentée comme un artisanat d'art exceptionnel et comme un moyen de mise en scène photographique dans la réunion de l'art de la dentelle avec des photographies du 19e au milieu du 20e siècle de la collection - entre autres d'Imre von Santho (1895-1957), Constant Puyo (1857-1933), David Octavius Hill (1802-1870) et Arthur Benda (1885-1969). Souvent, la dentelle est utilisée dans sa fragilité comme symbole de la vulnérabilité du corps humain.

Il pizzo è delicato e fragile, copre la pelle come una rete. La struttura delicata e l'equilibrio tra superfici libere e lavorate richiedono che i nostri occhi guardino da vicino: questo vale sia per il tessuto pregiato che per la sua rappresentazione fotografica. La mostra "Fragile Beauties. Il merletto nella moda e nella fotografia" al Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) fa luce sul tema del merletto e presenta esempi di opere della collezione, tra cui pezzi degli anni Dieci e Venti dell'eccezionale artista tedesca del merletto Leni Matthaei e della nota fotografa Madame d'Ora.

La mostra persegue un approccio associativo, che si riflette anche nella vasta opera di Madame d'Ora (1881-1963): come fotografa di moda a Vienna all'inizio del XX secolo, fotografò i rappresentanti del defunto Impero austro-ungarico in delicati pizzi. Scoprì tessuti simili e strutture a rete nei mattatoi parigini e chiamò quasi con tenerezza le fotografie dei resti animali "La Dentelle" - "il pizzo". Partendo da questa contraddizione visiva, la mostra si addentra nei cassetti delle collezioni tessili e fotografiche dell'MK&G.

Con le sue origini risalenti al XVI secolo, la lavorazione del merletto si è iscritta nella storia delle arti e dei mestieri e ha lasciato un'eredità piena di bellezza. Il fascino del merletto a tombolo risiede nei suoi disegni complessi e nei suoi motivi delicati, oltre che nella sua tecnica sofisticata: gli aghi del tombolo vengono lavorati in modo accuratamente coreografico con torsioni e incroci nel tessuto. Dalle eleganti curve dei motivi floreali alla precisione geometrica degli intricati reticoli, i fili vengono intrecciati in affascinanti trame di filato. In un mondo dominato dalla tecnologia e dalla produzione di massa, il merletto a tombolo simboleggia il potere duraturo dell'artigianato di alta qualità.

Una delle poche designer di merletti e artiste di merletti a fuselli conosciute è Leni Matthaei (1873-1981). Incoraggiata dal direttore del Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo, Justus Brinckmann, al quale mostrò i suoi disegni, imparò l'arte del merletto all'Ecole de Dentelles et Broderie di Parigi intorno al 1907. La collezione MK&G contiene circa 80 opere di Leni Matthaei. Nella sinossi dell'arte del merletto con fotografie dal XIX alla metà del XX secolo della collezione - tra cui opere di Imre von Santho (1895-1957), Constant Puyo (1857-1933), David Octavius Hill (1802-1870) e Arthur Benda (1885-1969) - il merletto viene presentato come un mestiere straordinario e come mezzo di messa in scena fotografica. La fragilità del pizzo è spesso utilizzata per simboleggiare la vulnerabilità del corpo umano.

Lace is delicate and fragile, settling across the skin like a web. The delicate structure and the balance between open and worked surfaces challenge our eye to look more closely – both at the fine tissue itself and its photographic reproduction. The exhibition “Fragile Beauties: Lace in Fashion and Photography” at the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) showcases instances of lace found in exemplary works in the collection, some of them dating from the 1910s and 20s by, among others, the outstanding German lace artist Leni Matthaei and the well-known photographer Madame d’Ora.

The exhibition pursues an associative approach that is reflected in Madame d'Ora's (1881–1963) extensive oeuvre: As a popular fashion photographer in early-twentieth-century Vienna, she photographed representatives of the late Austro-Hungarian Empire decked out in exquisite lace garments. But similar tissues and web-like structures can also be found in the photographs Madame d’Ora took in the 1950s of animal remains at Parisian slaughterhouses, entitling the resulting images almost tenderly “La Dentelle”, or “lace”. Taking this visual contradiction as its point of departure, the show delves into the storage drawers of the MK&G’s textiles and photography collections.

Originating in the sixteenth century, bobbin lace became part of the history of decorative arts, leaving a legacy of fragile beauty. The appeal of this type of lace lies in its complex patterns and filigree motifs, as well as in the sophisticated technique used to make it. Through the carefully choreographed turning and crossing of the bobbin lace needles, different stitches are worked into the fabric. From the elegant curves of floral patterns to the geometric precision of intricate latticework, the threads weave themselves into a fascinating mesh. In a world dominated by technology and mass production, bobbin lace is a symbol of the enduring vitality of high-quality craftsmanship.

Leni Matthaei (1873–1981) was one of the few lace designers and bobbin lace artists to achieve name recognition. Encouraged by Justus Brinckmann, founding director of the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, to whom she showed her designs, she learned the craft of lace-making at the Ecole de Dentelles et Broderie in Paris around 1907. The MK&G collection has around 80 works by Leni Matthaei.

Through this juxtaposition of photographs from the nineteenth to the mid-twentieth century – including those by Imre von Santho (1895–1957), Constant Puyo (1857–1933), David Octavius Hill (1802–1870) and Arthur Benda (1885–1969) – and the art of bobbin lace, viewers can experience lace as an extraordinary craft and a compelling means of photographic staging in which the fragility of the lace often serves as a metaphor for the vulnerability of the human body.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe, Hamburg)

Gropius Bau | Berlin
22. März – 21. Juli 2024

Nancy Holt: Circles of Light - Experimente mit Sound, Bild und Objekten 1966–1986

Über fünf Jahrzehnte hinweg beschäftigte sich Nancy Holt damit, wie wir unsere Umwelt wahrnehmen und unseren Platz auf der Oberfläche dieses Planeten zu verstehen versuchen. Mit Circles of Light zeigt der Gropius Bau ab März 2024 die bislang umfassendste Überblicksausstellung der Künstlerin in Deutschland. Die Ausstellung umfasst unter anderem Film, Video, Fotografie, Soundarbeiten, konkrete Poesie, Skulpturen und raumgreifende Installationen sowie Zeichnungen und Dokumentationen aus über 25 Jahren.

In ihrer Praxis dachte Nancy Holt ortsspezifische Installationen und die Arbeit mit natürlichem und künstlichem Licht neu. Sie thematisierte schon früh ökologische Aspekte und bezog die Erdrotation, Astronomie sowie Zeit und Ort in ihre Skulpturen ein – und forderte uns so immer wieder dazu auf, jenseits dessen zu blicken, was wir zu wissen glauben. Holts Arbeitsweise soll in der Ausstellung im Gropius Bau durch Texte und Aufnahmen der Künstlerin besondere Präsenz verliehen werden.

Kuratiert von Clara Meister und Lisa Le Feuvre

Pendant plus de cinq décennies, Nancy Holt s'est intéressée à la manière dont nous percevons notre environnement et essayons de comprendre notre place sur la surface de cette planète. Avec Circles of Light, le Gropius Bau présentera à partir de mars 2024 l'exposition d'ensemble la plus complète de l'artiste à ce jour en Allemagne. L'exposition comprendra entre autres des films, des vidéos, des photographies, des œuvres sonores, de la poésie concrète, des sculptures et des installations qui occupent tout l'espace, ainsi que des dessins et des documentaires couvrant plus de 25 ans.

Dans sa pratique, Nancy Holt a repensé les installations spécifiques au lieu et le travail avec la lumière naturelle et artificielle. Très tôt, elle a abordé les aspects écologiques et a intégré la rotation de la Terre, l'astronomie ainsi que le temps et le lieu dans ses sculptures - nous invitant ainsi toujours à regarder au-delà de ce que nous croyons savoir. Dans l'exposition du Gropius Bau, la méthode de travail de Holt sera mise en valeur par des textes et des enregistrements de l'artiste.

Organisé par Clara Meister et Lisa Le Feuvre

Da cinque decenni Nancy Holt esplora il modo in cui percepiamo l'ambiente e cerchiamo di capire il nostro posto sulla superficie del pianeta. Con Circles of Light, il Gropius Bau presenterà da marzo 2024 la mostra più completa dell'artista in Germania. La mostra comprende film, video, fotografie, opere sonore, poesie concrete, sculture e installazioni di grandi dimensioni, oltre a disegni e documentazione di oltre 25 anni.

Nella sua pratica, Nancy Holt ha ripensato le installazioni site-specific e il lavoro con la luce naturale e artificiale. Ha affrontato presto gli aspetti ecologici, incorporando la rotazione della Terra, l'astronomia, il tempo e il luogo nelle sue sculture - sfidandoci costantemente a guardare oltre ciò che pensiamo di conoscere. Il modo di lavorare della Holt sarà oggetto di una presenza speciale nella mostra al Gropius Bau attraverso testi e fotografie dell'artista.

A cura di Clara Meister e Lisa Le Feuvre

Over the course of five decades, Nancy Holt explored how we perceive our environment and how we attempt to understand our place on the surface of this planet. From March 2024, the Gropius Bau presents Circles of Light, the artist’s most comprehensive survey exhibition in Germany to date. It includes film, video, photography, sound works, concrete poetry, sculptures and expansive installations as well as drawings and documentation from over 25 years.

In her artistic practice, Nancy Holt reimagined site-specific installations and ways of working with natural and artificial light. She began focusing on ecological aspects at an early stage and incorporated the earth’s rotation, astronomy, time and space into her sculptures, constantly challenging us to look beyond what we think we know. Holt’s working process will have a particularly tangible presence in the exhibition at the Gropius Bau through texts and recordings by the artist.

Curated by Clara Meister and Lisa Le Feuvre

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Haus am Kleistpark | Berlin
23. März – 19. Mai 2024

Am besten nichts Neues
Michael Schäfer

Michael Schäfer thematisiert in seinen Fotografien den Umgang mit unseren gegenwärtigen digitalen Bildwelten, die zum Ausgangspunkt, Gegenstand und Material seiner Arbeiten werden. Der Künstler hinterfragt in seinem Werk den Gebrauch von Bildern im Spektrum zwischen Authentizität und Projektion, Realität und Desinformation und verweist damit auf die Macht visueller Rollenspiele und Systeme. In seinen fotografischen Montagen aus medialen Fundstücken und eigenen Fotografien wie seinen Inszenierungen fokussiert der Künstler auf zeitgenössisch relevante Themen. Das Haus am Kleistpark zeigt in der Großen Ausstellungshalle Werkgruppen der letzten Jahre, denen ein konzeptionelles Verständnis von Fotografie zugrunde liegt, welches das reflexive Potential des Mediums im Bedeutungsrahmen der Kunst zeigt.

Für das Projekt „Invasive Links“ (2016-2019) arbeitete Michael Schäfer mit Bildmaterial von LifeLeak.com, einer Plattform, auf der unzensiert Handyvideos bzw. Stills aus Krisensituationen veröffentlicht wurden. Mit Motiven aus dieser Serie inszeniert der Künstler einen eigenen Ausstellungsraum, in dem großformatige Tapeten, ein Sofa, eine Leseecke installiert sind. Er stellt dem Rauschen der Krisenaufnahmen den Stillstand entgegen, montiert Situationen von in unserer Gesellschaft gelebter Normalität in die Bilder hinein. Schäfer erkundet so, welche Inhalte sich durch mediale Bilder in unsere Vorstellungswelt eingeschrieben haben.

2021 entstanden 53 Bilderwürfel, einer pro Woche des Jahres. Jede Seite der Würfel zeigt unterschiedliche Screenshots von weltweiten Krisensituationen. Die Würfel sind jeweils aufgefaltet auf Meeresansichten montiert, die einen weiten Assoziationsraum bieten. Fragen, die der Künstler mit dieser Arbeit stellt, sind: Erreicht uns die Realität hinter den konsumierten Bildern? Inwieweit erfahren wir Bilder im Netz als abstrahiert? Welche Rolle spielen Emotionen und Generalisierungen? Diese und andere Fragen können, sollen in der Ausstellung gestellt werden, in der zahlreiche weitere Arbeiten des Künstlers zu sehen sind.

Michael Schäfer hat an der FH Dortmund und anschließend an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig in der Klasse von Joachim Brohm Fotografie studiert. Nach seinem Diplom verbrachte er ein Studienjahr an der Simon Fraser University in Kanada. Einer künstlerischen Assistenz an der HGB folgten Lehraufträge an der Hartford Art School, Connecticut, USA und der UdK Berlin. Der Künstler wurde durch zahlreiche Ausstellungen bekannt und betreibt neben seiner eigenen künstlerischen Arbeit den Ausstellungsort „Villa Heike“ in Berlin.

Dans ses photographies, Michael Schäfer aborde le thème de l'utilisation de nos mondes d'images numériques actuels, qui deviennent le point de départ, l'objet et le matériau de ses travaux. Dans son œuvre, l'artiste remet en question l'utilisation des visuels dans le spectre entre authenticité et projection, réalité et désinformation, et renvoie ainsi au pouvoir des jeux de rôles et des systèmes visuels. Dans ses montages photographiques réalisés à partir d'objets trouvés dans les médias et de ses propres photographies, ainsi que dans ses mises en scène, l'artiste se concentre sur des thèmes contemporains pertinents. La Haus am Kleistpark présente dans la grande salle d'exposition des groupes d'œuvres de ces dernières années, sur lesquels repose une compréhension conceptuelle de la photographie qui montre le potentiel réflexif du médium dans le cadre de signification de l'art.

Pour le projet "Invasive Links" (2016-2019), Michael Schäfer a travaillé avec des visuels de LifeLeak.com, une plateforme sur laquelle ont été publiées sans censure des vidéos de téléphones portables ou des arrêts sur image de situations de crise. Avec des motifs de cette série, l'artiste met en scène son propre espace d'exposition, dans lequel sont installés des papiers peints grand format, un canapé, un coin lecture. Il oppose l'immobilité au bruit des prises de vue de crise, monte dans les visuels des situations de normalité vécues dans notre société. Schäfer explore ainsi les contenus qui se sont inscrits dans notre monde imaginaire par le biais des visuels des médias.

En 2021, 53 cubes d'images ont été créés, un par semaine de l'année. Chaque face du cube montre différentes captures d'écran de situations de crise mondiales. Les cubes sont à chaque fois dépliés et montés sur des vues de mer qui offrent un vaste espace d'association. Les questions que l'artiste transmet avec ce travail sont les suivantes : La réalité nous atteint-elle derrière les visuels que nous consommons ? Dans quelle mesure faisons-nous l'expérience de visuels abstraits sur la toile ? Quel rôle jouent les émotions et les généralisations ? Ces questions et d'autres peuvent, doivent être transmises dans l'exposition, où l'on peut voir de nombreux autres travaux de l'artiste.

Michael Schäfer a étudié la photographie à la FH Dortmund, puis à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig dans la classe de Joachim Brohm. Après son diplôme, il a passé une année d'études à la Simon Fraser University au Canada. Une assistance artistique à la HGB a été suivie de missions d'enseignement à la Hartford Art School, Connecticut, USA et à la UdK Berlin. L'artiste s'est fait connaître par de nombreuses expositions et gère, en plus de son propre travail artistique, le lieu d'exposition "Villa Heike" à Berlin.

Nelle sue fotografie, Michael Schäfer affronta il modo in cui ci rapportiamo ai nostri attuali mondi visivi digitali, che diventano il punto di partenza, il soggetto e il materiale delle sue opere. Nel suo lavoro, l'artista esamina l'uso delle immagini nello spettro tra autenticità e proiezione, realtà e disinformazione, indicando così il potere dei giochi di ruolo e dei sistemi visivi. Nei suoi montaggi fotografici di artefatti mediatici e di proprie fotografie, così come nelle sue messe in scena, l'artista si concentra su temi di rilevanza contemporanea. Nella grande sala espositiva, Haus am Kleistpark presenta gruppi di opere degli ultimi anni che si basano su una concezione concettuale della fotografia che dimostra il potenziale riflessivo del mezzo nel quadro del significato dell'arte.

Per il progetto "Invasive Links" (2016-2019), Michael Schäfer ha lavorato con il materiale fotografico di LifeLeak.com, una piattaforma su cui sono stati pubblicati video e fotogrammi non censurati di telefoni cellulari provenienti da situazioni di crisi. L'artista utilizza i motivi di questa serie per allestire il proprio spazio espositivo, in cui sono installati carta da parati di grande formato, un divano e un angolo lettura. L'artista contrappone il rumore delle immagini di crisi a quello della stasi e inserisce nelle immagini situazioni di normalità vissute nella nostra società. Schäfer esplora così quali contenuti sono stati inscritti nel nostro immaginario attraverso le immagini dei media.

Nel 2021 sono stati creati 53 cubi di immagini, uno per ogni settimana dell'anno. Ogni lato dei cubi mostra diverse immagini di situazioni di crisi globale. I cubi sono montati dispiegati su vedute del mare, che offrono un'ampia gamma di associazioni. Le domande che l'artista si pone con quest'opera sono: La realtà dietro le immagini che consumiamo ci raggiunge? In che misura viviamo le immagini in rete come astratte? Che ruolo hanno le emozioni e le generalizzazioni? Queste e altre domande possono e devono essere poste nella mostra, in cui si possono ammirare numerose altre opere dell'artista.

Michael Schäfer ha studiato fotografia all'Università di Scienze Applicate e Arti di Dortmund e poi all'Accademia di Arti Visive di Lipsia nella classe di Joachim Brohm. Dopo la laurea, ha trascorso un anno di studio alla Simon Fraser University in Canada. Un assistentato artistico presso l'HGB è stato seguito da incarichi di insegnamento presso la Hartford Art School, Connecticut, USA e l'UdK di Berlino. L'artista è stato riconosciuto attraverso numerose mostre e gestisce lo spazio espositivo "Villa Heike" a Berlino, oltre al proprio lavoro artistico.

In his photographs, Michael Schäfer addresses the way we deal with our contemporary digital visual worlds, which become the starting point, subject and material of his works. In his work, the artist questions the use of visuals in the spectrum between authenticity and projection, reality and disinformation, thus pointing to the power of visual role-playing games and systems. In his photographic montages of media finds and his own photographs, as well as his stagings, the artist focuses on contemporary issues. In the large exhibition hall, Haus am Kleistpark is showing groups of works from recent years that are based on a conceptual understanding of photography, which shows the reflective potential of the medium within the framework of art's meaning.

For the project "Invasive Links" (2016-2019), Michael Schäfer worked with visuals from LifeLeak.com, a platform on which uncensored cell phone videos and stills from crisis situations were published. The artist uses motifs from this series to stage his own exhibition space, in which large-format wallpaper, a sofa and a reading corner are installed. He contrasts the noise of the crisis shots with the stillness, mounting situations of normality lived in our society into the visuals. Schäfer thus explores what content has been inscribed into our imagination through media images.

In 2021, 53 picture cubes were created, one for each week of the year. Each side of the cubes shows different screenshots of global crisis situations. The cubes are each mounted unfolded on views of the sea, offering a wide range of associations. The questions the artist poses with this work are: Does the reality behind the visuals we consume reach us? To what extent do we experience visuals on the net as abstracted? What role do emotions and generalizations play? These and other questions can and should be asked in the exhibition, in which numerous other works by the artist can be seen.

Michael Schäfer studied photography at the Dortmund University of Applied Sciences and Arts and then at the Academy of Visual Arts Leipzig in the class of Joachim Brohm. After graduating, he spent a year studying at Simon Fraser University in Canada. An artistic assistantship at the HGB was followed by teaching assignments at the Hartford Art School, Connecticut, USA and the UdK Berlin. The artist became known through numerous exhibitions and runs the exhibition space "Villa Heike" in Berlin alongside his own artistic work.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Robert Morat Galerie | Berlin
23. März – 1. Juni 2024

Hannah Hughes | Solid Slip

Anlässlich ihres 20. Jubiläums freut sich die Robert Morat Galerie sehr, die erste deutsche Einzelausstellung der britischen Künstlerin Hannah Hughes zu zeigen.

Hannah Hughes ist eine crossmedial arbeitende Künstlerin, die sich mit Fotografie, Collage und Objektkunst beschäftigt. Ihre Arbeit erforscht die Beziehung zwischen Bild, Skulptur und Sprache, wobei sie sich auf das Potenzial des negativen Raums und die Bergung sowie Wiederverwendung von weggeworfenen Materialien konzentriert. Hughes’ Praxis beinhaltet Strategien der Fragmentierung und Rekonstruktion. Ihre zweidimensionalen Collagen werden oft als flache Skulpturen oder skulpturale Fotografien beschrieben.

Hannah Hughes verwendet Materialien, die an alltägliche Berührungen erinnern, z. B. das Papier von Hochglanzmagazinen, Zellstoffverpackungen und Ton. Dieser Fokus auf die Taktilität positioniert die Arbeit in Bezug auf die Grenzen des Körpers und die Räume, die dort entstehen, wo sich Körper mit ihrer Umgebung überschneiden. Sie untersucht die Ränder innerhalb des fotografischen Bildes – in ihrer Serie von C-Type-Collagen beispielsweise überschneidet eine Form die Oberfläche einer anderen, wodurch eine sichtbare Grenze innerhalb der Fotografie entsteht, die von der Seite aus vollständig betrachtet werden kann.

Hannah Hughes (*1975, GB) schloss 1997 ihr Studium an der University of Brighton ab und hat seitdem sowohl im Vereinigten Königreich als auch international ausgestellt. Sie lebt und arbeitet in London.

À l'occasion de son 20e anniversaire, la galerie Robert Morat est très heureuse de présenter la première exposition individuelle allemande de l'artiste britannique Hannah Hughes.

Hannah Hughes est une artiste cross-média qui travaille avec la photographie, le collage et l'art des objets. Son travail explore la relation entre l'image, la sculpture et le langage, en se concentrant sur le potentiel de l'espace négatif et sur la récupération et la réutilisation de matériaux jetés. La pratique de Hughes implique des stratégies de fragmentation et de reconstruction. Ses collages bidimensionnels sont souvent décrits comme des sculptures plates ou des photographies sculpturales.

Hannah Hughes utilise des matériaux qui rappellent le toucher quotidien, par exemple le papier des magazines sur papier glacé, les emballages en cellulose et l'argile. Cette focalisation sur la tactilité positionne le travail par rapport aux limites du corps et aux espaces qui se créent là où les corps se croisent avec leur environnement. Elle explore les bords à l'intérieur de l'image photographique - dans sa série de collages de type C, par exemple, une forme chevauche la surface d'une autre, créant ainsi une frontière visible à l'intérieur de la photographie, qui peut être entièrement observée depuis le côté.

Hannah Hughes (*1975, GB) a été diplômée de l'université de Brighton en 1997 et a depuis exposé au Royaume-Uni et à l'étranger. Elle vit et travaille à Londres.

In occasione del suo 20° anniversario, la Robert Morat Galerie è lieta di presentare la prima mostra personale in Germania dell'artista britannica Hannah Hughes.

Hannah Hughes è un'artista crossmediale che lavora con la fotografia, il collage e l'arte degli oggetti. Il suo lavoro esplora il rapporto tra immagine, scultura e linguaggio, concentrandosi sul potenziale dello spazio negativo e sul recupero e riutilizzo di materiali di scarto. La pratica di Hughes incorpora strategie di frammentazione e ricostruzione. I suoi collage bidimensionali sono spesso descritti come sculture piatte o fotografie scultoree.

Hannah Hughes utilizza materiali che ricordano il tatto quotidiano, come la carta delle riviste patinate, gli imballaggi in pasta e l'argilla. Questa attenzione alla tattilità posiziona il lavoro in relazione ai confini del corpo e agli spazi che si creano quando i corpi si intersecano con l'ambiente circostante. L'artista esplora i bordi dell'immagine fotografica: nella serie di collage C-Type, ad esempio, una forma si sovrappone alla superficie di un'altra, creando un confine visibile all'interno della fotografia che può essere osservata completamente di lato.

Hannah Hughes (*1975, Regno Unito) si è laureata all'Università di Brighton nel 1997 e da allora ha esposto sia nel Regno Unito che a livello internazionale. Vive e lavora a Londra.

Celebrating its 20. anniversary, Robert Morat Galerie is very happy to be able to present the first German solo exhibition for British artist Hannah Hughes.

Hannah Hughes is a visual artist working in photography, collage, and sculpture. Her work explores the relationship between image, object and language, focusing on the potential of negative space and the salvaging and re-use of discarded materials. Hughes’s practice involves strategies of fragmentation and reconstruction. Her two-dimensional collages are often described as either flat sculptures or sculptural photographs.

Hannah Hughes uses materials that invite the memory of the everyday touch, such as paper stocks used in glossy magazines, pulp packaging, and clay. This focus on tactility positions the work in relation to the body's boundaries and the spaces created where bodies intersect with their surroundings. She examines edges within the photographic image – for example, in her series of two-part C-Type collages, one form intersects the surface of another, creating a visible border within the photograph, which can be viewed fully from the side.

Hannah Hughes (*1975, UK) graduated from the University of Brighton in 1997 and has since exhibited in the UK and internationally. She lives and works in London.

(Text: Robert Morat Galerie, Berlin)

in focus Galerie | Köln
23. März – 15. August 2024

The Day May Break, Kapitel 1 – 3
Nick Brandt

Die in focus Galerie, Burkhard Arnold in Köln, freut sich Nick Brandt mit seiner Serie „The Day May Break“ zu präsentieren. The Day May Break, ist eine fortlaufende globale Serie, die Menschen und Tiere porträtiert, die von Umweltzerstörung und Klimawandel betroffen sind.

Kapitel eins wurde 2020 in Simbabwe und Kenia fotografiert, Kapitel zwei 2022 in Bolivien. Die Menschen auf den Fotos sind alle stark vom Klimawandel betroffen, von extremen Dürren bis hin zu Überschwemmungen, die ihre Häuser und Lebensgrundlagen zerstört haben.

Die Fotos wurden in verschiedenen Auffangstationen und Naturschutzgebieten aufgenommen. Bei den Tieren handelt es sich fast ausnahmslos um Langzeit-Rettungstiere, die von der Zerstörung ihres Lebensraums bis hin zum Handel mit Wildtieren alles erlebt haben.

Diese Tiere können niemals wieder in die freie Wildbahn entlassen werden. Daher sind sie fast alle an den Menschen gewöhnt, so dass es für fremde Menschen ungefährlich war, sich ihnen zu nähern und sie zur gleichen Zeit im gleichen Bild zu fotografieren.

Der Nebel ist ein Symbol für eine natürliche Welt, die jetzt schnell aus dem Blickfeld verschwindet. Er wird von Nebelmaschinen vor Ort erzeugt und ist auch ein Echo des Rauchs der Waldbrände, die durch den Klimawandel verstärkt werden und weite Teile unseres Planeten verwüsten. Doch trotz ihres Verlustes sind diese Menschen und Tiere die Überlebenden. Und darin liegt noch eine Möglichkeit.

SINK / RISE, das dritte Kapitel von The Day May Break, befasst sich mit den Bewohnern der südpazifischen Inseln, die vom Anstieg der Ozeane infolge des Klimawandels betroffen sind. Die Einheimischen auf diesen Fotos, die im Meer vor der Küste der Fidschi-Inseln unter Wasser aufgenommen wurden, stehen stellvertretend für die vielen Menschen, deren Häuser, Land und Lebensgrundlagen in den kommenden Jahrzehnten durch den Anstieg des Wassers verloren gehen werden. Alles wurde mit der Kamera unter Wasser aufgenommen.

La galerie in focus, Burkhard Arnold à Cologne, a le plaisir de présenter Nick Brandt avec sa série "The Day May Break". The Day May Break, est une série mondiale continue qui dresse le portrait de personnes et d'animaux touchés par la dégradation de l'environnement et le changement climatique.

Le premier chapitre a été photographié en 2020 au Zimbabwe et au Kenya, le deuxième en 2022 en Bolivie. Les personnes photographiées sont toutes fortement touchées par le changement climatique, des sécheresses extrêmes aux inondations qui ont détruit leurs maisons et leurs moyens de subsistance.

Les photos ont été prises dans différents centres d'accueil et réserves naturelles. Les animaux sont presque tous des animaux de sauvetage à long terme, qui ont tout connu, de la destruction de leur habitat au commerce d'animaux sauvages.

Ces animaux ne peuvent jamais être relâchés dans la nature. C'est pourquoi ils sont presque tous habitués à l'homme, de sorte qu'il n'était pas dangereux pour des inconnus de les approcher et de les photographier en même temps sur le même visuel.

Le brouillard est le symbole d'un monde naturel qui disparaît maintenant rapidement de la vue. Créée sur place par des machines à fumée, elle fait également écho à la fumée des incendies de forêt, amplifiés par le changement climatique et qui ravagent de vastes zones de notre planète. Mais malgré leur perte, ces personnes et ces animaux sont les survivants. Et c'est là que réside une autre possibilité.

SINK / RISE, le troisième chapitre de The Day May Break, s'intéresse aux habitants des îles du Pacifique Sud qui sont touchés par la montée des océans due au changement climatique. Les habitants de ces photos, prises sous l'eau dans l'océan au large des îles Fidji, sont représentatifs des nombreuses personnes dont les maisons, les terres et les moyens de subsistance seront perdus dans les décennies à venir en raison de la montée des eaux. Tout a été pris sous l'eau avec un appareil photo.

La galleria in focus Burkhard Arnold di Colonia è lieta di presentare Nick Brandt con la sua serie "The Day May Break". The Day May Break è una serie globale in corso che ritrae persone e animali colpiti dal degrado ambientale e dai cambiamenti climatici.

Il primo capitolo è stato fotografato in Zimbabwe e Kenya nel 2020, il secondo in Bolivia nel 2022. Tutte le persone ritratte sono state gravemente colpite dai cambiamenti climatici, da siccità estreme a inondazioni che hanno distrutto le loro case e i loro mezzi di sostentamento.

Le foto sono state scattate in vari santuari e riserve naturali. Quasi senza eccezione, si tratta di animali soccorsi a lungo termine, che hanno subito qualsiasi cosa, dalla distruzione dell'habitat al traffico di animali selvatici.

Questi animali non possono mai essere rilasciati in natura. Pertanto, sono quasi tutti abituati all'uomo, per cui era sicuro per gli estranei avvicinarsi a loro e fotografarli contemporaneamente nella stessa inquadratura.

La nebbia è il simbolo di un mondo naturale che sta rapidamente scomparendo. Creata da macchine per la nebbia a terra, è anche un'eco del fumo degli incendi boschivi che vengono esacerbati dal cambiamento climatico e che devastano ampie zone del nostro pianeta. Ma nonostante la perdita, queste persone e questi animali sono i sopravvissuti. E qui sta un'altra possibilità.

SINK / RISE, il terzo capitolo di The Day May Break, si concentra sugli abitanti delle isole del Pacifico meridionale colpite dall'innalzamento degli oceani dovuto ai cambiamenti climatici. Gli abitanti di queste foto, scattate sott'acqua nell'oceano al largo delle coste delle Fiji, sono rappresentativi delle molte persone le cui case, terre e mezzi di sostentamento andranno persi nei prossimi decenni a causa dell'innalzamento delle acque. Tutto è stato scattato sott'acqua con una macchina fotografica.

The in focus gallery, B. Arnold in Cologne, is pleased to present: Nick Brandt: The Day May Break, is an ongoing global series portraying people and animals that have been impacted by environmental degradation and destruction.

Chapter One was photographed in Zimbabwe and Kenya in 2020, Chapter Two in Bolivia in 2022. The people in the photos have all been badly affected by climate change, from extreme droughts to floods that destroyed their homes and livelihoods.

The photographs were taken at several sanctuaries and conservancies. The animals are almost all long-term rescues, victims of everything from habitat destruction to wildlife trafficking. These animals can never be released back into the wild. As a result, they are almost all habituated to humans, and so it was safe for human strangers to be close to them, photographed in the same frame at the same time.

The fog is symbolic of a natural world now rapidly fading from view. Created by fog machines on location, it is also an echo of the smoke from wildfires, intensified by climate change, devastating so much of the planet. However, in spite of their loss, these people and animals are the survivors. And therein still lies possibility.

SINK / RISE, the third chapter of The Day May Break, focuses on South Pacific Islanders impacted by rising oceans from climate change. The local people in these photos, photographed underwater in the ocean off the coast of the Fijian islands, are representatives of the many people whosehomes, land and livelihoods will be lost in the coming decades as the water rises. Everything is shot in-camera underwater.

(Text: in focus Galerie, Köln)

D21 Kunstraum | Leipzig
4. April – 16. Juni 2024

Flucht in die Öffentlichkeit

Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Zbigniew Libera, Martha Rosler, Aykan Safoğlu, Jo Spence und Terry Dennett, Gabriele Stötzer und der Künstlerinnengruppe Erfurt

Die Ausstellung findet im Rahmen des f/stop — Festival für Fotografie Leipzig statt.

Die Prologausstellung versammelt acht größtenteils historische Positionen aus unterschiedlichen Zeitlichkeiten und politischen Zusammenhängen und ist das „Vorkapitel“ zum Ausstellungsparcours der 10. Ausgabe des f/stop – Festival für Fotografie Leipzig. Allen künstlerischen Arbeiten gemeinsam ist der Einsatz der Kamera als widerständiges Mittel, mit dem unangepasste oder ausgeschlossene Gemeinschaften und ihre internen, solidarischen Strukturen beschrieben werden. Fotografie und Film werden als künstlerisches Medium eingesetzt, aber auch als ein konfliktbeladenes Machtinstrument verstanden, dessen Verwendung Teil von politischen Aushandlungsprozessen ist.

Ausgangspunkt der Prologausstellung des Festivals ist die Arbeit der Künstlerin Gabriele Stötzer sowie der 1984 gegründeten Künstlerinnengruppe Erfurt. Für sie war die Flucht in die Öffentlichkeit eine Strategie, um der kontinuierlichen „Zersetzung“ kritischer Gemeinschaften durch die Stasi entgegenzutreten. Statt sich nur auf die Arbeit im Verborgenen zu beschränken, wurden Ausstellungen und Veranstaltungen öffentlich beworben und durchgeführt – staatliche Repressionen mussten sich demnach ebenso enttarnen wie die Kunst selbst. Der Zusammenschluss aus Personen ähnlicher Überzeugung war es auch, der aus staatlicher Perspektive als Bedrohung empfunden wurde – eine Bestätigung des Gefühls, dass der Gemeinschaft ein größerer Handlungsspielraum zur Verfügung stand als der Summe von Individuen.

Neben Gabriele Stötzer und der Künstlerinnengruppe Erfurt werden Arbeiten von Martha Rosler, Jo Spence und Terry Dennett, Sanja Iveković, Zbigniew Libera und Ion Grigorescu ausgestellt. Sie alle teilen das Verlangen, ihren Blick auf die Gesellschaft und ihre künstlerische Überzeugung zu einer Zeit Ausdruck zu verleihen, in der ihre Stimme nicht gehört oder sogar verboten wurde. Dabei entfalten Fotografie und Film eine emanzipatorische Kraft und nehmen innerhalb der bildenden Kunst eine wesentliche Rolle als Medium des selbstbestimmten Ausdrucks ein. Eine Videoarbeit von Aykan Safoğlu schlägt eine Brücke zu aktuellen künstlerischen Praktiken und zeigt, wie sich durch archivarische und fürsorgliche Praxis imaginierte Gruppen und intellektuelle Verbündete bilden lassen, die weniger durch ihre körperliche Anwesenheit als vielmehr durch ihren virtuellen Zusammenhalt eine gesellschaftliche Präsenz erreichen.

L'exposition prologue rassemble huit positions, pour la plupart historiques, issues de différentes temporalités et de différents contextes politiques et constitue le "chapitre préliminaire" au parcours d'exposition de la 10e édition du f/stop - Festival de photographie de Leipzig. Tous les travaux artistiques ont en commun l'utilisation de la caméra comme moyen de résistance, permettant de décrire des communautés inadaptées ou exclues et leurs structures internes solidaires. La photographie et le film sont utilisés comme médium artistique, mais sont également considérés comme un instrument de pouvoir chargé de conflits instrument de pouvoir, dont l'utilisation fait partie des processus de négociation politique.

Le point de départ de l'exposition prologue du festival est le travail de l'artiste Gabriele Stötzer ainsi que du groupe de femmes artistes d'Erfurt, fondé en 1984. Pour elles, la fuite vers le public était une stratégie pour contrer le "démantèlement" continu des communautés critiques par la Stasi. Au lieu de se limiter à travailler dans l'ombre, les expositions et les manifestations étaient annoncées et organisées publiquement - la répression étatique devait donc se démasquer au même titre que l'art lui-même. C'est également le regroupement de personnes aux convictions similaires qui était perçu comme une menace du point de vue de l'État - une confirmation du sentiment que la communauté disposait d'une plus grande marge de manœuvre que la somme des individus.

Outre Gabriele Stötzer et le groupe d'artistes féminins d'Erfurt, des œuvres de Martha Rosler, Jo Spence et Terry Dennett, Sanja Iveković, Zbigniew Libera et Ion Grigorescu seront exposées. Tous partagent le désir d'exprimer leur regard sur la société et leurs convictions artistiques à une époque où leur voix n'était pas entendue, voire interdite. Dans ce contexte, la photographie et le film déploient une force émancipatrice et jouent un rôle essentiel au sein des arts visuels en tant que moyen d'expression autodéterminé. Un travail vidéo d'Aykan Safoğlu jette un pont vers les pratiques artistiques actuelles et montre comment la pratique archivistique et attentionnée permet de former des groupes imaginés et des alliés intellectuels qui atteignent une présence sociale moins par leur présence physique que par leur cohésion virtuelle.

La mostra prologo riunisce otto posizioni per lo più storiche provenienti da diverse temporalità e contesti politici e costituisce il "pre-capitolo" del programma espositivo della decima edizione del f/stop - Festival für Fotografie Leipzig. Ciò che accomuna tutte le opere artistiche è l'uso della macchina fotografica come mezzo di resistenza, con cui vengono descritte comunità non conformiste o escluse e le loro strutture interne e solidali. La fotografia e il cinema sono utilizzati come mezzo artistico, ma sono anche intesi come strumento di potere carico di conflitti strumento di potere, il cui uso è parte dei processi di negoziazione politica.

Il punto di partenza della mostra prologo del festival è il lavoro dell'artista Gabriele Stötzer e del gruppo di artiste di Erfurt fondato nel 1984. Per loro la fuga nella sfera pubblica era una strategia per contrastare la continua "decomposizione" delle comunità critiche da parte della Stasi. Invece di limitarsi a lavorare in segreto, le mostre e gli eventi venivano pubblicizzati e organizzati in pubblico: la repressione statale doveva essere esposta tanto quanto l'arte stessa. Anche l'associazione di persone con convinzioni simili era percepita come una minaccia dal punto di vista dello Stato, a conferma della sensazione che la comunità avesse un margine di manovra maggiore rispetto alla somma dei singoli individui.

Oltre a Gabriele Stötzer e al gruppo di artisti di Erfurt, saranno esposte opere di Martha Rosler, Jo Spence e Terry Dennett, Sanja Iveković, Zbigniew Libera e Ion Grigorescu. Tutti condividono il desiderio di esprimere il loro punto di vista sulla società e le loro convinzioni artistiche in un'epoca in cui le loro voci non erano ascoltate o addirittura vietate. La fotografia e il cinema dispiegano un potere emancipatorio e svolgono un ruolo essenziale nell'ambito delle arti visive come mezzo di espressione autodeterminato. Un'opera video di Aykan Safoğlu getta un ponte verso le pratiche artistiche attuali e mostra come le pratiche di archiviazione e di cura possano essere utilizzate per formare gruppi immaginari e alleati intellettuali che ottengono una presenza sociale non tanto attraverso la loro presenza fisica quanto attraverso la loro coesione virtuale.

The prologue exhibition brings together eight mostly historical positions from different temporalities and political contexts and is the "pre-chapter" to the exhibition parcours of the 10th edition of the f/stop - Festival for Photography Leipzig. What all the artistic works have in common is the use of the camera as a means of resistance, with which non-conformist or excluded communities and their internal structures of solidarity are described. Photography and film are used as an artistic medium, but are also understood as a conflict-laden instrument of power instrument of power, the use of which is part of political negotiation processes.

The starting point of the festival's prologue exhibition is the work of the artist Gabriele Stötzer and the Erfurt group of female artists founded in 1984. For them, escaping into the public sphere was a strategy to counter the continuous "decomposition" of critical communities by the Stasi. Instead of limiting themselves to working in secret, exhibitions and events were advertised and held in public - state repression had to be exposed as much as the art itself. It was also the association of people of similar convictions that was perceived as a threat from the state's perspective - a confirmation of the feeling that the community had a greater scope for action than the sum of individuals.

In addition to Gabriele Stötzer and the Erfurt artists' group, works by Martha Rosler, Jo Spence and Terry Dennett, Sanja Iveković, Zbigniew Libera and Ion Grigorescu will be exhibited. They all share the desire to express their view of society and their artistic convictions at a time when their voices were not heard or were even banned. Photography and film unfold an emancipatory power and play an essential role within the visual arts as a medium of self-determined expression. A video work by Aykan Safoğlu builds a bridge to current artistic practices and shows how archival and caring practices can be used to form imagined groups and intellectual allies that achieve a social presence less through their physical presence than through their virtual cohesion.

(Text: f/stop — Festival für Fotografie Leipzig)

Museum für Fotografie | Berlin
12. April – 1. September 2024

Michael Wesely. Berlin 1860 – 2023

Wie lässt sich die räumliche und architektonische Entwicklungsdynamik einer Stadt fotografisch visualisieren? Wie kann Fotografie überhaupt Zeit und Leben einfangen? In zwei neuen Werkkomplexen spürt der international bekannte Fotograf Michael Wesely die in historischen Architekturfotografien Berlins bewahrten Fragmente vergangener Wirklichkeiten auf. Er erforscht damit die archivischen Dimensionen des Mediums Fotografie.

Für Doubleday legt Wesely seine eigenen Aufnahmen passgenau über alte Fotografien von Berliner Architekturen aus dem 19. und 20. Jahrhundert und schafft damit atemberaubende Zeitsprünge zwischen Einst und Heute: Flaneure des 19. Jahrhunderts am Alexanderplatz begegnen Touristen von heute, Ruinen werden von wiederaufgebauten Kopien der Gebäude überblendet, an die Stelle des Schlosses Montbijou ist ein Park getreten.

In der Serie Human Conditions richtet der Künstler den Fokus auf die in den großformatigen Aufnahmen der Preußischen Messbildanstalt eingeschlossenen Lebensspuren der Menschen um 1900. Weselys Faszination gilt insbesondere dem spukhaften Verschwinden von Menschen in Bewegung, deren Konturen durch die langen Aufnahmezeiten nicht festgehalten wurden und deren Schemen er akribisch herauspräpariert.

Daneben präsentiert das Museum für Fotografie auch Arbeiten Michael Weselys aus vergangenen Jahren. Dazu zählt der erst kürzlich abgeschlossene Zyklus zum Leipziger und Potsdamer Platz, der die Entstehung des neuen Stadtquartiers von 1997 bis 2021 verfolgte. Eine weitere Werkgruppe zeigt Demonstrationen und Protestversammlungen, die von Wesely jeweils für einige Minuten aufgenommen wurden und in ihrer Flüchtigkeit nur Spuren und Schemen hinterließen. Sie werden mit bildjournalistischen Aufnahmen städtischen Lebens und von Demonstrationen der Fotografen Willy Römer und Bernard Larsson aus der Sammlung Fotografie der Kunstbibliothek ins Gespräch gebracht.

Comment la dynamique de développement spatial et architectural d'une ville peut-elle être visualisée par la photographie ? Comment la photographie peut-elle capturer le temps et la vie ? Dans deux nouveaux ensembles d'œuvres, le photographe de renommée internationale Michael Wesely traque les fragments de réalités passées conservés dans les photographies historiques d'architecture de Berlin. Il explore ainsi les dimensions archivistiques du médium photographique.

Pour Doubleday, Wesely superpose avec précision ses propres clichés sur d'anciennes photographies d'architectures berlinoises des 19e et 20e siècles, créant ainsi des sauts dans le temps époustouflants entre autrefois et aujourd'hui : les flâneurs du 19e siècle sur l'Alexanderplatz rencontrent les touristes d'aujourd'hui, les ruines sont recouvertes de copies reconstruites des bâtiments, un parc a remplacé le château de Montbijou.

Dans la série Human Conditions, l'artiste se concentre sur les traces de vie des personnes de 1900 enfermées dans les clichés grand format de la Preußische Messbildanstalt. La fascination de Wesely s'exerce en particulier sur la disparition hantée des personnes en mouvement, dont les contours n'ont pas été fixés par les longues durées de prise de vue et dont il dissèque méticuleusement les schémas.

Par ailleurs, le Museum für Fotografie présente également des travaux de Michael Wesely datant de plusieurs années. Parmi eux, le cycle récemment achevé sur les Leipziger et Potsdamer Platz, qui a suivi la création du nouveau quartier de la ville de 1997 à 2021. Un autre groupe d'œuvres montre des manifestations et des rassemblements de protestation, enregistrés à chaque fois par Wesely pendant quelques minutes et dont la fugacité n'a laissé que des traces et des schémas. Vous serez mis en dialogue avec des images journalistiques de la vie urbaine et de manifestations prises par les photographes Willy Römer et Bernard Larsson de la collection Photographie de la bibliothèque d'art.

Come si possono visualizzare fotograficamente le dinamiche di sviluppo spaziale e architettonico di una città? Come può la fotografia catturare il tempo e la vita? In due nuovi lavori, il fotografo di fama internazionale Michael Wesely ripercorre i frammenti di realtà passate conservati nelle fotografie architettoniche storiche di Berlino. In questo modo, esplora le dimensioni archivistiche del mezzo fotografico.

Per Doubleday, Wesely sovrappone le proprie fotografie proprio a vecchie foto dell'architettura berlinese del XIX e XX secolo, creando salti temporali mozzafiato tra il passato e il presente: i passeggiatori del XIX secolo ad Alexanderplatz incontrano i turisti di oggi, le rovine sono sovrapposte a copie ricostruite degli edifici, un parco ha preso il posto del Palazzo di Montbijou.

Nella serie Human Conditions, l'artista si concentra sulle tracce della vita delle persone intorno al 1900 catturate nelle fotografie di grande formato dell'Istituto di misurazione prussiano. Wesely è particolarmente affascinato dalla spettrale scomparsa delle persone in movimento, i cui contorni non sono stati catturati a causa dei lunghi tempi di esposizione e di cui prepara meticolosamente i contorni.

Il Museo della Fotografia presenta anche opere di Michael Wesely degli anni precedenti. Tra queste, il ciclo recentemente completato su Leipziger Platz e Potsdamer Platz, che ha seguito lo sviluppo del nuovo quartiere cittadino dal 1997 al 2021. Un altro gruppo di opere mostra manifestazioni e raduni di protesta, ognuno dei quali è stato fotografato da Wesely per pochi minuti, lasciando dietro di sé solo tracce e contorni nella loro natura fugace. Sono messe in dialogo con le immagini fotogiornalistiche della vita urbana e delle manifestazioni dei fotografi Willy Römer e Bernard Larsson, provenienti dalla collezione fotografica della Biblioteca d'Arte.

How can the spatial and architectural development dynamics of a city be visualized photographically? How can photography capture time and life? In two new bodies of work, the internationally renowned photographer Michael Wesely traces the fragments of past realities preserved in historical architectural photographs of Berlin. In doing so, he explores the archival dimensions of the medium of photography.

For Doubleday, Wesely superimposes his own photographs precisely over old photographs of Berlin architecture from the 19th and 20th centuries, creating breathtaking leaps in time between the past and present: 19th-century strollers on Alexanderplatz encounter tourists from today, ruins are superimposed on reconstructed copies of the buildings, a park has taken the place of Montbijou Palace.

In the Human Conditions series, the artist focuses on the traces of people's lives around 1900 enclosed in the large-format photographs of the Prussian Measuring Institute. Wesely is particularly fascinated by the spooky disappearance of people in motion, whose contours were not captured by the long exposure times and whose schemes he meticulously dissects.

The Museum of Photography is also presenting works by Michael Wesely from previous years. These include the recently completed cycle on Leipziger Platz and Potsdamer Platz, which followed the development of the new city quarter from 1997 to 2021. Another group of works shows demonstrations and protest gatherings, each of which Wesely took up for a few minutes, leaving behind only traces and outlines in their fleeting nature. They are brought into conversation with photojournalistic images of urban life and demonstrations by photographers Willy Römer and Bernard Larsson from the Art Library's photography collection.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
14. April – 16. Juni 2024

Bankgeheimnisse

Mit rund 150 Arbeiten rückt die neue Präsentation im Fotografie-Forum Monschau ein besonderes Möbelstück in den Fokus: die Bank. Sie ist aus unserem Alltag nicht wegzudenken, begegnen wir ihr doch im Park, an der Straße, im Bahnhof oder im Wartezimmer. Das Bänke Schauplätze für ganz unterschiedliche Geschichten sind, beweisen die 28 präsentierten Künstler_innen der Ausstellung. Auf der ganzen Welt haben sie Menschen auf Sitzbänken festgehalten. Ein ebenso breites Panorama bilden die fotografischen Genres: Neben klassischer Street Photography reihen sich ebenso Porträtfotos berühmter Persönlichkeiten, wie Bob Dylan oder Marilyn Monroe, und inszenierte Fotografien aneinander.

Es ist nicht die erste monothematische Ausstellung im Fotografie-Forum. Bereits im vergangenen Jahr widmete sich die Schau „The Jump“ dem Motiv des Sprungs in der Fotografie. Die Fotografien der Sitzbänke zeigen nun einzigartige und für sich abgeschlossene Geschichten, die die Imaginationskraft der Betrachtenden herausfordern. Viele der dargestellten Szenen entbehren nicht einem gewissen Humor, wie die Kuratorin und Leiterin des Fotografie-Forums Dr. Nina Mika-Helfmeier betont: „Viele in der Ausstellung vertretene Fotografen lieben skurrile Alltagsszenen, aus denen sich eine natürliche, nicht erzwungene Komik ergibt.“ Barbara Klemms Arbeit Stuttgart 1972 führt zum Beispiel drei im Park schlafende Personen durch die fotografische Linse mit einer antiken Skulptur zusammen. Bei dieser unbeabsichtigten Begegnung stellt sich die Frage, welche der Figuren eigentlich lebendig ist und warum sich zwischen ihnen eine Art seltsame Verwandtschaft bemerken lässt.

Elliott Erwitts Fotografie, die am Rande eines Jahrmarkts in Kalifornien entstanden ist, besticht ebenso durch eine gewisse Komik: Auf einer Bank sind drei einzelne Frauen versammelt, die unter einem Schild mit der Aufschrift „Lost Persons Area“ stehen. Aufgrund des verlorenen und fragenden Blicks einiger der Protagonistinnen bleibt unklar, ob hiermit der Sammelpunkt für entzweite Familien und Gruppen gemeint ist, oder sich das Schild als Kommentar zu den dort versammelt, ziemlich verloren wirkenden Frauen verstehen lässt. Die Bank fungiert hier als eigener Mikrokosmos im öffentlichen Raum, in dem spannende Begegnungen stattfinden, die manches Mal fast surreal anmuten.

Dass das Sitzmöbel ebenso als Ort der inneren Einkehr fungieren kann, zeigt eindrucksvoll Thomas Hoepkers Aufnahme eines älteren Herren im Ritan Park in Beijing. Mit seiner Pfeife hat er es sich auf einer Parkbank gemütlich gemacht. Sogar seinen Vogel hat er aus dem kleinen Käfig genommen und scheint mit ihm ein geistiges Zwiegespräch zu führen. Durch die Sonne in besonders stimmungsvolles Licht getaucht, strahlt die Fotografie eine unglaubliche Ruhe aus. Sie wirft aber ebenso Fragen danach auf, wo solche Oasen in unserer heutigen hektischen Welt noch zu finden sind.

Die Sitzbank dient innerhalb der Ausstellung als Ausgangspunkt, um Humorvolles, Skurriles aber auch Melancholisches sowie Aufrüttelndes zu entdecken. Da uns das Motiv nur allzu gut aus dem eigenen Alltag bekannt ist, bieten sich unzählige Anknüpfungspunkte, um tief in die Bilder einzutauchen und in einen empathischen Dialog mit den Dargestellten zu treten.

Die Arbeiten Jürgen Klaukes bilden im zweiten Obergeschoss einen Exkurs in die künstlerische Fotografie. Hier wird das Sitzmöbel – sorgsam inszeniert - zum eigenständigen Akteur im Bild und verweist nicht zuletzt auf grundlegende Fragen der menschlichen Existenz. Klaukes Werke schließen die inhaltliche Klammer der Schau, indem sie zeigen, welche Möglichkeiten das Medium der Fotografie eröffnet. Wenngleich alle präsentierten Arbeiten ein und dasselbe Motiv haben, könnte die Bandbreite der künstlerischen Inszenierungen nicht größer sein.

Avec près de 150 œuvres, la nouvelle présentation au Fotografie-Forum Monschau met l'accent sur un meuble particulier : le banc. Il fait partie intégrante de notre quotidien, nous le croisons dans les parcs, dans la rue, à la gare ou dans les salles d'attente. Les 28 artistes présentés dans l'exposition prouvent que les bancs sont le théâtre d'histoires très différentes. Partout dans le monde, ils ont immortalisé des personnes assises sur des bancs. Les genres photographiques sont tout aussi variés : outre la street photography classique, on trouve également des portraits de personnalités célèbres, comme Bob Dylan ou Marilyn Monroe, ainsi que des photographies mises en scène.

Ce n'est pas la première exposition monothématique du Forum de la photographie. L'année dernière déjà, l'exposition "The Jump" était consacrée au motif du saut dans la photographie. Les photographies des bancs présentent désormais des histoires uniques et indépendantes qui mettent au défi l'imagination des spectateurs. De nombreuses scènes représentées ne sont pas dénuées d'un certain humour, comme le souligne le Dr Nina Mika-Helfmeier, commissaire d'exposition et directrice du forum de la photographie : "De nombreux photographes représentés dans l'exposition aiment les scènes quotidiennes bizarres, dont il résulte un comique naturel et non forcé". Le travail de Barbara Klemm, Stuttgart 1972, réunit par exemple trois personnes dormant dans un parc et une sculpture antique à travers l'objectif photographique. Cette rencontre involontaire transmet la question de savoir laquelle des figures est en fait vivante et pourquoi une sorte d'étrange parenté peut être remarquée entre elles.

La photographie d'Elliott Erwitt, prise en marge d'une fête foraine en Californie, se distingue également par une certaine drôlerie : trois femmes seules sont réunies sur un banc, sous un panneau portant l'inscription "Lost Persons Area". Le regard perdu et interrogateur de certaines des protagonistes ne permet pas de savoir s'il s'agit d'un lieu de rassemblement pour les familles et les groupes divisés, ou si le panneau est un commentaire sur les femmes qui s'y trouvent et qui ont l'air plutôt perdues. Le banc fonctionne ici comme son propre microcosme dans l'espace public, où ont lieu des rencontres passionnantes, qui semblent parfois presque surréalistes.

La photo de Thomas Hoepker d'un homme âgé dans le parc Ritan à Pékin montre de manière impressionnante que le siège peut tout aussi bien faire office de lieu de recueillement intérieur. Il s'est installé confortablement sur un banc avec sa pipe. Il a même sorti son oiseau de sa petite cage et semble avoir avec lui un dialogue spirituel. Plongée dans une lumière particulièrement évocatrice par le soleil, la photographie dégage une incroyable sérénité. Mais elle soulève également des questions sur l'endroit où l'on peut encore trouver de telles oasis dans le monde trépidant d'aujourd'hui.

Le banc sert de point de départ à l'exposition pour découvrir des choses humoristiques, bizarres, mais aussi mélancoliques et bouleversantes. Comme ce motif ne nous est que trop familier dans notre propre quotidien, d'innombrables points d'ancrage s'offrent à nous pour nous plonger profondément dans les visuels et entamer un dialogue empathique avec les personnes représentées.

Au deuxième étage, les travaux de Jürgen Klauke constituent une digression dans la photographie artistique. Ici, le siège - soigneusement mis en scène - devient un acteur à part entière dans le visuel et renvoie notamment à des questions fondamentales de l'existence humaine. Les œuvres de Klauke ferment la parenthèse du contenu de l'exposition en montrant les possibilités offertes par le médium de la photographie. Bien que tous les travaux présentés aient un seul et même motif, l'éventail des mises en scène artistiques ne pourrait pas être plus large.

Con circa 150 opere, la nuova presentazione al Fotografie-Forum Monschau si concentra su un mobile speciale: la panchina. È impossibile immaginare la nostra vita quotidiana senza di essa, perché la incontriamo al parco, per strada, alla stazione o nella sala d'attesa. I 28 artisti presenti in mostra dimostrano che le panchine sono lo scenario di storie molto diverse. Hanno immortalato persone sedute su panchine di tutto il mondo. I generi fotografici formano un panorama altrettanto ampio: accanto alla classica fotografia di strada, sono allineate foto di ritratti di personaggi famosi, come Bob Dylan o Marilyn Monroe, e fotografie di scena.

Questa non è la prima mostra monotematica al Fotografie-Forum. L'anno scorso, la mostra "The Jump" era dedicata al motivo del salto in fotografia. Le fotografie delle panchine mostrano ora storie uniche e autonome che sfidano l'immaginazione dello spettatore. Molte delle scene rappresentate non sono prive di un certo umorismo, come sottolinea la curatrice e direttrice del Forum di Fotografia Nina Mika-Helfmeier: "Molti dei fotografi rappresentati nella mostra amano le scene quotidiane eccentriche, dalle quali emerge una comicità naturale e non forzata". L'opera Stuttgart 1972 di Barbara Klemm, ad esempio, mette insieme tre persone che dormono in un parco e una scultura antica attraverso l'obiettivo fotografico. Questo incontro involontario solleva la questione di quale delle figure sia effettivamente viva e perché si possa riconoscere una sorta di strana parentela tra loro.

Anche la fotografia di Elliott Erwitt, scattata ai margini di un luna park in California, affascina con una certa comicità: tre donne singole sono riunite su una panchina, in piedi sotto un cartello con la scritta "Lost Persons Area". A causa dello sguardo smarrito e interrogativo di alcune delle protagoniste, non è chiaro se questo si riferisca al punto d'incontro di famiglie e gruppi separati, o se il cartello possa essere inteso come un commento sulle donne dall'aria un po' smarrita lì riunite. La panchina funziona come un microcosmo nello spazio pubblico, in cui avvengono incontri emozionanti che a volte sembrano quasi surreali.

La fotografia di Thomas Hoepker che ritrae un anziano signore nel Parco Ritan di Pechino mostra in modo impressionante che la panchina può funzionare anche come luogo di contemplazione interiore. L'uomo si è messo comodo su una panchina del parco con la sua pipa. Ha persino tirato fuori il suo uccellino dalla gabbietta e sembra avere un dialogo mentale con lui. Bagnata dalla luce particolarmente atmosferica del sole, la fotografia irradia un incredibile senso di calma. Tuttavia, solleva anche domande su dove si possano ancora trovare tali oasi nel mondo frenetico di oggi.

La panchina serve come punto di partenza all'interno della mostra per scoprire cose umoristiche, bizzarre ma anche malinconiche e inquietanti. Poiché il motivo ci è fin troppo familiare nella vita di tutti i giorni, ci sono innumerevoli punti di riferimento per immergersi nelle immagini ed entrare in un dialogo empatico con le persone raffigurate.

Le opere di Jürgen Klauke al primo piano costituiscono un'escursione nella fotografia artistica. Qui, i mobili delle sedute - accuratamente messi in scena - diventano protagonisti indipendenti dell'immagine e rimandano, non da ultimo, a questioni fondamentali dell'esistenza umana. Le opere di Klauke chiudono la parentesi tematica della mostra dimostrando le possibilità aperte dal mezzo fotografico. Sebbene tutte le opere presentate abbiano lo stesso motivo, la gamma di allestimenti artistici non potrebbe essere più ampia.

With around 150 works, the new presentation at the Fotografie-Forum Monschau focuses on a special piece of furniture: the bench. It is impossible to imagine our everyday lives without it, as we encounter it in the park, on the street, in the train station or in the waiting room. The 28 artists featured in the exhibition prove that benches are the setting for very different stories. They have captured people sitting on benches all over the world. The photographic genres form an equally broad panorama: alongside classic street photography, portraits of famous personalities, such as Bob Dylan or Marilyn Monroe, and staged photographs line up next to each other.

This is not the first monothematic exhibition at the Fotografie-Forum. Last year, the show "The Jump" was already dedicated to the motif of the jump in photography. The photographs of the benches now show unique and self-contained stories that challenge the viewer's imagination. Many of the scenes depicted are not without a certain humor, as the curator and director of the Photography Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier points out: "Many of the photographers represented in the exhibition love quirky everyday scenes, from which a natural, unforced comedy emerges." Barbara Klemm's work Stuttgart 1972, for example, brings together three people sleeping in a park with an antique sculpture through the photographic lens. This unintentional encounter raises the question of which of the figures is actually alive and why a kind of strange kinship can be noticed between them.

Elliott Erwitt's photograph, taken at the edge of a funfair in California, also captivates with a certain comedy: three individual women are gathered on a bench, standing under a sign that reads "Lost Persons Area". Due to the lost and questioning gaze of some of the protagonists, it remains unclear whether this refers to the gathering point for separated families and groups, or whether the sign can be understood as a commentary on the rather lost-looking women gathered there. The bench functions here as its own microcosm in the public space, in which exciting encounters take place that sometimes seem almost surreal.

Thomas Hoepker's photograph of an elderly gentleman in Ritan Park in Beijing impressively shows that the bench can also function as a place of inner contemplation. He has made himself comfortable on a park bench with his pipe. He has even taken his bird out of its small cage and seems to be having a mental conversation with it. Bathed in particularly atmospheric light by the sun, the photograph radiates an incredible sense of calm. However, it also raises questions about where such oases can still be found in today's hectic world.

Within the exhibition, the bench serves as a starting point for discovering the humorous, the bizarre, but also the melancholy and the uplifting. As we are all too familiar with the motif from our own everyday lives, there are countless points of reference to immerse ourselves in the visuals and enter into an empathetic dialog with the people depicted.

Jürgen Klauke's works on the second floor form an excursion into artistic photography. Here, the seating furniture - carefully staged - becomes an independent protagonist in the visuals and refers not least to fundamental questions of human existence. Klauke's works close the thematic bracket of the show by demonstrating the possibilities opened up by the medium of photography. Although all the works presented have one and the same motif, the range of artistic stagings could not be greater.

(Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen, Monschau)

sankasten - temporärer Ausstellungsraum in den Meisterhöfen | München
19. April – 31. Mai 2024

Fotografie und Skulptur
Christian Hinz

Längst hat man sich in München an den Anblick des vollkommen sanierten Gärtnerplatztheaters gewöhnt. Aber kaum einer hat jemals Einblick in die spektakuläre Baustelle hinter dem Bauzaun gehabt. Für den Betrachter ist fast nicht auszumachen, dass die Fotografie des Künstlers Christian Hinz mit dem Titel „Masterpiece next door, Gärtnerplatztheater” von 2023, eine Ansicht der Baustelle des Theaters ist.

In seinen Fotografien richtet Christian Hinz sein Augenmerk auf Architekturen in der Stadt die ganz oder bis auf die Grundmauern abgerissen werden, um später umgebaut oder saniert zu werden. In der Phase des Abrisses von Gebäuden gibt es einen kurzen Moment der Verwandlung einer Architektur hin zum Wiederaufbau oder zur vollständigen Auslöschung. In diesem Moment ist Christian Hinz mit der Kamera vor Ort. Dabei liegt der Reiz der Baustellenfotos zum einen in der Dokumentation des unwiederbringlichen Augenblicks. Zum anderen in der ungewöhnlichen Perspektive. Denn die Fotografien sind aus vielen Einzelaufnahmen zu einem einzigen Foto zusammengefügt, wodurch die Schärfe und Detailgenauigkeit in jeder Aufnahme besonders hoch ist. Hierdurch bekommt der Betrachter den Eindruck, er selbst würde direkt vor Ort stehen und in die Baustelle schauen. So besteht die Fotografie „Masterpiece next door, Gärtnerplatztheater” aus rund 150 Einzelaufnahmen die in einer digitalen Fotomontage aneinandergefügt wurden.

Depuis longtemps, on s'est habitué à Munich à la vue du Gärtnerplatztheater entièrement rénové. Mais presque personne n'a jamais eu un aperçu du spectaculaire chantier derrière la clôture de construction. Pour l'observateur, il est presque impossible de savoir que la photographie de l'artiste Christian Hinz, intitulée "Masterpiece next door, Gärtnerplatztheater" et datant de 2023, est une vue du chantier du théâtre.

Dans ses photographies, Christian Hinz porte son attention sur des architectures urbaines qui sont démolies dans leur intégralité ou jusqu'aux fondations, afin d'être transformées ou réhabilitées ultérieurement. Lors de la phase de démolition des bâtiments, il y a un bref moment de transformation d'une architecture vers la reconstruction ou l'effacement complet. C'est à ce moment-là que Christian Hinz se rend sur place avec sa caméra. Dans ce contexte, l'intérêt des photos de chantier réside d'une part dans la documentation de l'instant irrécupérable. D'autre part, dans la perspective inhabituelle. En effet, les photographies ont été assemblées à partir de nombreuses prises de vue individuelles pour n'en former qu'une seule, ce qui rend la netteté et la précision des détails particulièrement élevées dans chaque prise de vue. Cela donne à l'observateur l'impression qu'il se trouve lui-même directement sur place et qu'il regarde le chantier. Ainsi, la photographie "Masterpiece next door, Gärtnerplatztheater" se compose d'environ 150 prises de vue individuelles qui ont été assemblées dans un photomontage numérique.

Gli abitanti di Monaco si sono abituati da tempo alla vista del Gärtnerplatztheater, completamente rinnovato. Ma quasi nessuno ha mai intravisto lo spettacolare cantiere dietro la recinzione. Per l'osservatore è quasi impossibile capire che la fotografia dell'artista Christian Hinz intitolata "Masterpiece next door, Gärtnerplatztheater" del 2023 è una vista del cantiere del teatro.

Nelle sue fotografie, Christian Hinz concentra la sua attenzione sull'architettura della città che viene demolita completamente o fino alle fondamenta per essere ricostruita o ristrutturata in seguito. Durante la fase di demolizione degli edifici, c'è un breve momento di trasformazione di un'architettura verso la ricostruzione o la completa cancellazione. In questo momento, Christian Hinz è sul posto con la sua macchina fotografica. Il fascino delle foto di cantiere risiede da un lato nella documentazione di un momento irrecuperabile. Dall'altro, la prospettiva insolita. Questo perché le fotografie sono state raccolte da molti scatti singoli in un'unica foto, il che significa che la nitidezza e i dettagli di ogni scatto sono particolarmente elevati. Questo dà all'osservatore l'impressione di trovarsi direttamente sul posto e di guardare il cantiere. La fotografia "Masterpiece next door, Gärtnerplatztheater" è composta da circa 150 scatti singoli che sono stati riuniti in un fotomontaggio digitale.

People in Munich have long since become accustomed to the sight of the completely renovated Gärtnerplatztheater. But hardly anyone has ever had a glimpse of the spectacular building site behind the construction fence. For the viewer, it is almost impossible to tell that the photograph by artist Christian Hinz entitled "Masterpiece next door, Gärtnerplatztheater" from 2023 is a view of the theater's construction site.

In his photographs, Christian Hinz focuses his attention on architecture in the city that is being demolished completely or down to the foundation walls in order to be rebuilt or renovated later. In the demolition phase of buildings, there is a brief moment of transformation of an architecture towards reconstruction or complete obliteration. At this moment, Christian Hinz is on location with his camera. The appeal of the construction site photos lies on the one hand in the documentation of the irretrievable moment. On the other hand, the unusual perspective. This is because the photographs are compiled from many individual shots into a single photo, which means that the sharpness and level of detail in each shot is particularly high. This gives the viewer the impression that they are standing directly on site and looking into the construction site. The photograph "Masterpiece next door, Gärtnerplatztheater" consists of around 150 individual shots that have been put together in a digital photomontage.

(Text: Christian Hinz, München)

Leica Galerie Konstanz
20. April - 13. Juli 2024

Made in Berlin
Markus C. Hurek

Es braucht eigentlich nur den richtigen Moment und das passende Licht. Was so kinderleicht klingt, hat Markus C. Hurek zu seiner Leidenschaft gemacht: In dem Moment auf den Auslöser zu drücken, in dem Menschen im Licht stehen, im wörtlichen wie im übertragenen Sinne.

Der Politikjournalist, der seit fast 25 Jahren für Zeitungen und Zeitschriften tätig ist, hat stets eine Kamera dabei. Hurek berichtet aus dem Bundestag, begleitet Politiker und besucht Wahlabende, er fotografiert auf Bundesversammlungen, Empfängen und Partys.

In der Tradition der klassischen Reportagefotografie arbeitet er dabei in schwarz-weiß und nutzt stets das vorhandene Licht, das er zumeist mit einer kleinen, diskreten Kamera einfängt. Der bewusste Verzicht auf Farbe unterstreicht die Zeitlosigkeit des jeweiligen Moments. Für Hurek ist das erklärtermaßen Anspruch und Ausdrucksform. Mit seinem Gespür für den Augenblick und das Geschehen am Rand schafft er in einzelnen Aufnahmen Moment-Reportagen großer Ereignisse.

Die Ausstellung „Made in Berlin“ in der Leica Galerie Konstanz zeigt einen typischen Ausschnitt der Arbeiten des Berliners: Es sind zum einen Ansichten seiner Heimatstadt, stark geprägt vom dokumentarischen Ansatz des Journalisten. Des Weiteren Szenen aus dem politischen Berlin, deren scheinbare Beiläufigkeit charakteristisch ist für die beobachtende Position des Fotografen. Bei seinen Porträts schließlich zeigt Hurek die Menschen hinter ihrer Funktion und Prominenz. Dabei verzichtet er auf jede Form der Inszenierung.

Il suffit en fait du bon moment et de la bonne lumière. Markus C. Hurek a fait de ce qui semble être un jeu d'enfant sa passion : Appuyer sur le déclencheur au moment où les gens sont dans la lumière, au sens propre comme au sens figuré.

Le journaliste politique, qui travaille depuis près de 25 ans pour des journaux et des magazines, a toujours un appareil photo avec lui. Hurek fait des reportages depuis le Bundestag, accompagne des politiciens et assiste à des soirées électorales, il prend des photos lors d'assemblées fédérales, de réceptions et de soirées.

Dans la tradition de la photographie de reportage classique, il travaille en noir et blanc et utilise toujours la lumière disponible, qu'il capte le plus souvent avec un petit appareil photo discret. Le fait de renoncer délibérément à la couleur souligne l'intemporalité de chaque moment. Pour Hurek, c'est à la fois une exigence et une forme d'expression. Avec son sens de l'instant et de ce qui se passe en marge, il crée des reportages instantanés de grands événements en quelques clichés.

L'exposition "Made in Berlin" à la Leica Galerie de Constance présente un extrait typique des travaux du Berlinois : il s'agit d'une part de vues de sa ville natale, fortement marquées par l'approche documentaire du journaliste. D'autre part, des scènes du Berlin politique, dont l'apparente désinvolture est caractéristique de la position d'observation du photographe. Enfin, dans ses portraits, Hurek montre les personnes derrière leur fonction et leur célébrité. Ce faisant, il renonce à toute forme de mise en scène.

Tutto ciò che serve è il momento giusto e la luce giusta. Markus C. Hurek ha trasformato ciò che sembra così semplice nella sua passione: Premere il pulsante di scatto nel momento in cui le persone sono in luce, sia letteralmente che figurativamente.

Il giornalista politico, che lavora per giornali e riviste da quasi 25 anni, ha sempre con sé una macchina fotografica. Hurek fa reportage dal Bundestag, accompagna i politici e partecipa alle serate elettorali, fotografa le assemblee federali, i ricevimenti e le feste.

Nella tradizione della classica fotografia di reportage, lavora in bianco e nero e utilizza sempre la luce disponibile, che di solito cattura con una macchina fotografica piccola e discreta. La deliberata rinuncia al colore sottolinea l'atemporalità del momento. Per Hurek, questa è un'aspirazione e una forma di espressione dichiarata. Con la sua sensibilità per il momento e per ciò che accade alla periferia, crea reportage momentanei di eventi importanti in singoli scatti.

La mostra "Made in Berlin" alla Leica Gallery di Costanza presenta una selezione tipica del lavoro del fotografo berlinese: da un lato, ci sono le vedute della sua città natale, fortemente caratterizzate dall'approccio documentaristico del giornalista. In secondo luogo, scene della Berlino politica, la cui apparente casualità è caratteristica della posizione osservativa del fotografo. Infine, nei suoi ritratti, Hurek mostra le persone dietro la loro funzione e celebrità. Nel farlo, si astiene da qualsiasi forma di messa in scena.

All you really need is the right moment and the right light. Markus C. Hurek has turned what sounds so simple into his passion: Pressing the shutter button at the moment when people are in the light, both literally and figuratively.

The political journalist, who has been working for newspapers and magazines for almost 25 years, always has a camera with him. Hurek reports from the Bundestag, accompanies politicians and attends election evenings, he takes photos at federal assemblies, receptions and parties.

In the tradition of classic reportage photography, he works in black and white and always uses the available light, which he usually captures with a small, discreet camera. The deliberate renunciation of color underlines the timelessness of the respective moment. For Hurek, this is a declared aspiration and form of expression. With his feel for the moment and what is happening on the sidelines, he creates momentary reports of major events in individual shots.

The "Made in Berlin" exhibition at the Leica Gallery in Constance shows a typical selection of the Berlin-based photographer's work: on the one hand, there are views of his home city, strongly influenced by the journalist's documentary approach. Secondly, scenes from political Berlin, whose apparent casualness is characteristic of the photographer's observational position. Finally, in his portraits, Hurek shows the people behind their function and celebrity. In doing so, he refrains from any form of staging.

(Text: Leica Galerie Konstanz)

CAMERA WORK | Berlin
20. April – 1. Juni 2024

Hawai‘i
Olaf Heine

Der Fotograf Olaf Heine ist ein Essayist unserer Zeit, dessen Oeuvre von tiefgründig komponierter Narration bestimmt ist. Dazu zählen auch seine Betrachtungen der Inselkette Hawai‘i, die der international renommierte Künstler in einer nie dagewesenen Vielfalt seit vielen Jahren fotografisch beschreibt. Dabei erfasst er den Ozean als Architekten jener acht Inseln, der auch den Lebensrhythmus seiner Bewohner definiert. Die Komplexität dieses Zusammenspiels wird in Heines Arbeiten deutlich; sie berührt neben kraftvoller Naturfotografie zudem gesellschaftsrelevante Aspekte, und es erwächst eine ganzheitliche Betrachtung Hawai‘is. Tradition und Alltag sowie unberührt anmutende Natur und menschliche Einflussnahme werden als allgegenwärtige Kontraste reflektierbar und durch Heines klare Bildsprache geeint. Mit der Serie »Hawai‘i« hat der Künstler eine Allegorie des dortigen Lebensgefühls geschaffen.

Olaf Heine (*1968) ist international bekannt für seine hintergründig und detailreich konzipierten Porträts von Kunstschaffenden und Sportlern sowie für eindrucksvolle Architektur- und Landschaftsfotografie. Nach einer Ausbildung zum Fotografen und Kommunikationsdesigner am renommierten Berliner Lette Verein, gelingt ihm mit dem Umzug nach Los Angeles in den späten 1990er Jahren der internationale Durchbruch. Seit dieser Zeit entstanden weltberühmte Porträts von Persönlichkeiten wie Cate Blanchett, Nick Cave, Kurt Cobain, Coldplay, The Eagles und U2. Olaf Heine etablierte sich zudem als Regisseur für preisgekrönte Musikvideos, Kurz- und Werbefilme und prägte die Bildsprache vieler Bands entscheidend mit. Seine fotografischen Arbeiten wurden auf zahlreichen Album- und Zeitschriftencovern sowie in sechs Fotobüchern veröffentlicht: »Leaving the Comfort Zone« (2008), »I Love You But I've Chosen Rock« (2011), »Brazil« (2014, 2024), »Rwandan Daughters« (2019), »Human Conditions« (2022) und »Hawai‘i« (2024) – und sind Teil renommierter privater und öffentlicher Sammlungen. Olaf Heine lebt und arbeitet derzeit zwischen Berlin und Los Angeles.

Le photographe Olaf Heine est un essayiste de notre temps dont l'œuvre est déterminée par une narration profondément composée. En font partie ses réflexions sur le chapelet d'îles d'Hawaï, que l'artiste de renommée internationale décrit depuis de nombreuses années par la photographie dans une diversité sans précédent. Il saisit l'océan comme l'architecte de ces huit îles, qui définit également le rythme de vie de ses habitants. La complexité de cette interaction apparaît clairement dans les travaux de Heine ; outre la photographie puissante de la nature, elle touche également à des aspects sociétaux, et il en résulte une vision globale de Hawai'i. La tradition et le quotidien ainsi que la nature intacte et l'influence humaine sont reflétés comme des contrastes omniprésents et unis par le langage visuel clair de Heine. Avec la série "Hawai'i", l'artiste a créé une allégorie du mode de vie local.

Olaf Heine (*1968) est connu internationalement pour ses portraits d'artistes et de sportifs, conçus avec profondeur et détails, ainsi que pour ses impressionnantes photographies d'architecture et de paysages. Après une formation de photographe et de designer en communication au célèbre Lette Verein de Berlin, il réussit à percer sur la scène internationale en s'installant à Los Angeles à la fin des années 1990. Depuis cette époque, il a réalisé des portraits mondialement connus de personnalités telles que Cate Blanchett, Nick Cave, Kurt Cobain, Coldplay, The Eagles et U2. Olaf Heine s'est également établi comme réalisateur de clips musicaux, de courts-métrages et de films publicitaires primés et a contribué de manière décisive à façonner le langage visuel de nombreux groupes. Ses travaux photographiques ont été publiés sur de nombreuses couvertures d'albums et de magazines ainsi que dans six livres de photos : "Leaving the Comfort Zone" (2008), "I Love You But I've Chosen Rock" (2011), "Brazil" (2014, 2024), "Rwandan Daughters" (2019), "Human Conditions" (2022) et "Hawai'i" (2024) - et font partie de collections privées et publiques renommées. Olaf Heine vit et travaille actuellement entre Berlin et Los Angeles.

Il fotografo Olaf Heine è un saggista del nostro tempo la cui opera è caratterizzata da una narrazione profondamente composta. Tra queste vi sono le sue osservazioni sulla catena di isole Hawai'i, che l'artista di fama internazionale descrive fotograficamente in una diversità senza precedenti da molti anni. Nel farlo, cattura l'oceano come architetto di queste otto isole, che definisce anche il ritmo di vita dei suoi abitanti. La complessità di questa interazione diventa chiara nel lavoro di Heine; oltre alla potente fotografia naturalistica, tocca anche aspetti socialmente rilevanti ed emerge una visione olistica delle Hawaii. La tradizione e la vita quotidiana, la natura apparentemente incontaminata e l'influenza dell'uomo sono riflessi come contrasti onnipresenti e unificati dal chiaro linguaggio visivo di Heine. Con la serie "Hawai'i", l'artista ha creato un'allegoria dell'atteggiamento locale nei confronti della vita.

Olaf Heine (*1968) è noto a livello internazionale per i suoi ritratti enigmatici e dettagliati di artisti e atleti e per le sue impressionanti fotografie di architettura e paesaggio. Dopo essersi formato come fotografo e designer della comunicazione presso il rinomato Lette Verein di Berlino, ha fatto il suo ingresso a livello internazionale quando si è trasferito a Los Angeles alla fine degli anni Novanta. Da allora ha realizzato ritratti di fama mondiale di personalità come Cate Blanchett, Nick Cave, Kurt Cobain, Coldplay, Eagles e U2. Olaf Heine si è anche affermato come regista di pluripremiati video musicali, cortometraggi e film pubblicitari e ha svolto un ruolo decisivo nel plasmare il linguaggio visivo di molte band. Le sue opere fotografiche sono state pubblicate su numerose copertine di album e riviste e in sei libri fotografici: "Leaving the Comfort Zone" (2008), "I Love You But I've Chosen Rock" (2011), "Brazil" (2014, 2024), "Rwandan Daughters" (2019), "Human Conditions" (2022) e "Hawai'i" (2024) - e fanno parte di rinomate collezioni private e pubbliche. Olaf Heine vive e lavora attualmente tra Berlino e Los Angeles.

The photographer Olaf Heine is an essayist of our time whose oeuvre is characterized by profoundly composed narration. This includes his observations of the Hawai‘i island chain, which the internationally renowned artist has been photographically describing for many years in unprecedented variety. He captures the ocean as the architect of those eight islands, which also defines the rhythm of life of its inhabitants. The complexity of this interplay becomes clear in Heine's work. In addition to powerful nature photography, it also touches on socially relevant aspects, from which emerges a holistic view of Hawai‘i. Tradition and everyday life as well as seemingly untouched nature and human influence are reflected as omnipresent contrasts and unified by Heine's clear visual language. With the »Hawai’i« series, the artist has created an allegory of the local attitude to life.

Olaf Heine (*1968) is internationally renowned for his enigmatic and detailed portraits of artists and athletes as well as his impressive architecture and landscape photography. Aler studying photography and communication design at the renowned Lene Verein in Berlin, he made his international breakthrough when he moved to Los Angeles in the late 1990s. Since then, he has created world-famous portraits of personalities such as Cate Blanche, Nick Cave, Kurt Cobain, Coldplay, The Eagles, and U2. Olaf Heine also established himself as a director for award-winning music videos, short films, and commercials and played a decisive role in shaping the visual language of many bands. His photographic works have been published on numerous album and magazine covers as well as in six photo books: »Leaving the Comfort Zone« (2008), »I Love You But I've Chosen Rock« (2011), »Brazil« (2014, 2024), »Rwandan Daughters« (2019), »Human Conditions« (2022), and »Hawai‘i« (2024) — and are part of renowned private and public collections. Olaf Heine currently lives and works between Berlin and Los Angeles.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
20. April – 1. Juni 2024

Misr — mon Égypte
Denis Dailleux

Die Ägypten-Porträts des vielfach ausgezeichneten französischen Fotografen Denis Dailleux zeichnen sich durch eine einzigartige Hingabe und Empathie aus. Dailleux nähert sich den Menschen und Orten, die er fotografiert, mit großer Diskretion, in der Hoffnung, dass sie sich ihm öffnen mögen, ohne es von ihnen zu erwarten. Das Ergebnis sind malerische, manchmal fast biblisch anmutende Fotografien, die Ort und Zeit transzendieren.

„Das Ägypten des Denis Dailleux entpuppt sich als (…) ein Ort, der das Ewige und das Unaussprechliche birgt“. Christian Lacroix

"Das fotografische Werk von Denis Dailleux ist von einer außerordentlichen Zartheit durchdrungen, erscheint an der Oberfläche ruhig, ist aber unglaublich anspruchsvoll, durchdrungen von Selbstzweifeln und geprägt von der persönlichen Verbundenheit mit den Porträtierten". Christian Caujolle, Gründer der Agentur VU

Denis Dailleux wurde 1958 im französischen Angers geboren. Er hat mehrere Bücher über Ägypten (insbesondere Kairo), seine Eindrücke vom „Arabischen Frühling“ und über Ghana veröffentlicht. Dailleux hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den Monographies Award 1997, den World Press Photo Award in der Kategorie Porträt 2000, den Prix Hasselblad 2000, den Fujifilm Award 2001, den World Press Photo Award 2014 sowie den Prix Roger Pic 2019. Er ist Mitglied der Agence VU und lebt derzeit in Paris.

Seine Arbeiten sind in zahlreichen institutionellen und privaten Sammlungen vertreten, u.a. in der Collection privée Agnès B., beim Fond National dʼArt Contemporain, in der Maison Européenne de la Photographie und der Collection Neuflize Vie.

Les portraits égyptiens du photographe français Denis Dailleux, maintes fois primé, se distinguent par un dévouement et une empathie unique. Dailleux s'approche des personnes et des lieux qu'il photographie avec une grande discrétion, dans l'espoir qu'ils s'ouvrent à lui sans l'attendre d'eux. Il en résulte des photographies pittoresques, parfois presque bibliques, qui transcendent le lieu et le temps.

"L'Egypte de Denis Dailleux se révèle être (...) un lieu qui recèle l'éternel et l'inexprimable". Christian Lacroix

"L'œuvre photographique de Denis Dailleux est imprégnée d'une extraordinaire délicatesse, elle paraît calme en surface, mais elle est incroyablement exigeante, traversée par le doute de soi et marquée par l'attachement personnel aux sujets". Christian Caujolle, fondateur de l'agence VU

Denis Dailleux est né en 1958 à Angers, en France. Il a publié plusieurs livres sur l'Egypte (en particulier sur Le Caire), sur ses impressions du "printemps arabe" et sur le Ghana. Dailleux a reçu de nombreux prix internationaux, dont le Monographies Award 1997, le World Press Photo Award dans la catégorie Portrait 2000, le Prix Hasselblad 2000, le Fujifilm Award 2001, le World Press Photo Award 2014 et le Prix Roger Pic 2019. Il est membre de l'Agence VU et vit actuellement à Paris.

Son travail est présent dans de nombreuses collections institutionnelles et privées, notamment à la Collection privée Agnès B., au Fond National dʼArt Contemporain, à la Maison Européenne de la Photographie et à la Collection Neuflize Vie.

I ritratti dell'Egitto del pluripremiato fotografo francese Denis Dailleux sono caratterizzati da una dedizione e un'empatia uniche. Dailleux si avvicina alle persone e ai luoghi che fotografa con grande discrezione, nella speranza che si aprano a lui senza aspettarselo. Il risultato sono fotografie pittoresche, a volte quasi bibliche, che trascendono il tempo e il luogo.

"L'Egitto di Denis Dailleux si rivela (...) un luogo che ospita l'eterno e l'inesprimibile". Christian Lacroix

"Il lavoro fotografico di Denis Dailleux è intriso di una straordinaria delicatezza, appare tranquillo in superficie, ma è incredibilmente sofisticato, impregnato di dubbi su sé stesso e caratterizzato da un legame personale con le persone ritratte". Christian Caujolle, fondatore dell'agenzia VU

Denis Dailleux è nato ad Angers, in Francia, nel 1958. Ha pubblicato diversi libri sull'Egitto (in particolare sul Cairo), le sue impressioni sulla "primavera araba" e sul Ghana. Dailleux ha ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il Monographies Award nel 1997, il World Press Photo Award nella categoria ritratti nel 2000, il Prix Hasselblad nel 2000, il Fujifilm Award nel 2001, il World Press Photo Award nel 2014 e il Prix Roger Pic nel 2019. È membro dell'Agence VU e attualmente vive a Parigi.

Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni istituzionali e private, tra cui la Collection privée Agnès B., il Fond National dʼArt Contemporain, la Maison Européenne de la Photographie e la Collection Neuflize Vie.

The portraits of Egypt by acclaimed French photographer Denis Dailleux are characterised by a unique dedication and empathy. Dailleux approaches the people and places he photographs with great discretion, hoping that they will open up to him without expecting them to. The result is a collection of painterly photographs that transcend time and place.

"The Egypt of Denis Dailleux reveals itself as (...) a place that harbors the eternal and the ineffable." Christian Lacroix

"Imbued with his distinctive delicacy, Denis Dailleux’s photographic work appears calm on the surface, yet is incredibly demanding, run through by an undercurrent of constant self-doubt and propelled by the essential personal bond he develops with those (and that which) he frames with his camera." Christian Caujolle, founder of Agence VU

Denis Dailleux was born in 1958 in Angers, France. He has published several books on Egypt (particularly Cairo), his impressions of the "Arab Spring," and Ghana. Dailleux has received numerous international awards, including the Monographies Award in 1997, the World Press Photo Award in the Portrait category in 2000, the Hasselblad Award in 2000, the Fujifilm Award in 2001, and the World Press Photo Award in 2014 in the Staged Portraits category (2nd place), and the Prix Roger Pic in 2019. He is a member of the Agence VU and currently lives in Paris.

His work is part of numerous institutional and private collections, including the Agnès B. private collection, the Fond National d'Art Contemporain, the Maison Européenne de la Photographie, and the Neuflize Vie collection.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
24. April – 11. August 2024

Alice Springs. Retrospektive

Die Ausstellung ist ein Partnerprojekt der internationalen Triennale der Fotografie RAY.

Anlässlich des 1 00. Geburtstags von June Newton alias Alice Springs im letzten Jahr wurden über 200 Fotografien von der Helmut Newton Foundation in Berlin neu zusammengetragen. Diese teilweise spektakulären Ergebnisse werden in den Opelvillen vorgestellt.

Unter dem Pseudonym Alice Springs arbeitete June Newton (1923-2021) seit 1970 als Fotografin. Am Anfang des eigenen Oeuvres stand eine Grippe ihres Mannes Helmut Newtons. Danach entstanden zahlreiche Porträts, Menschenbilder voller Empathie, die bis heute die für Alice Springs so charakteristische Mischung aus Einfühlung und Neugierde auf ihre Zeitgenossen transportieren.

In Kooperation mit der Helmut Newton Foundation, Berlin. Im Anschluss wird die Ausstellung vom 15. September 2024 bis 2. Februar 2025 im Stiftung Museum Schloss Moyland zu sehen sein.

À l'occasion du 100e anniversaire de June Newton, alias Alice Springs, l'année dernière, plus de 200 photographies ont été réassemblées par la Helmut Newton Foundation à Berlin. Ces résultats, parfois spectaculaires, sont présentés dans les Opelvillen.

Sous le pseudonyme d'Alice Springs, June Newton (1923-2021) a travaillé comme photographe depuis 1970. Au début de sa propre œuvre, elle a été victime de la grippe de son mari Helmut Newton. Elle a ensuite réalisé de nombreux portraits, des images humaines pleines d'empathie qui véhiculent encore aujourd'hui le mélange d'empathie et de curiosité envers ses contemporains si caractéristique d'Alice Springs.

En coopération avec la Helmut Newton Foundation, Berlin. L'exposition sera ensuite présentée du 15 septembre 2024 au 2 février 2025 à la fondation Museum Schloss Moyland.

L'exposition est un projet partenaire de la Triennale internationale de la photographie RAY.

In occasione del centesimo compleanno di June Newton, alias Alice Springs, lo scorso anno, la Fondazione Helmut Newton di Berlino ha raccolto oltre 200 nuove fotografie. Questi risultati, alcuni dei quali spettacolari, saranno presentati all'Opelvillen.

June Newton (1923-2021) ha lavorato come fotografa con lo pseudonimo di Alice Springs a partire dal 1970. La sua opera personale è iniziata quando il marito Helmut Newton si è ammalato di influenza. In seguito, ha creato numerosi ritratti, immagini di persone piene di empatia, che ancora oggi trasmettono la caratteristica miscela di empatia e curiosità di Alice Springs nei confronti dei suoi contemporanei.

In collaborazione con la Fondazione Helmut Newton di Berlino. La mostra sarà poi esposta alla Fondazione Museum Schloss Moyland dal 15 settembre 2024 al 2 febbraio 2025.

La mostra è un progetto partner della triennale internazionale di fotografia RAY.

To mark the 100th birthday of June Newton, alias Alice Springs, last year, the Helmut Newton Foundation in Berlin has compiled over 200 new photographs. These results, some of which are spectacular, will be presented in the Opelvillen.

June Newton (1923-2021) worked as a photographer under the pseudonym Alice Springs from 1970 onwards. Her own oeuvre began when her husband Helmut Newton caught the flu. After that, she produced numerous portraits, images of people full of empathy, which still convey Alice Springs' characteristic mixture of empathy and curiosity about her contemporaries.

In cooperation with the Helmut Newton Foundation, Berlin. The exhibition will then be on display at the Museum Schloss Moyland Foundation from September 15, 2024 to February 2, 2025.

The exhibition is a partner project of the international photography triennial RAY.

(Text: Openvillen, Rüsselheim)

Visulex Gallery for Photography | Hamburg-Eppendorf
25. April - 22. Mai 2024

Volker Hinz - Backstage mit Yves und Karl

Die Ausstellung “Backstage mit Yves und Karl” präsentiert eine faszinierende Auswahl an Fotografien aus dem umfangreichen Archiv des renommierten Hamburger Stern-Fotografen Volker Hinz (1947–2019), die zwischen den 1970er und 1990er Jahren entstanden sind. Tauchen Sie ein in die glamouröse Welt der Mode, der Couturiers und Supermodels, und werfen Sie einen Blick hinter die Kulissen von Modenschauen sowie in die Ateliers der bedeutendsten Designer ihrer Ära – insbesondere in Paris.

Dank seines Tickets als Stern-Fotograf hatte Volker Hinz Zugang zu Bereichen, die normalen Fotojournalisten verschlossen blieben. Schwerpunkt der Ausstellung sind die Backstage Aufnahmen mit Yves Saint Laurent und Karl Lagerfeld, aber auch Motive im privaten Umfeld der Designer. Diese Bilder gewähren uns einen Blick hinter die Kulissen der Haute-Couture-Szene und zeigen die Modeschöpfer mal privat, ganz »ungeschminkt«, aber auch in ihrer Funktion als Kunstfiguren. Volker Hinz beobachtete viele der legendären Designer seiner Zeit. Seinem Stil treu bleibend, ließ er sich von der glitzernden Model- und Modewelt nicht beeindrucken und schaffte es, sehr persönliche, unverstellte Momente festzuhalten. Von besonderem Wert sind diese letzten, von Volker Hinz eigenhändig signierten, monochromen Vintage-Abzügen, die den kulturellen Zeitgeist einer prägenden Epoche in der Modewelt einfangen.

L'exposition "Backstage mit Yves und Karl" présente une sélection fascinante de photographies issues des vastes archives du célèbre photographe hambourgeois du stern, Volker Hinz (1947-2019), prises entre les années 1970 et 1990. Plongez dans le monde glamour de la mode, des couturiers et des supermodels, et jetez un coup d'œil dans les coulisses des défilés de mode ainsi que dans les ateliers des plus grands créateurs de leur époque - notamment à Paris.

Grâce à son ticket de photographe du magazine Stern, Volker Hinz a eu accès à des domaines auxquels les photojournalistes ordinaires n'ont pas accès. L'exposition met l'accent sur les photos des coulisses avec Yves Saint Laurent et Karl Lagerfeld, mais aussi sur des motifs dans l'environnement privé des designers. Ces visuels nous permettent de jeter un coup d'œil dans les coulisses de la scène de la haute couture et montrent les créateurs de mode en privé, sans fard, mais aussi dans leur fonction de personnages artistiques. Volker Hinz a observé de nombreux créateurs légendaires de son époque. Fidèle à son style, il ne s'est pas laissé impressionner par le monde scintillant du mannequinat et de la mode et a réussi à immortaliser des moments très personnels, sans fard. Ces derniers tirages vintage monochromes, signés de la main de Volker Hinz, sont d'une valeur particulière et capturent l'esprit culturel d'une époque marquante dans le monde de la mode.

La mostra "Backstage with Yves and Karl" presenta un'affascinante selezione di fotografie tratte dal vasto archivio del famoso fotografo di Amburgo Volker Hinz (1947-2019), scattate tra gli anni Settanta e Novanta. Immergetevi nel mondo glamour della moda, dei couturier e delle top model, e date un'occhiata dietro le quinte delle sfilate e negli studi dei più importanti stilisti dell'epoca, soprattutto a Parigi.

Grazie al suo biglietto da visita come fotografo Stern, Volker Hinz aveva accesso a zone che rimanevano chiuse ai normali fotoreporter. La mostra si concentra sugli scatti del backstage con Yves Saint Laurent e Karl Lagerfeld, ma include anche motivi negli ambienti privati degli stilisti. Queste immagini ci danno uno sguardo dietro le quinte della scena dell'alta moda e mostrano gli stilisti in privato, completamente "disadorni", ma anche nella loro funzione di figure artistiche. Volker Hinz ha osservato molti dei leggendari stilisti del suo tempo. Rimanendo fedele al suo stile, non si è lasciato impressionare dallo sfavillante mondo della moda e della modellistica ed è riuscito a catturare momenti molto personali e candidi. Queste ultime stampe vintage monocromatiche, firmate dallo stesso Volker Hinz, sono di particolare valore e catturano lo zeitgeist culturale di un'epoca formativa del mondo della moda.

The exhibition "Backstage with Yves and Karl" presents a fascinating selection of photographs from the extensive archive of the renowned Hamburg stern photographer Volker Hinz (1947-2019), taken between the 1970s and 1990s. Immerse yourself in the glamorous world of fashion, couturiers and supermodels, and take a look behind the scenes of fashion shows and into the studios of the most important designers of their era - especially in Paris.

Thanks to his ticket as a Stern photographer, Volker Hinz had access to areas that remained closed to normal photojournalists. The exhibition focuses on the backstage shots with Yves Saint Laurent and Karl Lagerfeld, but also includes motifs in the designers' private surroundings. These visuals give us a look behind the scenes of the haute couture scene and show the fashion designers sometimes in private, completely "unadorned", but also in their function as art figures. Volker Hinz observed many of the legendary designers of his time. Remaining true to his style, he was not impressed by the glittering world of models and fashion and managed to capture very personal, candid moments. These last monochrome vintage prints, signed by Volker Hinz himself, are of particular value, capturing the cultural zeitgeist of a formative era in the fashion world.

(Text: Visulex Gallery for Photography, Hamburg-Eppendorf)

Fotografiska Berlin
26. April – 18. August 2024

Un/Masked
Elizaveta Porodina

Mit der Ausstellung Un/Masked gewährt die Künstlerin Elizaveta Porodina uns den Blick hinter unsere Masken und hält uns damit den Spiegel vor. Ihre abstrakten und surrealistischen Fotografien reflektieren im Zusammenspiel von Licht, Farbe und Schatten auch ihre innere Welt.

Die in Moskau geborene und in München lebende Künstler kam als Jugendliche als sogenannter „jüdischer Kontingentflüchtling“ nach Deutschland. Sie fühlte sich entwurzelt und ausgeschlossen. Inspiriert von den Werken von Henri Matisse, Pierre-Auguste Renoir, Mikhail Vrubel und Pablo Picasso wurde die Malerei zu ihrem Ventil. Sie mischte starke Farben mit ausdrucksstarken Gesichtern. Diesem Stil ist sie bis heute treu geblieben. Ihre Motive entstehen nicht mehr mit dem Pinsel, sondern am Set durch sorgfältig arrangierte Kulissen und kunstvolle Beleuchtung.

In Un/Masked lädt Porodina uns ein, über die menschliche Natur nachzudenken. Als studierte klinische Psychologin, interessiert sie sich für von Emotionen geleitetes Verhalten. Ihre Kunst versteht sie als Experiment, bei dem sie sich widersprechende Dinge kombiniert. Im Zentrum stehen dabei die Menschen, die sich als eigene Universen nach Verbindung sehnen.

Mit ihren poetischen Fotografien hat Porodina entscheidend zur zeitgenössischen Fotografie beigetragen.

Avec l'exposition Un/Masked, l'artiste Elizaveta Porodina nous offre un regard derrière nos masques et nous tend ainsi un miroir. Ses photographies abstraites et surréalistes reflètent également son monde intérieur par le jeu de la lumière, des couleurs et des ombres.

L'artiste, née à Moscou et vivant à Munich, est arrivée en Allemagne à l'adolescence en tant que "réfugiée juive de contingent". Elle s'est sentie déracinée et exclue. Inspirée par les œuvres d'Henri Matisse, Pierre-Auguste Renoir, Mikhail Vrubel et Pablo Picasso, la peinture est devenue son exutoire. Elle a mélangé des couleurs fortes avec des visages expressifs. Elle est restée fidèle à ce style jusqu'à aujourd'hui. Ses motifs ne sont plus créés avec le pinceau, mais sur le plateau grâce à des décors soigneusement arrangés et à un éclairage artistique.

Dans Un/Masked, Porodina nous invite à réfléchir sur la nature humaine. Psychologue clinicienne de formation, elle s'intéresse aux comportements guidés par les émotions. Elle conçoit son art comme une expérience dans laquelle elle combine des choses contradictoires. Au centre de son travail se trouvent les êtres humains, qui aspirent à être reliés entre eux comme des univers à part entière.

Avec ses photographies poétiques, Porodina a apporté une contribution décisive à la photographie contemporaine.

Con la mostra Un/Masked, l'artista Elizaveta Porodina ci fa intravedere dietro le nostre maschere e ci regala uno specchio. Le sue fotografie astratte e surrealiste riflettono anche il suo mondo interiore attraverso il gioco di luci, colori e ombre.

L'artista, nata a Mosca e residente a Monaco di Baviera, è arrivata in Germania da adolescente come cosiddetta "rifugiata del contingente ebraico". Si sentiva sradicata ed esclusa. Ispirata dalle opere di Henri Matisse, Pierre-Auguste Renoir, Mikhail Vrubel e Pablo Picasso, la pittura è diventata il suo sfogo. Mescola colori forti e volti espressivi. Ancora oggi è rimasta fedele a questo stile. I suoi motivi non sono più creati con un pennello, ma sul set con fondali accuratamente disposti e luci artistiche.

In Un/Masked, Porodina ci invita a riflettere sulla natura umana. Come psicologa clinica di formazione, è interessata al comportamento guidato dalle emozioni. Vede la sua arte come un esperimento in cui combina cose contraddittorie. Al centro del suo lavoro ci sono le persone che, come universi a sé stanti, desiderano un legame.

Con le sue fotografie poetiche, Porodina ha dato un contributo decisivo alla fotografia contemporanea.

In Un/Masked, artist Elizaveta Porodina invites us to peer behind our masks, holding up a mirror to ourselves. Her abstract and surrealist photographs, in the interplay of light, color, and shadow, also reflect her inner world.

Born in Moscow and based in Munich, the artist arrived in Germany as a teenager as a so-called “quota refugee”, feeling displaced and isolated. Painting became an escape; studying the works of Henri Matisse, Pierre-Auguste Renoir, Mikhail Vrubel, and Pablo Picasso became a passion. Mixing bold colors with expressive faces, she has remained true to this style. Her subjects are no longer painted with brushes but come to life through carefully arranged sets and artistic lighting.

In Un/Masked, Porodina invites us to reflect on human nature. As a trained clinical psychologist, she is intrigued by emotion-driven behavior. She sees her art as an experiment, combining the hidden and contradictory sides of ourselves. At its core are people, each their own universe yearning to connect with others.

With her poetic photographs, Elizaveta Porodina has made a significant contribution to contemporary photography.

(Text: Fotografiska Berlin)

CHAUSSEE 36 Photo Foundation | Berlin
27. April – 20. Juni 2024

Maisie Cousins: SMORGASBORD

Die CHAUSSEE 36 Photo Foundation freut sich, die erste Einzelausstellung der bildenden Künstlerin Maisie Cousins in Deutschland zu präsentieren. SMORGASBORD zeigt eine kuratierte Auswahl von Werken aus den Jahren 2017 bis 2024, und veranschaulicht die Bandbreite von Cousins' visueller Sprache und ihrer künstlerischen Handschrift.

Die frühesten Arbeiten von Cousins offenbaren ihr Interesse für die Erforschung von Natur, Sexualität und der dünnen, prekären Linie, an der Blumen, Lebensmittel und Körper für einen flüchtigen Augenblick ihren Reifepunkt erreichen. Die leuchtend farbigen Nahaufnahmen von Früchten, Blütenblättern, Haut und Käfern, die mit glänzender Flüssigkeit überzogen sind, schaffen es sowohl anzuziehen als auch abzustoßen. Die Arbeitsweise von Cousins hat eine viszerale Qualität; man kann die Arbeiten fast sehen, riechen, und fühlen. In vielen Bildern vermischen sich reife Körper und Früchte mit einer humorvollen Vieldeutigkeit darüber, was genau wir betrachten. Mit Werken, die entweder in extrem großem Format oder in kleineren, intimeren Stücken präsentiert werden, tauchen wir völlig in die farbenfrohe Welt der Künstlerin ein. Diese sensorische Anregung wird noch deutlicher, wenn man vor den vier Leuchtkästen steht, die den Bildern eine zusätzliche strahlende und kraftvolle Dimension verleihen. Unverschämt provokativ und sinnlich, feiern die Werke die Freude und Schönheit zwischen Attraktion und Aversion.

In Cousins' neuesten Arbeiten ist ein Wandel bei den von ihr fotografierten Objekten zu beobachten. Verwesendes, klebriges Essen und Blumen werden nun durch Mini-Plastikschweine, gekochte Bonbons oder einen bunten Hüpfball ersetzt. Darüber hinaus werden diese neuen Sujets in epischen oder kleinformatigen Fotografien präsentiert, immer in den für Cousins unverkennbaren, eng geschnittenen Kompositionen und leuchtenden Farben. Dieser Themenwechsel ist dadurch ausgelöst, dass Cousins Mutter geworden ist. Wo sie früher stets in ihrem Jugendzimmer oder am Küchentisch Blumen und Früchte fotografierte, findet sie jetzt Inspiration in einer häuslichen Umgebung und betrachtet die Welt durch nostalgisches Spielzeug und Süßigkeiten aus der Kindheit. Texturen sind hier genauso ausgeprägt, allerdings ist die glänzende Flüssigkeit der früheren Arbeiten verschwunden – vielmehr werden nun Teppiche, Seidendecken und Plastik zu den viszeralen Motiven.

Obwohl sie spielerisch und lustig scheinen, sind alle Werke, die hier in SMORGASBORD präsentiert werden, gleichzeitig kühne Zeugnisse, die den Körper, insbesondere den weiblichen, durch offene oder zweideutige Andeutungen zelebrieren. Man könnte argumentieren, dass Cousins mit ihren Arbeiten ein feministisches Statement setzt. Insbesondere ihre unordentlichen und klebrigen, fleischigen Bilder zielen darauf ab, die frauenfeindlichen Vorstellungen von perfekter, sauberer und zurückhaltender weiblicher Schönheit, die in der Bildsprache des Mainstreams so weit verbreitet sind, gründlich in Frage zu stellen.

Cousins' einzigartiger Stil der hellen, kühnen und organischen Komposition, gepaart mit ihrem politischen Statement, sind das Kernstück ihres Erfolgs. Mit ihrer witzigen, verführerischen und gesellschaftlich bedeutsamen Bildsprache ist Cousins zweifellos eine der aufregendsten bildenden Künstlerinnen ihrer Generation.

La CHAUSSEE 36 Photo Foundation est heureuse de présenter la première exposition individuelle de l'artiste visuelle Maisie Cousins en Allemagne. SMORGASBORD présente une sélection curatée d'œuvres de 2017 à 2024, et illustre l'étendue du langage visuel de Cousins et de sa signature artistique.

Les premiers travaux de Cousins révèlent son intérêt pour l'exploration de la nature, de la sexualité et de la ligne mince et précaire où les fleurs, les aliments et les corps atteignent leur point de maturité pour un instant fugace. Les gros plans aux couleurs vives de fruits, de pétales, de peau et de scarabées recouverts d'un liquide brillant parviennent à la fois à attirer et à repousser. La méthode de travail de Cousins a une qualité viscérale ; on peut presque voir, sentir et ressentir les œuvres. Dans de nombreux tableaux, les corps et les fruits mûrs se mêlent à une ambiguïté humoristique sur ce que nous regardons exactement. Avec des œuvres présentées soit en très grand format, soit en pièces plus petites et plus intimes, nous sommes totalement immergés dans le monde coloré de l'artiste. Cette stimulation sensorielle est encore plus évidente lorsque l'on se trouve devant les quatre caissons lumineux qui confèrent aux tableaux une dimension rayonnante et puissante supplémentaire. Impertinemment provocatrices et sensuelles, les œuvres célèbrent la joie et la beauté, entre attraction et aversion.

Dans les derniers travaux de Cousins, on observe un changement dans les objets qu'elle photographie. La nourriture et les fleurs en décomposition et collantes sont désormais remplacées par des mini-cochons en plastique, des bonbons cuits ou une balle gonflable multicolore. En outre, ces nouveaux sujets sont présentés dans des photographies épiques ou de petit format, toujours dans les compositions serrées et les couleurs vives qui font la réputation de Cousins. Ce changement de sujet est dû au fait que Cousins est devenue mère. Alors qu'elle avait l'habitude de photographier des fleurs et des fruits dans sa chambre d'adolescente ou sur la table de la cuisine, elle trouve désormais son inspiration dans un environnement domestique et regarde le monde à travers des jouets et des bonbons nostalgiques de son enfance. Les textures sont ici tout aussi prononcées, mais le liquide brillant des travaux précédents a disparu - ce sont plutôt les tapis, les couvertures en soie et le plastique qui deviennent les motifs viscéraux.

Bien qu'elles semblent ludiques et amusantes, toutes les œuvres présentées ici à SMORGASBORD sont également des témoignages audacieux qui célèbrent le corps, en particulier le corps féminin, par des allusions ouvertes ou ambiguës. On pourrait argumenter que Cousins fait une déclaration féministe avec ses travaux. En particulier, ses images désordonnées et collantes, charnelles, visent à remettre en question en profondeur les idées misogynes de beauté féminine parfaite, propre et réservée qui sont si répandues dans l'imagerie mainstream.

Le style unique de Cousins, fait de compositions lumineuses, audacieuses et organiques, associé à sa déclaration politique, est au cœur de son succès. Avec son langage visuel drôle, séduisant et socialement significatif, Cousins est sans aucun doute l'une des artistes visuelles les plus passionnantes de sa génération.

CHAUSSEE 36 Photo Foundation è lieta di presentare la prima mostra personale dell'artista visiva Maisie Cousins in Germania. SMORGASBORD presenta una selezione curata di opere dal 2017 al 2024, che illustrano l'ampiezza del linguaggio visivo e della firma artistica di Cousins.

Le prime opere di Cousins rivelano il suo interesse per l'esplorazione della natura, della sessualità e della linea sottile e precaria in cui fiori, cibo e corpi raggiungono il loro punto di maturazione per un momento fugace. I primi piani dai colori vivaci di frutta, petali, pelle e insetti ricoperti di liquido lucido riescono ad attrarre e respingere allo stesso tempo. Il metodo di lavoro di Cousins ha una qualità viscerale; si possono quasi vedere, annusare e sentire le opere. In molti dipinti, corpi e frutti maturi si mescolano con un'ambiguità umoristica su cosa stiamo guardando esattamente. Con opere presentate in formato estremamente grande o in pezzi più piccoli e intimi, siamo completamente immersi nel mondo colorato dell'artista. Questa stimolazione sensoriale diventa ancora più evidente quando ci si trova di fronte ai quattro light box, che conferiscono ai dipinti un'ulteriore dimensione luminosa e potente. Spudoratamente provocatorie e sensuali, le opere celebrano la gioia e la bellezza tra attrazione e avversione.

Nelle ultime opere di Cousins si può osservare un cambiamento negli oggetti che fotografa. Cibo e fiori in decomposizione e appiccicosi sono ora sostituiti da maialini di plastica in miniatura, caramelle bollite o una pallina gonfiabile colorata. Inoltre, questi nuovi soggetti sono presentati in fotografie epiche o di piccolo formato, sempre con le composizioni strette e i colori vivaci tipici di Cousins. Questo cambiamento di soggetto è stato innescato dal fatto che Cousins è diventata madre. Se prima fotografava fiori e frutta nella sua stanza di adolescente o al tavolo della cucina, ora trova ispirazione in un ambiente domestico, guardando il mondo attraverso i giocattoli e i dolci nostalgici dell'infanzia. Le texture sono altrettanto pronunciate, anche se la fluidità lucida delle opere precedenti è scomparsa: tappeti, coperte di seta e plastica diventano ora i motivi viscerali.

Sebbene apparentemente giocose e divertenti, tutte le opere presentate in SMORGASBORD sono allo stesso tempo audaci testimonianze che celebrano il corpo, in particolare quello femminile, attraverso suggestioni palesi o ambigue. Si potrebbe sostenere che Cousins stia facendo una dichiarazione femminista con il suo lavoro. In particolare, le sue immagini disordinate, appiccicose e carnose mirano a sfidare a fondo le nozioni misogine di bellezza femminile perfetta, pulita e contenuta che sono così prevalenti nell'immaginario comune.

Lo stile unico di Cousins, fatto di composizioni luminose, audaci e organiche, unito alla sua dichiarazione politica, è alla base del suo successo. Con le sue immagini spiritose, seducenti e socialmente significative, Cousins è senza dubbio una delle artiste visive più interessanti della sua generazione.

CHAUSSEE 36 Photo Foundation is pleased to present the first solo exhibition of visual artist Maisie Cousins in Germany. SMORGASBORD features a curated selection of works from 2017 to 2024, illustrating the breadth of Cousins' visual language and artistic signature.

Cousins' earliest works reveal her interest in exploring nature, sexuality and the thin, precarious line where flowers, food and bodies reach their ripening point for a fleeting moment. The brightly colored close-ups of fruit, petals, skin and bugs coated in shiny liquid manage to both attract and repel. There is a visceral quality to Cousins' approach; you can almost see, smell, and feel the works. In many paintings, ripe bodies and fruit intermingle with a humorous ambiguity about what exactly we are looking at. With works presented either in extremely large format or in smaller, more intimate pieces, we are fully immersed in the artist's colorful world. This sensory stimulation becomes even clearer when standing in front of the four light boxes, which lend the paintings an additional radiant and powerful dimension. Unashamedly provocative and sensual, the works celebrate the joy and beauty between attraction and aversion.

In Cousins' latest works, a shift can be observed in the objects she photographs. Decaying, sticky food and flowers are now replaced by miniature plastic pigs, boiled sweets or a colorful bouncy ball. Moreover, these new subjects are presented in epic or small-format photographs, always in Cousins' signature tightly cropped compositions and bright colors. This change of subject was triggered by the fact that Cousins has become a mother. Where she used to photograph flowers and fruit in her teenage room or at the kitchen table, she now finds inspiration in a domestic setting, looking at the world through nostalgic childhood toys and sweets. Textures are just as pronounced here, though the glossy fluidity of the earlier works has disappeared - instead, rugs, silk blankets and plastic now become the visceral motifs.

While seemingly playful and fun, all of the works presented here in SMORGASBORD are simultaneously bold testaments that celebrate the body, particularly the female body, through overt or ambiguous suggestion. One could argue that Cousins is making a feminist statement with her work. In particular, her messy and sticky, fleshy images aim to thoroughly challenge the misogynistic notions of perfect, clean and restrained female beauty that are so prevalent in mainstream imagery.

Cousins' unique style of bright, bold and organic composition, coupled with her political statement, are at the heart of her success. With her witty, seductive and socially significant imagery, Cousins is undoubtedly one of the most exciting visual artists of her generation.

(Text: CHAUSSEE 36 Photo Foundation, Berlin)

Fotografie Forum Frankfurt
3. Mai – 1. September 2024

RAY ECHOES IDENTITY

Die Ausstellung findet im Rahmen der RAY – Triennale der Fotografie statt.

Zum fünften Mal werden Frankfurt und die Rhein-Main-Region vom 03.05. bis 01.09.2024 mit Ausstellungen, zahlreichen Events und einem dreitägigen Festival Schauplatz von RAY – Triennale der Fotografie.

Die Künstler*innen der Triennale erforschen und reflektieren mittels Fotografie und verwandter Medien die Herausforderungen und Spannungsfelder der Selbstwahrnehmung und des menschlichen Miteinanders und stellen ihre Perspektiven zum Leitthema ECHOES vor.

Ihre Arbeiten spannen Bögen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sowie vom Intimen und Persönlichen bis zum Kollektiven. Durch das Festhalten dieser vielfältigen Momente und Phänomene schaffen sie ein Echo, das die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf ihre Themen lenkt. Ähnlich einem Schallerlebnis erzeugen sie so einen Nachhall, der über das Abgebildete hinaus als eigenständiges Ereignis wahrgenommen wird. RAY ECHOES konzentriert sich auf die drei Schwerpunkte.

Im Fotografie Forum Frankfurt fokussiert sich die Schau als einer von drei zentralen Ausstellungen der Triennale auf die Beziehung zwischen Fotografie und Identität. Die ausgestellten Künstler*innen Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li und Inuuteq Storch untersuchen in ihren Arbeiten das Entstehen und die Veränderung von Identitäten. Echos finden sich in Form von Reflexionen über persönliche Erfahrungen, Transzendenz und die Aktualität des Rückblicks. Neben aktuellen zeitgenössischen Fotografien und einer Videoinstallation werden frühere ikonografische Arbeiten in Zeiten politischer Polarisierung in Bezug auf Minderheiten, Kultur und Geschlecht wieder in den Vordergrund gerückt.

Das Konzept von RAY ECHOES wurde gemeinsam entwickelt von Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (Freie Kuratorin), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), und Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

Pour la cinquième fois, Francfort et la région Rhin-Main seront le théâtre de RAY - Triennale der Fotografie du 03.05. au 01.09.2024 avec des expositions, de nombreux événements et un festival de trois jours.

Les artistes* de la Triennale explorent et réfléchissent, par le biais de la photographie et des médias apparentés, aux défis et aux champs de tension de la perception de soi et des interactions humaines, et transmettent leurs perspectives sur le thème directeur ECHOES.

Leurs travaux couvrent des domaines allant du passé, du présent et du futur, de l'intime et du personnel au collectif. En capturant ces multiples moments et phénomènes, ils créent un écho qui attire l'attention du public sur leurs sujets. A l'instar d'une expérience sonore, ils créent ainsi une réverbération qui est perçue comme un événement à part entière, au-delà de ce qui est représenté. RAY ECHOES se concentre sur ces trois points forts.

Au Fotografie Forum Frankfurt, l'exposition est l'une des trois expositions centrales de la Triennale et se concentre sur la relation entre la photographie et l'identité. Les artistes* exposés, Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li et Inuuteq Storch, examinent dans leurs travaux l'émergence et la transformation des identités. Des échos se retrouvent sous la forme de réflexions sur les expériences personnelles, la transcendance et l'actualité de la rétrospective. Outre des photographies contemporaines récentes et une installation vidéo, des travaux iconographiques antérieurs sont remis au premier plan en ces temps de polarisation politique concernant les minorités, la culture et le genre.

Le concept de RAY ECHOES a été développé conjointement par Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (conservatrice indépendante), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), et Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

Per la quinta volta, Francoforte e la regione del Reno-Meno saranno teatro di RAY - Triennale di Fotografia dal 3 maggio al 1° settembre 2024 con mostre, numerosi eventi e un festival di tre giorni.

Utilizzando la fotografia e i media correlati, gli artisti della triennale esplorano e riflettono sulle sfide e le tensioni della percezione di sé e dell'interazione umana e presentano le loro prospettive sul tema centrale di ECHOES.

Le loro opere spaziano tra passato, presente e futuro, dall'intimo e personale al collettivo. Catturando questi diversi momenti e fenomeni, creano un'eco che attira l'attenzione del pubblico sui loro temi. Simili a un'esperienza sonora, creano un riverbero che viene percepito come un evento indipendente al di là di ciò che viene rappresentato. RAY ECHOES si concentra su questi tre punti focali.

Come una delle tre mostre centrali della Triennale, l'esposizione al Fotografie Forum di Francoforte si concentra sul rapporto tra fotografia e identità. Gli artisti esposti, Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li e Inuuteq Storch, esaminano l'emergere e la trasformazione delle identità nelle loro opere. Gli echi si trovano sotto forma di riflessioni sulle esperienze personali, sulla trascendenza e sull'attualità del guardare indietro. Oltre a fotografie contemporanee attuali e a un'installazione video, vengono riportate alla ribalta opere iconografiche precedenti in tempi di polarizzazione politica in relazione a minoranze, cultura e genere.

Il concetto di RAY ECHOES è stato sviluppato congiuntamente da Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (curatrice indipendente), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt) e Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

The fifth edition of the RAY – Triennial of Photography offers numerous exhibitions, events and 3-day Festival in Frankfurt and the Rhine-Main region.

The artists of the triennial use photography and related media to explore and reflect on the challenges and tensions of self-perception and human interaction. Their works span the past, present, and future, from the intimate and personal to the collective. By capturing these diverse moments and phenomena, they create an echo that draws the public’s attention to their themes. Similar to a sound experience, they create reverberation that is perceived as an independent event beyond what is depicted.

On this basis, RAY ECHOES concentrates on three focal points: identity, memory, and emotion.

Fotografie Forum Frankfurt is showing one of three central exhibitions of the Triennial focussing on the relationship between photography and identity.

The exhibited artists of Echoes Identity Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li, and Inuuteq Storch explore the making and breaking away from identities. Echoes are present in the form of reflections on personal experience, transcendence, and the currency of retrospection. Alongside recent contemporary photographs and a video installation, earlier iconographic works are brought back to the fore in times of political polarisation over minorities, culture, and gender.

The RAY Echoes concept was developed jointly by Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (freelance curator), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), and Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
4. Mai – 29. Juni 2024

La Plaiv
Petra Wunderlich

Die Ausstellung findet im Rahmen der RAY – Triennale der Fotografie statt.

Petra Wunderlich wendet einen raffinierten und didaktischen Ansatz an, um stoische Schwarz-Weiß-Fotografien zu erstellen, die in der Einzelausstellung 'La Plaiv' die architektonischen Fassaden der malerischen und romantischen Dörfer der gleichnamigen Region in der Schweiz sorgfältig untersuchen.

Wunderlich studierte bei Bernd und Hilla Becher an der Kunstakademie Düsseldorf und wurde Teil der Studierendengeneration der Düsseldorfer Fotoschule. Heute pflegt sie die Tradition der Düsseldorfer Schule der strengen Dokumentation durch eng beschnittene Fotografien, die dem Thema jedes Werkes einen distanzierten, aber diskreten Blick verleihen. Ihre sachliche Haltung und die Serialisierung der Fotografien greifen nüchterne Themen in Stil und Inhalt auf und verstärken die architektonischen Geometrien, die diese Schweizer Landschaft prägen – sowie die mysteriöse Abwesenheit ihrer Bewohnerinnen und Bewohner.

Petra Wunderlich applique une approche raffinée et didactique pour créer des photographies stoïques en noir et blanc qui, dans l'exposition individuelle 'La Plaiv', examinent soigneusement les façades architecturales des villages pittoresques et romantiques de la région du même nom en Suisse.

Wunderlich a étudié avec Bernd et Hilla Becher à l'Académie des arts de Düsseldorf et a fait partie de la génération d'étudiants de l'école de photographie de Düsseldorf. Aujourd'hui, elle cultive la tradition de l'école de Düsseldorf de la documentation rigoureuse par des photographies étroitement recadrées, qui confèrent au sujet de chaque œuvre un regard distancié mais discret. Son attitude objective et la sérialisation des photographies reprennent des thèmes sobres dans leur style et leur contenu et renforcent les géométries architecturales qui caractérisent ce paysage suisse - ainsi que l'absence mystérieuse de ses habitants.

Petra Wunderlich applica un approccio raffinato e didattico per creare stoiche fotografie in bianco e nero che esaminano attentamente le facciate architettoniche dei pittoreschi e romantici villaggi dell'omonima regione svizzera nella mostra personale "La Plaiv".

Wunderlich ha studiato sotto la guida di Bernd e Hilla Becher all'Accademia d'Arte di Düsseldorf ed è entrata a far parte della generazione di studenti della Scuola di Fotografia di Düsseldorf. Oggi mantiene la tradizione della Scuola di Düsseldorf di una documentazione rigorosa, attraverso fotografie dai ritagli stretti che conferiscono al soggetto di ogni opera uno sguardo distante ma discreto. Il suo approccio materico e la serialità delle fotografie riprendono temi sobri nello stile e nel contenuto e rafforzano le geometrie architettoniche che caratterizzano questo paesaggio svizzero, così come la misteriosa assenza dei suoi abitanti.

Petra Wunderlich applies a refined and didactic approach to create stoic black and white photographies that carefully examine the architectural facades of the picturesque and romantic villages of the eponymous region in Switzerland in the solo exhibition 'La Plaiv'.

Wunderlich studied under Bernd and Hilla Becher at the Düsseldorf Art Academy and became part of the student generation of the Düsseldorf School of Photography. Today, she maintains the Düsseldorf School's tradition of strict documentation through tightly cropped photographs that lend the subject of each work a distanced but discreet gaze. Her pragmatic approach and the serialisation of the photographs take up sober themes in style and content and reinforce the architectural geometries that characterise this Swiss landscape - as well as the mysterious absence of its inhabitants.

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

Akademie der Künste | Berlin
9. Mai – 4. August 2024

Poesie der Zeit. Michael Ruetz – Timescapes 1966–2023

Wie lassen sich Zeit und Vergänglichkeit sichtbar machen, wie Umbrüche und Veränderungen einer Gesellschaft oder eines Stadtraumes dokumentieren? Wie kaum ein anderer Künstler hat sich Michael Ruetz mit diesen Fragen beschäftigt. Seit Mitte der 1960er-Jahre beobachtete er in einer großangelegten fotografischen Studie den Wandel natürlicher und urbaner Lebenswelten an Orten in Berlin, Deutschland und Europa und hielt die Veränderungen in einer Folge von Bestands- und Momentaufnahmen fest. Seine Timescapes entstanden in einem Zeitraum von fast sechzig Jahren und umfassen mehr als 600 Serien mit tausenden von Aufnahmen. Das zentrale Konzept der Timescapes besteht darin, dass Standort und Sichtachse der Kamera stets dieselben sind, nur die Zeitintervalle der Bilderserien variieren.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Timescapes von Berlin. Der tiefgreifende Wandel der deutschen Gesellschaft in der Nachkriegszeit, nach der Wiedervereinigung und in der Gegenwart ist in den Fotoserien besonders wirkungsvoll verdichtet. Schauplätze der Macht oder von historischer Relevanz wie der Potsdamer Platz, das Brandenburger Tor, der Schlossplatz, Gendarmenmarkt, das Regierungsviertel oder die Berliner Mauer haben vor allem seit 1989/90 eine rasante Änderung erfahren. Gebäude und Blickachsen verschwinden oder entstehen neu, Straßen werden zurückgeführt oder anders benannt, Plätze radikal umgestaltet, freie Flächen bebaut, Brachen wiederbelebt.

Ruetz’ Berlinaufnahmen erzählen davon, wie Architektur unsere Lebensräume aus- und umgestalten kann und damit eine Deutungshoheit über unsere Wahrnehmung erlangt. Dabei entwickeln seine Bilderserien eine eigene Ästhetik abseits dokumentarischer Nüchternheit und offenbaren so eine Poesie der Zeit. Zugleich mahnen Ruetz’ Bilder dazu, in einer Zeit existentieller ökologischer und sozialer Krisen, die Prinzipien von Stadtentwicklung und Städtebau neu zu überdenken.

Zur Ausstellung erscheinen Fotoleporellos mit ausgewählten Berlin-Timescapes.

Der Dokumentarfilm Facing Time von Annett Ilijew wird das Rahmenprogramm zur Ausstellung ergänzen.

Comment rendre visible le temps et l'éphémère, comment documenter les bouleversements et les changements d'une société ou d'un espace urbain ? Michael Ruetz s'est penché sur ces questions comme peu d'autres artistes. Depuis le milieu des années 1960, il a observé, dans le cadre d'une étude photographique de grande envergure, la transformation de milieux de vie naturels et urbains dans des lieux de Berlin, d'Allemagne et d'Europe, et a fixé les changements dans une succession de photos d'inventaire et d'instantanés. Ses Timescapes ont été réalisés sur une période de près de soixante ans et comprennent plus de 600 séries avec des milliers de prises de vue. Le concept central des Timescapes est que l'emplacement et l'axe de vision de l'appareil photo sont toujours les mêmes, seuls les intervalles de temps des séries d'images varient.

Les Timescapes de Berlin sont au cœur de l'exposition. Les changements profonds de la société allemande dans l'après-guerre, après la réunification et à l'heure actuelle sont condensés de manière particulièrement efficace dans les séries de photos. Les lieux de pouvoir ou d'importance historique comme la Potsdamer Platz, la porte de Brandebourg, la place du château, le Gendarmenmarkt, le quartier du gouvernement ou le mur de Berlin ont connu des changements fulgurants, surtout depuis 1989/90. Des bâtiments et des axes visuels disparaissent ou se créent, des rues sont ramenées ou renommées, des places sont radicalement transformées, des espaces libres sont construits, des friches sont réanimées.

Les photos de Berlin de Ruetz racontent comment l'architecture peut aménager et transformer nos espaces de vie et acquérir ainsi une souveraineté d'interprétation sur notre perception. Ce faisant, ses séries d'images développent une esthétique propre, loin de la sobriété documentaire, et révèlent ainsi une poésie du temps. En même temps, les images de Ruetz nous invitent à repenser les principes du développement et de l'urbanisme à une époque de crises écologiques et sociales existentielles.

L'exposition s'accompagne de la publication d'une sélection de timescapes berlinois.

Le film documentaire Facing Time d'Annett Ilijew complètera le programme cadre de l'exposition.

Come rendere visibili il tempo e la transitorietà, come documentare gli sconvolgimenti e i cambiamenti di una società o di uno spazio urbano? Michael Ruetz ha esplorato queste domande più di qualsiasi altro artista. Dalla metà degli anni Sessanta, ha osservato la trasformazione degli ambienti naturali e urbani in luoghi di Berlino, della Germania e dell'Europa in uno studio fotografico su larga scala e ha registrato i cambiamenti in una serie di immagini esistenti e istantanee. I suoi Timescapes sono stati creati in un periodo di quasi sessant'anni e comprendono più di 600 serie con migliaia di fotografie. Il concetto centrale dei paesaggi temporali è che la posizione e la linea di vista della macchina fotografica sono sempre le stesse, solo gli intervalli di tempo tra le serie di immagini variano.

I paesaggi temporali di Berlino sono al centro della mostra. La profonda trasformazione della società tedesca nel dopoguerra, dopo la riunificazione e nel presente è condensata in modo particolarmente efficace nelle serie di foto. Luoghi di potere o di rilevanza storica come Potsdamer Platz, la Porta di Brandeburgo, Schlossplatz, Gendarmenmarkt, il quartiere governativo o il Muro di Berlino hanno subito un rapido cambiamento, soprattutto a partire dal 1989/90. Edifici e assi visivi sono scomparsi. Edifici e assi visivi sono scomparsi o sono emersi di nuovo, le strade sono state ridotte o rinominate, le piazze sono state radicalmente ridisegnate, gli spazi aperti sono stati edificati, i terreni incolti sono stati rivitalizzati.

Le fotografie di Berlino di Ruetz raccontano come l'architettura possa plasmare e rimodellare i nostri spazi di vita, guadagnando così una sovranità interpretativa sulla nostra percezione. Le sue serie di immagini sviluppano una propria estetica al di là della sobrietà documentaria, rivelando una poesia del tempo. Allo stesso tempo, le immagini di Ruetz ci spingono a ripensare i principi dello sviluppo urbano e della pianificazione urbanistica in un momento di crisi ecologica e sociale esistenziale.

La mostra sarà accompagnata da opuscoli fotografici con paesaggi temporali berlinesi selezionati.

Il film documentario Facing Time di Annett Ilijew completerà il programma di supporto della mostra.

How to make visible the passage of time and transience, how to document the ruptures and changes that occur in societies and urban environments? These are the questions that Michael Ruetz – like few other artists – addresses in his work. Since the mid-60s he has observed the transformation of natural and urban habitats in locations in Berlin and elsewhere in Europe in a large-scale photographic study, capturing the changes in a series of photographic snapshots and inventory images. His Timescapes came about over a period of nearly sixty years and comprise more than 600 series made up of thousands of photos. The central concept of Timescapes is that the position and visual axis of the camera always remain the same, while only the time intervals of the photo series vary.

At the heart of the exhibition are the Timescapes of Berlin. The photo series present a particularly powerful consolidation of the far-reaching transformation of German society in the post-war period, after reunification and up to the present day. Sites of power or historical relevance such as Potsdamer Platz or the Brandenburg Gate, the Schlossplatz, Gendarmenmarkt, Berlin’s government quarters or the Berlin Wall have undergone radical change, particularly since 1989/90. Buildings and visual axes disappear or are built anew, streets are returned to previous states or renamed, squares are radically redesigned, open spaces built upon, vacant spaces given new life.

Ruetz’ images of Berlin are an expression of how architecture can shape and redefine our environment, thus giving it a prerogative of interpretation over our perception. His photo series develop their own aesthetics beyond documentary sobriety, revealing a poetry of time in the process. At the same time, Ruetz’ photos admonish us, in these times of environmental and social crises, to rethink the principles of urban planning and development.

Photo leporellos with selected Berlin Timescapes will be published with the exhibition.

The documentary film Facing Time by Annett Ilijew supplements the exhibition programme.

(Text: Akademie der Künste, Berlin)

LVR-Landesmuseum Bonn
16. Mai – 15. September 2024

Fotografieren, was ist
Dirk Reinartz

Das LVR-Landesmuseum Bonn zeigt die erste große Retrospektive des bedeutenden Fotojournalisten und Bildautors Dirk Reinartz (1947–2004). Zwanzig Jahre nach seinem frühen Tod richtet sich der Blick auf sein umfassendes Œuvre, das ihn als herausragenden Fotografen der späten Bundesrepublik und des wiedervereinten Deutschland auszeichnet.

Ob bei seinen frühen Auslandsreportagen, etwa für den Stern in Japan, oder in seinen freien Bildserien aus der deutschen Provinz: Reinartz gelingt es, durch eine präzise und pointierte Bildsprache gesellschaftspolitische Entwicklungen, kulturelle Umbrüche und konkrete Lebenssituationen von Menschen in feinsinnigen fotografischen Erzählungen festzuhalten.

Zentrales Thema in Reinartzʼ Arbeiten ist die Beschäftigung mit Deutschland und den Deutschen. Zeit seines Lebens war er auf der Suche nach Motiven, in denen sich eine deutsche Identität zu erkennen gibt, mit all ihren Widersprüchen und historischen Verankerungen: vom Kleinstadtwesen am Beispiel Buxtehudes bis zur großen gesellschaftlichen Neuorientierung nach 1989. In Publikationen wie »Kein schöner Land« (1989) oder »Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler« (1991) beleuchtete Reinartz die deutsche Erinnerungskultur und das Fortdauern der Vergangenheit im Gegenwärtigen. In »totenstill« (1994), einer Auseinandersetzung mit den baulichen Überresten nationalsozialistischer Konzentrationslager, fragte er nach der Darstellbarkeit des Schreckens.

Reinartzʼ Arbeiten erschienen in vielen großen Zeitschriften wie dem Spiegel, in den Magazinen der Süddeutschen Zeitung und der ZEIT sowie in der Kunstzeitschrift art. Die Ausstellung vergegenwärtigt Dirk Reinartzʼ Schaffen entlang jener Spannungsfelder, die ihn zeitlebens beschäftigt haben, etwa Macht und Ohnmacht, Nähe und Ferne, Geschichte und Gegenwart.

Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit der Deutschen Fotothek Dresden und der Stiftung F. C. Gundlach Hamburg .

Le LVR-Landesmuseum de Bonn présentera la première grande rétrospective de l'éminent photojournaliste et auteur d'images Dirk Reinartz (1947-2004). Vingt ans après sa mort prématurée, le regard se porte sur son œuvre complète, qui le distingue comme un photographe exceptionnel de la fin de la République fédérale d'Allemagne et de l'Allemagne réunifiée.

Que ce soit dans ses premiers reportages à l'étranger, par exemple pour le Stern au Japon, ou dans ses séries d'images libres de la province allemande, Reinartz parvient, grâce à un langage visuel précis et pointu, à capturer les évolutions sociopolitiques, les bouleversements culturels et les situations concrètes de la vie des gens dans des récits photographiques subtils.

Le thème central des travaux de Reinartzʼ est l'étude de l'Allemagne et des Allemands. Toute sa vie, il a été à la recherche de motifs dans lesquels se reconnaît une identité allemande, avec toutes ses contradictions et ses ancrages historiques : de la petite ville à lʼexemple de Buxtehude à la grande réorientation sociale après 1989. Dans des publications comme "Kein schöner Land" (1989) ou "Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler" (1991), Reinartz a mis en lumière la culture de la mémoire allemande et la persistance du passé dans le présent. Dans "totenstill" (1994), une réflexion sur les vestiges architecturaux des camps de concentration nationaux-socialistes, il s'est interrogé sur la possibilité de représenter l'horreur.

Les travaux de Reinartzʼ ont été publiés dans de nombreux grands magazines comme le Spiegel, dans les magazines du Süddeutsche Zeitung et du ZEIT ainsi que dans la revue artistique art. Lʼexposition présente lʼœuvre de Dirk Reinartzʼ en suivant les champs de tension qui lʼont occupé toute sa vie, comme le pouvoir et lʼimpuissance, la proximité et la distance, lʼhistoire et le présent.

Lʼexposition est réalisée en collaboration avec la Deutsche Fotothek de Dresde et la fondation F. C. Gundlach Hambourg.

Il LVR-Landesmuseum di Bonn presenterà la prima grande retrospettiva dell'importante fotoreporter e autore Dirk Reinartz (1947-2004). A vent'anni dalla sua prematura scomparsa, l'attenzione si concentrerà sulla sua vasta opera, che lo caratterizza come fotografo di spicco della tarda Repubblica Federale e della Germania riunificata.

Sia nei suoi primi reportage all'estero, ad esempio per la rivista Stern in Giappone, sia nelle sue serie di immagini libere dalle province tedesche, Reinartz è riuscito a catturare gli sviluppi socio-politici, gli sconvolgimenti culturali e le situazioni concrete di vita delle persone in sottili narrazioni fotografiche utilizzando un linguaggio visivo preciso e puntuale.

Il tema centrale del lavoro di Reinartz è la sua preoccupazione per la Germania e i tedeschi. Per tutta la vita è stato alla ricerca di motivi in cui si potesse riconoscere un'identità tedesca, con tutte le sue contraddizioni e i suoi ancoraggi storici: dalla vita di provincia con l'esempio di Buxtehude al grande riorientamento sociale dopo il 1989. In pubblicazioni come "Kein schöner Land" (1989) o "Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler" (1991), Reinartz ha fatto luce sulla cultura tedesca del ricordo e sulla persistenza del passato nel presente. In "totenstill" (1994), un esame dei resti architettonici dei campi di concentramento nazionalsocialisti, ha messo in discussione la rappresentabilità dell'orrore.

Il lavoro di Reinartz è apparso in molte riviste importanti come Der Spiegel, nelle riviste Süddeutsche Zeitung e ZEIT e nella rivista dʼarte art. La mostra presenta lʼopera di Dirk Reinartz secondo le aree di tensione che lo hanno occupato per tutta la vita, come il potere e lʼimpotenza, la vicinanza e la distanza, il passato e il presente.

La mostra è organizzata in collaborazione con la Deutsche Fotothek Dresden e la F. C. Gundlach di Amburgo.

The LVR-Landesmuseum Bonn will be showing the first major retrospective of the important photojournalist and author Dirk Reinartz (1947-2004). Twenty years after his untimely death, the focus will be on his extensive oeuvre, which distinguishes him as an outstanding photographer of the late Federal Republic and reunified Germany.

Whether in his early foreign reportages, for example for Stern magazine in Japan, or in his free image series from the German provinces, Reinartz succeeded in capturing socio-political developments, cultural upheavals and concrete life situations of people in subtle photographic narratives using a precise and pointed visual language.

The central theme in Reinartzʼ work is his preoccupation with Germany and the Germans. Throughout his life, he was in search of motifs in which a German identity could be recognized, with all its contradictions and historical anchoring: from small-town life in the example of Buxtehude to the great social reorientation after 1989. In publications such as "Kein schöner Land" (1989) or "Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler" (1991), Reinartz shed light on the German culture of remembrance and the persistence of the past in the present. In "totenstill" (1994), an examination of the architectural remains of National Socialist concentration camps, he questioned the representability of horror.

Reinartzʼs work has appeared in many major magazines such as Der Spiegel, in the Süddeutsche Zeitung and ZEIT magazines and in the art magazine art. The exhibition visualizes Dirk Reinartzʼs work along the lines of the areas of tension that have preoccupied him throughout his life, such as power and powerlessness, proximity and distance, past and present.

The exhibition is being organized in collaboration with the Deutsche Fotothek Dresden and the Stiftung F. C. Gundlach Foundation Hamburg

(Text: LVR-Landesmuseum Bonn)

Willy-Brandt-Haus e.V. | Berlin
17. Mai – 7. Juli 2024

Auf Augenhöhe – Afrika und seine Moderne
Jean Molitor

Die Ausstellung "Auf Augenhöhe – Afrika und seine Moderne" zeigt unterschiedliche Projekte des Fotografen Jean Molitor, die teils in Verbindung und teils unabhängig von seiner Fotografie der "Architektur der Moderne" auf seinen vielen Reisen entstanden sind. Egal ob Fotokunst, Video, Dokumentation oder Forschung – Jean Molitor konzipierte für diese Ausstellung mehrere Fotoserien, die sich jeweils einem Motiv oder Sujet widmen und es in individueller Ästhetik gestalten. Dabei zeigt er aktuelle Street Photography, historisierende Architekturdokumentation, Einzel- oder Gruppenporträts, Interviews und Musikvideos. Wie ein Geschichtenerzähler vermittelt er so seine Erfahrungen – immer mit dem Bestreben, die Kamera „Auf Augenhöhe“ mit Wertschätzung und Respekt einzusetzen.

L'exposition "A hauteur d'yeux - L'Afrique et sa modernité" présente différents projets du photographe Jean Molitor, parfois en lien et parfois indépendants de sa photographie de "l'architecture de la modernité", réalisés au cours de ses nombreux voyages. Qu'il s'agisse d'art photographique, de vidéo, de documentation ou de recherche, Jean Molitor a conçu pour cette exposition plusieurs séries de photos, chacune consacrée à un motif ou à un sujet et le façonnant dans une esthétique individuelle. Il présente ainsi de la street photography actuelle, de la documentation architecturale historicisée, des portraits individuels ou de groupe, des interviews et des vidéos musicales. Tel un conteur d'histoires, il transmet ainsi ses expériences - toujours avec l'ambition d'utiliser l'appareil photo "d'égal à égal" avec estime et respect.

La mostra "All'altezza degli occhi - L'Africa e la sua modernità" presenta diversi progetti del fotografo Jean Molitor, alcuni dei quali sono stati creati in concomitanza e altri indipendentemente dalle sue fotografie dell'"architettura della modernità" durante i suoi numerosi viaggi. Che si tratti di arte fotografica, video, documentazione o ricerca, Jean Molitor ha concepito per questa mostra diverse serie fotografiche, ognuna delle quali è dedicata a un motivo o a un soggetto ed è concepita con un'estetica individuale. Presenta fotografie di strada contemporanee, documentazione architettonica storicizzata, ritratti individuali o di gruppo, interviste e video musicali. Come un narratore, trasmette le sue esperienze, cercando sempre di usare la macchina fotografica "all'altezza degli occhi" con apprezzamento e rispetto.

The exhibition "At eye level - Africa and its modernity" shows various projects by photographer Jean Molitor, some of which were created in conjunction with and some independently of his photography of the "architecture of modernity" on his many travels. Whether photographic art, video, documentation or research - Jean Molitor conceived several photo series for this exhibition, each of which is dedicated to a motif or subject and gives it an individual aesthetic. He shows contemporary street photography, historicizing architectural documentation, individual or group portraits, interviews and music videos. Like a storyteller, he conveys his experiences - always striving to use the camera "at eye level" with appreciation and respect.

(Text: Willy-Brandt-Haus e.V., Berlin)

Haus am Waldsee | Berlin
24. Mai – 18. August 2024

How Frequency The Eye
Josephine Pryde

Mit How Frequency The Eye präsentiert das Haus am Waldsee eine umfassende Einzelausstellung der in Berlin lebenden britischen Künstlerin Josephine Pryde.

In ihrer künstlerischen Arbeit befasst sich Josephine Pryde mit der Entstehung und dem Konsum von Bildern, wobei sie ihren Fokus insbesondere auf die Fotografie und damit verbundene Produktionsweisen legt. Mit unterschiedlichen technischen Mitteln greift sie Vorstellungen auf, die durch kameragestützte Bilder vermittelt werden, um etablierte Rezeptionsweisen und Erwartungen an die Darstellung des Sichtbaren neu zu befragen.

Avec How Frequency The Eye, la Haus am Waldsee présente une exposition individuelle complète de l'artiste britannique Josephine Pryde, qui vit à Berlin.

Dans son travail artistique, Josephine Pryde s'intéresse à la création et à la consommation de visuels, en se concentrant notamment sur la photographie et les modes de production qui lui sont associés. À l'aide de différents moyens techniques, elle s'empare des idées véhiculées par les visuels produits par les caméras afin de réinterroger les modes de réception établis et les attentes en matière de représentation du visible.

Con How Frequency The Eye, la Haus am Waldsee presenta una mostra personale completa dell'artista britannica con sede a Berlino Josephine Pryde.

Nel suo lavoro artistico, Josephine Pryde si occupa della creazione e del consumo di immagini, concentrandosi in particolare sulla fotografia e sui relativi modi di produzione. Utilizzando vari mezzi tecnici, l'artista riprende le idee veicolate dalle immagini basate sulla macchina fotografica per mettere in discussione le modalità di ricezione e le aspettative di rappresentazione del visibile.

With How Frequency The Eye, Haus am Waldsee presents a comprehensive exhibition by the Berlin-based British artist Josephine Pryde.

In her practice, Josephine Pryde explores modes of creation, consumption and production of images, most often through photography. Employing a wide range of technical means, she takes up ideas conveyed through camera-generated images, in order to challenge and re-examine established modes of reception and expectations as to how the visible may be rendered.

(Text: Haus am Waldsee, Berlin)

Visulex Gallery for Photography | Hamburg
30. Mai – 27. Juni 2024

Made in Japan - Fotografische Reise durch Japan: Zwischen Tradition und Moderne
Michael Nischke

Die faszinierende Kirschblüte Japans, eingefangen in ausdrucksstarken Momentaufnahmen, sowie die pulsierende Atmosphäre der Metropole Tokyo, stehen im Mittelpunkt der aktuellen Fotoausstellung von Michael Nischke. Unter dem Titel "Made in Japan" präsentiert die Galerie VisuleX in Hamburg eine einzigartige Sammlung von Fotografien, die die Gegensätze einer Gesellschaft zwischen Tradition und Moderne einfangen.

Während seiner zahlreichen Reisen nach Japan hat Nischke nicht nur die spektakuläre Kirschblüte erlebt, sondern auch die besondere Stimmung in den Straßen von Tokyo und Kyoto festgehalten. Die Ausstellung zeigt das Zusammenspiel dieser unterschiedlichen Motive und offenbart die vielschichtigen Facetten einer Gesellschaft, die tief verwurzelt in ihrer Tradition ist, aber auch von einer spürbaren Modernität geprägt wird.

Die Eröffnung dieser eindrucksvollen Ausstellung markiert den Abschluss einer gemeinsamen Reise von Michael Nischke und der Galeristin Vivian Laux-Eggert durch die malerischen Landschaften von Kanazawa, Hakone und Kamakura zum Höhepunkt der Sakura-Saison im April dieses Jahres.

Die Bilder der Kirschblüte, eingebettet in die japanische Tradition des "O-Hanami", werden ergänzt durch Aufnahmen der pulsierenden Megacity Tokyo. Diese Bilder vermitteln eine Atmosphäre der Entschleunigung und reflektieren die Spuren der wirtschaftlichen Krisen und gesellschaftlichen Veränderungen, die das moderne Japan prägen.

Durch die Verwendung von grafischen Formen, Kontrasten und Schattenrisse gelingt es Nischke, den Blick des Betrachters zu fesseln. Inspiriert von kalligrafischen Arbeiten und traditionellen Holzschnitten, setzen seine Werke auf Reduktion und klare Ästhetik, die das heutige Japan von seinen Widersprüchen und seiner Alltagsästhetik geprägt zeigen.

Die Ausstellung "Made in Japan" lädt Besucher ein, sich von der Schönheit und Vielfalt Japans verzaubern zu lassen und die einzigartige Atmosphäre dieses faszinierenden Landes zu erleben.

La fascinante floraison des cerisiers du Japon, capturée dans des instantanés expressifs, ainsi que l'atmosphère vibrante de la métropole de Tokyo, sont au cœur de l'exposition photographique actuelle de Michael Nischke. Sous le titre "Made in Japan", la galerie VisuleX de Hambourg présente une collection unique de photographies qui capturent les contrastes d'une société entre tradition et modernité.

Au cours de ses nombreux voyages au Japon, Nischke a non seulement assisté à la spectaculaire floraison des cerisiers, mais a également immortalisé l'ambiance particulière qui règne dans les rues de Tokyo et de Kyoto. L'exposition montre l'interaction entre ces différents motifs et révèle les multiples facettes d'une société profondément enracinée dans ses traditions, mais également marquée par une modernité palpable.

Le vernissage de cette exposition impressionnante marque la fin d'un voyage commun de Michael Nischke et de la galeriste Vivian Laux-Eggert à travers les paysages pittoresques de Kanazawa, Hakone et Kamakura, au point culminant de la saison des sakura en avril de cette année.

Les visuels de la floraison des cerisiers, intégrés dans la tradition japonaise du "O-Hanami", sont complétés par des clichés de la mégapole trépidante de Tokyo. Ces visuels dégagent une atmosphère de décélération et reflètent les traces des crises économiques et des changements sociaux qui caractérisent le Japon moderne.

En utilisant des formes graphiques, des contrastes et des ombres chinoises, Nischke parvient à capter le regard du spectateur. Inspirées par les travaux calligraphiques et les gravures sur bois traditionnelles, ses œuvres misent sur la réduction et une esthétique claire, montrant le Japon d'aujourd'hui marqué par ses contradictions et son esthétique quotidienne.

L'exposition "Made in Japan" invite les visiteurs à se laisser envoûter par la beauté et la diversité du Japon et à s'imprégner de l'atmosphère unique de ce pays fascinant.

L'affascinante fioritura dei ciliegi del Giappone, catturata in istantanee espressive, e l'atmosfera pulsante della metropoli di Tokyo sono al centro dell'attuale mostra fotografica di Michael Nischke. Con il titolo "Made in Japan", la VisuleX Gallery di Amburgo presenta una collezione unica di fotografie che catturano i contrasti di una società in bilico tra tradizione e modernità.

Durante i suoi numerosi viaggi in Giappone, Nischke non solo ha sperimentato la spettacolare fioritura dei ciliegi, ma ha anche catturato l'atmosfera speciale delle strade di Tokyo e Kyoto. La mostra mostra l'interazione di questi diversi motivi e rivela le molteplici sfaccettature di una società profondamente radicata nelle sue tradizioni, ma anche caratterizzata da una palpabile modernità.

L'inaugurazione di questa imponente mostra segna la fine di un viaggio congiunto di Michael Nischke e della gallerista Vivian Laux-Eggert attraverso i pittoreschi paesaggi di Kanazawa, Hakone e Kamakura al culmine della stagione dei sakura nell'aprile di quest'anno.

Le immagini della fioritura dei ciliegi, che appartengono alla tradizione giapponese dell'"O-Hanami", sono integrate da scatti della pulsante megalopoli di Tokyo. Queste immagini trasmettono un'atmosfera di decelerazione e riflettono le tracce delle crisi economiche e dei cambiamenti sociali che caratterizzano il Giappone moderno.

Attraverso l'uso di forme grafiche, contrasti e silhouette, Nischke riesce a catturare lo sguardo dello spettatore. Ispirate alle opere calligrafiche e alle xilografie tradizionali, le sue opere si concentrano sulla riduzione e su un'estetica chiara che mostra il Giappone di oggi caratterizzato dalle sue contraddizioni e dall'estetica quotidiana.

La mostra "Made in Japan" invita i visitatori a lasciarsi incantare dalla bellezza e dalla diversità del Giappone e a sperimentare l'atmosfera unica di questo affascinante Paese.

The fascinating cherry blossoms of Japan, captured in expressive snapshots, as well as the pulsating atmosphere of the metropolis of Tokyo, are the focus of Michael Nischke's current photo exhibition. Under the title "Made in Japan", the VisuleX gallery in Hamburg is presenting a unique collection of photographs that capture the contrasts of a society caught between tradition and modernity.

During his numerous trips to Japan, Nischke not only experienced the spectacular cherry blossom, but also captured the special atmosphere in the streets of Tokyo and Kyoto. The exhibition shows the interplay of these different motifs and reveals the multi-layered facets of a society that is deeply rooted in its traditions, but is also characterized by a palpable modernity.

The opening of this impressive exhibition marks the end of a joint journey by Michael Nischke and gallery owner Vivian Laux-Eggert through the picturesque landscapes of Kanazawa, Hakone and Kamakura at the height of the sakura season in April this year.

The visuals of the cherry blossom, embedded in the Japanese tradition of "O-Hanami", are complemented by shots of the vibrant megacity of Tokyo. These visuals convey an atmosphere of deceleration and reflect the traces of the economic crises and social changes that characterize modern Japan.

Through the use of graphic forms, contrasts and silhouettes, Nischke succeeds in captivating the viewer's gaze. Inspired by calligraphic works and traditional woodcuts, his works focus on reduction and clear aesthetics that show today's Japan characterized by its contradictions and everyday aesthetics.

The "Made in Japan" exhibition invites visitors to be enchanted by the beauty and diversity of Japan and to experience the unique atmosphere of this fascinating country.

(Text: Visulex Gallery for Photography, Hamburg)

C/O Berlin
1. Juni – 5. September 2024

Tyler Mitchell

Tyler Mitchell (*1995, USA) wird von paradiesischen Träumen vor dem Hintergrund der Geschichte inspiriert. Seit seinem Aufstieg in der Modewelt hat Mitchell eine visuelle Erzählung von Schönheit, Stil, Utopie und Landschaft geschaffen, die die Visionen vom Leben Schwarzer Menschen erweitern. Die Ausstellung präsentiert neue Perspektiven auf seine beständigen Themen der Selbstbestimmung und der außergewöhnlichen Aura des Alltäglichen und zeigt, wie Porträts in der Vergangenheit verwurzelt sein können und gleichzeitig eine imaginäre Zukunft hervorbringen. Mitchells facettenreiches Werk reicht von seiner farbintensiven Fotografie in Kuba und seinen in den USA, Europa und Westafrika entstandenen Porträts bis hin zu seinen Videoinstallationen, Skulpturen und neuesten Spiegel- und Stoffdrucken. Es zeigt die bedeutende Rolle der Fotografie bei der Gestaltung einer visuellen Welt, in der Zuflucht und Harmonie im Mittelpunkt stehen. C/O Berlin präsentiert die erste Einzelausstellung von Tyler Mitchell in Deutschland.

Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Art Mentor Foundation Lucerne.

Tyler Mitchell (*1995, États-Unis) s'inspire de rêves paradisiaques sur fond d'histoire. Depuis son ascension dans le monde de la mode, Mitchell a créé un récit visuel de beauté, de style, d'utopie et de paysage qui élargit les visions de la vie des personnes noires. L'exposition présente de nouvelles perspectives sur ses thèmes constants de l'autodétermination et de l'aura extraordinaire du quotidien, et montre comment les portraits peuvent être enracinés dans le passé tout en produisant un futur imaginaire. L'œuvre aux multiples facettes de Mitchell s'étend de sa photographie aux couleurs intenses à Cuba et de ses portraits réalisés aux États-Unis, en Europe et en Afrique de l'Ouest à ses installations vidéo, ses sculptures et ses dernières impressions sur miroir et tissu. Il montre le rôle important de la photographie dans la création d'un monde visuel où le refuge et l'harmonie sont au cœur des préoccupations. C/O Berlin présente la première exposition individuelle de Tyler Mitchell en Allemagne.

L'exposition est rendue possible grâce à l'Art Mentor Foundation Lucerne.

Tyler Mitchell (*1995, USA) si ispira a sogni paradisiaci sullo sfondo della storia. Fin dalla sua ascesa nel mondo della moda, Mitchell ha creato una narrazione visiva di bellezza, stile, utopia e paesaggio che amplia le visioni della vita nera. La mostra presenta nuove prospettive sui suoi temi duraturi dell'autodeterminazione e della straordinaria aura del quotidiano, dimostrando come la ritrattistica possa essere radicata nel passato e al contempo creare un futuro immaginario. Il lavoro poliedrico di Mitchell spazia dalla fotografia dai colori intensi a Cuba e dai ritratti realizzati negli Stati Uniti, in Europa e in Africa occidentale alle installazioni video, alle sculture e alle recenti stampe su specchio e tessuto. L'opera mostra l'importante ruolo della fotografia nel plasmare un mondo visivo in cui il rifugio e l'armonia sono al centro dell'attenzione. C/O Berlin presenta la prima mostra personale di Tyler Mitchell in Germania.

La mostra è resa possibile dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna.

Tyler Mitchell (b. 1995, USA) is driven by dreams of paradise against the backdrop of history. Since his rise to prominence in the world of fashion, Mitchell has propelled a visual narrative of beauty, style, utopia, and the landscape that expands visions of Black life. C/O Berlin presents Mitchell’s first solo exhibition in Germany, offering new perspectives on his long-standing themes of self-determination and the extraordinary radiance of the everyday. It shows how portraiture can be rooted in the past while evoking imagined futures. Mitchell’s dynamic range of work, from his color-drenched photography in Cuba and his portraits made in the United States, Europe, and West Africa, to his video installations, sculptures, and his latest prints on mirrors and fabric, traces photography’s vital role in shaping a visual realm in which refuge and repose are central.

Made possible by Art Mentor Foundation Lucerne.

(Text: C/O Berlin)

C/O Berlin
1. Juni – 5. September 2024

Studio Rex - Jean-Marie Donat Collection

Welche Geschichten verbergen sich in den Archiven von Fotostudios? Was erzählen uns die Porträts von den Träumen und Hoffnungen jener Menschen, die ihre Heimat verlassen haben? Lässt sich die Erfahrung von Migration und kolonialer Vergangenheit anhand dieser Bilder nachvollziehen? Diese und andere Fragen sind eng mit der Geschichte des Studio Rex verbunden. Gelegen im südfranzösischen Marseille, war das von der armenisch-zyprischen Familie Kessayan über zwei Generationen geführte Fotostudio zwischen 1933 und 2018 Anlaufstelle vieler Migrant:innen. Die Bilder zeigen Menschen in förmlicher Kleidung, die mit ernstem Blick für das offizielle Passfoto posieren; Selbstinszenierungen vor diversen Kulissen und Requisiten oder aber Fotomontagen, die jene vom Mittelmeer getrennte Familien wieder zusammenführen. Ein Großteil des Archivs des Fotostudios befindet sich heute im Besitz des französischen Sammlers Jean-Marie Donat. C/O Berlin präsentiert zum ersten Mal in Deutschland einen Teil dieses umfangreichen Bestands aus Fotos und Fotonegativen, die zwischen 1966 und 1985 entstanden sind. Dabei entsteht nicht nur ein Dialog zwischen Afrika und Europa, sondern auch zwischen privater wie kollektiver Erinnerung und Vergessen, zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Organisiert von Les Rencontres d‘Arles in Zusammenarbeit mit C/O Berlin.

Quelles histoires se cachent dans les archives des studios de photographie ? Que nous disent les portraits des rêves et des espoirs de ces personnes qui ont quitté leur pays ? Ces visuels permettent-ils de comprendre l'expérience de la migration et du passé colonial ? Ces questions et d'autres sont étroitement liées à l'histoire du Studio Rex. Situé à Marseille, dans le sud de la France, ce studio photo géré par la famille chypriote arménienne Kessayan depuis deux générations a été le point de chute de nombreux migrants entre 1933 et 2018. Les visuels montrent des personnes en tenue formelle, posant avec un regard sérieux pour la photo d'identité officielle ; des mises en scène de soi devant divers décors et accessoires ou encore des photomontages réunissant ces familles séparées par la Méditerranée. Une grande partie des archives du studio de photographie est aujourd'hui la propriété du collectionneur français Jean-Marie Donat. C/O Berlin présente pour la première fois en Allemagne une partie de ce vaste fonds de photos et de négatifs photographiques réalisés entre 1966 et 1985. Il en résulte un dialogue non seulement entre l'Afrique et l'Europe, mais aussi entre la mémoire privée et collective et l'oubli, entre le passé et le présent.

Organisé par Les Rencontres d'Arles en collaboration avec C/O Berlin.

Quali storie si nascondono negli archivi degli studi fotografici? Cosa ci dicono i ritratti sui sogni e le speranze di chi ha lasciato la propria terra? L'esperienza della migrazione e il passato coloniale possono essere ripercorsi attraverso queste immagini? Queste e altre domande sono strettamente legate alla storia dello Studio Rex. Situato a Marsiglia, nel sud della Francia, lo studio fotografico, gestito dalla famiglia armeno-cipriota Kessayan per due generazioni, è stato un punto di riferimento per molti migranti tra il 1933 e il 2018. Le immagini mostrano persone in abiti formali, in posa con uno sguardo serio per la fototessera ufficiale; autoscatti davanti a vari fondali e oggetti di scena o fotomontaggi che riuniscono le famiglie separate dal Mediterraneo. Gran parte dell'archivio dello studio fotografico è ora di proprietà del collezionista francese Jean-Marie Donat. Per la prima volta in Germania, C/O Berlin presenta parte di questa vasta collezione di foto e negativi fotografici realizzati tra il 1966 e il 1985. Il risultato non è solo un dialogo tra Africa ed Europa, ma anche tra memoria privata e collettiva e oblio, tra passato e presente.

Organizzata da Les Rencontres d'Arles in collaborazione con C/O Berlin.

What hidden stories await discovery in photo studio archives? What can we discern in portraits flush with the hopes and dreams of individuals who have left their homeland? Can such images help us understand past experiences of migration and colonization? These and other questions are bound up in the history of Studio Rex, located in Marseille in the south of France and run for two generations by the Kessayans, an Armenian-Cypriot family, from 1933 to 2018. The studio was a meeting place for many migrants. The photographs include individuals in formalwear gazing solemnly at the camera as they pose for official passport photographs; self-stagings with props against a variety of backdrops as well as photomontages that unite families separated by the Mediterranean. Today, French collector Jean-Marie Donat owns much of the photo studio’s archive. For the first time in Germany, C/O Berlin will show a selection of works taken from this extensive collection of photographs and negatives from between 1966 and 1985. The images evoke a dialogue between Africa and Europe, as well as an exchange between private and collective memory and forgetting, and between past and present.

Produced by Les Rencontres d’Arles in cooperation with C/O Berlin.

(Text: C/O Berlin)

Helmut Newton Stiftung | Berlin
7. Juni 2024 – 16. Februar 2025

Berlin, Berlin - 20 Jahre Helmut Newton Stiftung

Helmut Newton, Yva, Jewgeni Chaldej, Hein Gorny, Arwed Messmer / Fritz Tiedemann, Will McBride, Arno Fischer, Arwed Messmer / Annett Gröschner, Wim Wenders, F.C. Gundlach, Günter Zint, Maria Sewcz, Michael Schmidt, Thomas Florschuetz, Ulrich Wüst, Barbara Klemm, Harf Zimmermann

Mit der Gruppenausstellung „Berlin, Berlin“ feiert die Helmut Newton Stiftung im Juni 2024 ihr 20jähriges Jubiläum; zugleich ist es eine Hommage an Newtons Geburtsstadt. Im Herbst 2003 hatte sich der Fotograf entschieden, Teile seines Archivs nach Berlin zu überführen, nachdem er die nach ihm benannte Stiftung gegründet hatte, die im ehemaligen Landwehrkasino am Bahnhof Zoologischer Garten untergebracht und im Juni 2004 eröffnet wurde. Von jenem Bahnhof verließ Helmut Neustädter, als Jude ständig von der Deportation bedroht, Anfang Dezember 1938 überstürzt Berlin und kehrte 65 Jahre später als weltberühmter Fotograf Helmut Newton zurück. Seitdem bespielt die Helmut Newton Stiftung gemeinsam mit der Kunstbibliothek das historische Gebäude unter dem Namen „Museum für Fotografie“. Nach dem Tod von June Newton (alias Alice Springs) im April 2021 ist das Gesamtwerk von Helmut Newton und Alice Springs sowie alle Archivalien im Stiftungsarchiv untergebracht.

Helmut Newton absolvierte von 1936 bis 1938 in Berlin-Charlottenburg eine Ausbildung bei der legendären Fotografin Yva, der er in seinem späteren Werk in den drei Genres Mode, Porträt und Akt folgte. Nach Stationen in Singapur und Melbourne begann Newtons eigentliche Karriere in Paris Anfang der 1960er-Jahre; in dieser Zeit kehrte er auch regelmäßig nach Berlin zurück, um hier insbesondere für Modemagazine zu fotografieren, darunter für die Constanze, für Adam oder die Vogue Europe. Wir begegnen in der Ausstellung Newtons Modellen am Brandenburger Tor, noch vor dem Mauerbau, und 1963 realisierte er rund um die Berliner Mauer eine „Mata-Hari-Spionage-Story“ mit Brigitte Schilling als Modebildstrecke, die für einiges Aufsehen sorgte. 1979 wurde er von der deutschen Vogue beauftragt, die gerade wieder auf den Zeitschriftenmarkt zurückkehrte, den Spuren seiner Kindheit und Jugend in West-Berlin zu folgen und aktuelle Mode zu visualisieren; so entstand damals ein mehrseitiges Portfolio unter dem Titel „Berlin, Berlin!“, der für diese Jubiläumsausstellung übernommen wurde. Später entstanden Cover-Stories für das Condé Nast Traveler Magazin (1987), das Zeit-Magazin (1990), die Männer Vogue (1991) oder das Magazin der Süddeutschen Zeitung (2001).

Newtons ikonische und unbekanntere Berlin-Bilder, die zwischen den 1930er und Nullerjahren entstanden, werden in den anderen Ausstellungsräumen neu kontextualisiert, von vintage prints von Yva bis hin zur journalistisch-politischen Fotografie von Barbara Klemm. So wird der inhaltliche Bogen von den „goldenen Zwanzigern“, in die Newton hineingeboren wurde, über die Kriegszerstörung, den Wiederaufbau, den Mauerbau und -fall bis ins frühe 21. Jahrhundert geschlagen.

Jewgeni Chaldei, ein russisch-ukrainischer Fotograf, schuf ikonische Bilder vom Häuserkampf rund um den Reichstag in den letzten Kriegswochen im Frühjahr 1945, während Hein Gorny im folgenden Herbst gemeinsam mit Adolph C. Byers über die Stadt flog und ihren ruinösen Zustand nach Kriegsende in einer Serie spektakulärer Luftaufnahmen dokumentierte. In den späten 1950er-Jahren normalisierte sich langsam die lange Zeit so prekäre Situation in Berlin, wie wir anhand der Aufnahmen von Arno Fischer, Will McBride und F.C. Gundlach sehen können, die seinerzeit noch abwechselnd im Ost- und im Westteil der Stadt fotografieren konnten. Der Mauerbau im August 1961 veränderte erneut nahezu alles, im Westteil begannen ab 1966 die Studentenunruhen und die APO-Zeit, festgehalten unter anderem von Günter Zint sowie in einer Archivarbeit von Arwed Messmer, zusammengestellt aus historischen Aufnahmen der West-Berliner Polizei und durch die künstlerische Aneignung neu erlebbar. Messmer interpretierte kongenial auch die Fotografien von Fritz Tiedemann neu, der ab 1949 im Auftrag des Ost-Berliner Magistrats die noch teilweise in Trümmern darniederliegende Stadt systematisch dokumentierte. Die Bildfolgen bestimmter Gebäude, Plätze und Straßenzüge bildeten Panoramen, die von Tiedemann als Kontaktkopien auf Kartons geklebt wurden. Erst durch die Intervention von Arwed Messmer, der die unikatäre Qualität dieser Stadt-Dokumentation erkannte, im Auftrag der Berlinischen Galerie sichtete, rekonstruierte und in riesigen, digitalen Ausbelichtungen materialisierte, können wir Berlin und seine Leere um 1950 völlig neu entdecken.

Die Berliner Mauer taucht in der Ausstellung immer wieder auf, insbesondere in den 12 Folianten von Arwed Messmer und Annett Gröschner, in denen die Besucher den Zustand der gesamten Mauer Mitte der 1960er-Jahre studieren können, ebenso wie Bilder aus der geteilten Stadt, die jenseits des Brandenburger Tores oder des Reichstages entstanden sind und zusammengenommen den Mythos Berlins und seine Visualisierung ausmachen. So sind es bestimmte Projekte, die Foto- oder Filmgeschichte geschrieben haben, die hier spannungsvoll miteinander interagieren, etwa Maria Sewcz‘ Serie „inter esse“ neben Michael Schmidts „Waffenruhe“ und film stills aus Wim Wenders‘ „Himmel über Berlin“; alle stammen aus den späten 1980er-Jahren, noch vor dem Mauerfall.

Der Fall der Mauer, die Wiedervereinigung und die Fotografien, die dazu und danach entstanden sind, bilden schließlich das letzte Kapitel dieser Übersichtsausstellung. Dafür stehen exemplarisch Ulrich Wüsts Leporellos sowie Thomas Florschuetz und Harf Zimmermann mit ihren großformatigen Farbarbeiten, die unter anderem im ehemaligen Palast der Republik entstanden und den Fernsehturm am Alexanderplatz respektive das Schinkel’sche Erbe in Berlins Mitte spannungsvoll neu verorten. Es sind Bilder einer Stadt, die dazu verdammt ist, „immerfort zu werden und niemals zu sein“ (Karl Scheffler).

So wird Newtons Blick auf seine Heimatstadt, in Form von etwa 100 Fotografien, von ebenso vielen Bildern und unterschiedlichen Ansätzen der Kollegen und Kolleginnen in den hinteren Räumen begleitet, kommentiert, ergänzt und gespiegelt. Eine solche Gegenüberstellung mit wechselseitigen Bezügen gab es in der Stiftung bereits 2022 mit der Gruppenausstellung „Hollywood“, einem anderen bekannten Ort der Newton’schen Bildproduktion.

Avec l'exposition de groupe "Berlin, Berlin", la Fondation Helmut Newton fêtera en juin 2024 son 20e anniversaire ; c'est aussi un hommage à la ville natale de Newton. A l'automne 2003, le photographe avait décidé de transférer une partie de ses archives à Berlin, après avoir créé la fondation qui porte son nom, installée dans l'ancien Landwehrkasino de la gare Zoologischer Garten et inaugurée en juin 2004. C'est de cette gare qu'Helmut Neustädter, juif et constamment menacé de déportation, a quitté précipitamment Berlin début décembre 1938 pour y revenir 65 ans plus tard sous le nom de Helmut Newton, photographe de renommée mondiale. Depuis, la fondation Helmut Newton occupe le bâtiment historique en collaboration avec la bibliothèque d'art sous le nom de "Museum für Fotografie". Après le décès de June Newton (alias Alice Springs) en avril 2021, l'ensemble de l'œuvre d'Helmut Newton et d'Alice Springs ainsi que tous les documents d'archives sont conservés dans les archives de la fondation.

Helmut Newton a suivi une formation à Berlin-Charlottenburg de 1936 à 1938 auprès de la légendaire photographe Yva, qu'il a suivie dans son œuvre ultérieure dans les trois genres de la mode, du portrait et du nu. Après des étapes à Singapour et Melbourne, la véritable carrière de Newton a commencé à Paris au début des années 1960 ; c'est à cette époque qu'il est revenu régulièrement à Berlin pour y photographier notamment pour des magazines de mode, dont Constanze, Adam ou Vogue Europe. Nous rencontrons dans l'exposition les modèles de Newton à la porte de Brandebourg, avant même la construction du mur, et en 1963, il réalise autour du mur de Berlin une "histoire d'espionnage de Mata Hari" avec Brigitte Schilling en tant que parcours d'images de mode, qui a fait grand bruit. En 1979, le magazine allemand Vogue, qui venait de revenir sur le marché des magazines, lui a demandé de suivre les traces de son enfance et de sa jeunesse à Berlin-Ouest et de visualiser la mode actuelle ; c'est ainsi qu'il a réalisé à l'époque un portfolio de plusieurs pages sous le titre "Berlin, Berlin !", qui a été repris pour cette exposition anniversaire. Plus tard, des histoires de couverture ont été réalisées pour le magazine Condé Nast Traveler (1987), le magazine Zeit (1990), le magazine Männer Vogue (1991) ou le magazine de la Süddeutsche Zeitung (2001).

Les visuels berlinois iconiques et moins connus de Newton, réalisés entre les années 1930 et les années zéro, sont recontextualisés dans les autres salles d'exposition, des tirages vintage d'Yva à la photographie journalistique et politique de Barbara Klemm. Le contenu s'étend ainsi des "golden twenties", dans lesquelles Newton est né, jusqu'au début du 21e siècle, en passant par les destructions de la guerre, la reconstruction, la construction et la chute du mur.

Evgeni Chaldei, un photographe russo-ukrainien, a réalisé des visuels iconiques de la bataille des maisons autour du Reichstag pendant les dernières semaines de la guerre au printemps 1945, tandis que Hein Gorny a survolé la ville l'automne suivant en compagnie d'Adolph C. Byers et a documenté son état de ruine à la fin de la guerre dans une série de photos aériennes spectaculaires. A la fin des années 1950, la situation longtemps si précaire de Berlin se normalisa lentement, comme nous pouvons le voir à travers les clichés d'Arno Fischer, Will McBride et F.C. Gundlach qui, à l'époque, pouvaient encore photographier alternativement la partie est et la partie ouest de la ville. La construction du mur en août 1961 changea à nouveau presque tout, dans la partie ouest commencèrent à partir de 1966 les troubles estudiantins et la période APO, immortalisés entre autres par Günter Zint ainsi que dans un travail d'archives d'Arwed Messmer, composé de photos historiques de la police de Berlin-Ouest et revivifié par l'appropriation artistique. Messmer a également réinterprété de manière congéniale les photographies de Fritz Tiedemann qui, à partir de 1949, a systématiquement documenté la ville, encore partiellement en ruines, à la demande de la municipalité de Berlin-Est. Les séquences visuelles de certains bâtiments, places et rues constituaient des panoramas que Tiedemann collait sur des cartons sous forme de copies de contact. Ce n'est que grâce à l'intervention d'Arwed Messmer, qui a reconnu la qualité unique de cette documentation urbaine, l'a visionnée et reconstruite pour le compte de la Berlinische Galerie et l'a matérialisée sous forme d'immenses tirages numériques, que nous pouvons redécouvrir entièrement Berlin et son vide vers 1950.

Le mur de Berlin apparaît à plusieurs reprises dans l'exposition, notamment dans les 12 folios d'Arwed Messmer et d'Annett Gröschner, dans lesquels les visiteurs peuvent étudier l'état de l'ensemble du mur au milieu des années 1960, ainsi que des visuels de la ville divisée, réalisés au-delà de la porte de Brandebourg ou du Reichstag, qui, ensemble, constituent le mythe de Berlin et sa visualisation. Ce sont ainsi certains projets qui ont écrit l'histoire de la photographie ou du cinéma qui interagissent ici de manière passionnante, comme la série "inter esse" de Maria Sewcz à côté de "Waffenruhe" de Michael Schmidt et de films stills tirés de "Himmel über Berlin" de Wim Wenders ; tous datent de la fin des années 1980, avant même la chute du mur.

La chute du mur, la réunification et les photographies qui ont été prises à cette occasion et après constituent le dernier chapitre de cette exposition générale. Les leporellos d'Ulrich Wüst ainsi que les travaux en couleur grand format de Thomas Florschuetz et Harf Zimmermann, réalisés entre autres dans l'ancien Palais de la République, en sont des exemples et permettent de replacer de manière captivante la tour de télévision sur l'Alexanderplatz et l'héritage de Schinkel dans le centre de Berlin. Ce sont des visuels d'une ville qui est condamnée à "devenir sans cesse et à ne jamais être" (Karl Scheffler).

Ainsi, le regard de Newton sur sa ville natale, sous la forme d'une centaine de photographies, est accompagné, commenté, complété et reflété par autant de visuels et d'approches différentes de ses collègues dans les salles du fond. Une telle confrontation avec des références réciproques a déjà eu lieu à la fondation en 2022 avec l'exposition de groupe "Hollywood", un autre lieu connu de la production d'images de Newton.

La Fondazione Helmut Newton festeggia il suo 20° anniversario nel giugno 2024 con la mostra collettiva "Berlino, Berlino", che rende omaggio anche alla città natale di Newton. Nell'autunno del 2003, il fotografo decise di trasferire parte del suo archivio a Berlino dopo aver istituito la fondazione che porta il suo nome, ospitata nell'ex Landwehrkasino della stazione Zoologischer Garten e inaugurata nel giugno 2004. Da quella stazione, Helmut Neustädter, in quanto ebreo costantemente minacciato di deportazione, lasciò Berlino in fretta e furia all'inizio del dicembre 1938 e tornò 65 anni dopo come il fotografo di fama mondiale Helmut Newton. Da allora, la Fondazione Helmut Newton, insieme alla Biblioteca d'Arte, gestisce lo storico edificio con il nome di "Museo della Fotografia". Dopo la morte di June Newton (alias Alice Springs) nell'aprile 2021, le opere complete di Helmut Newton e Alice Springs e tutto il materiale d'archivio sono conservati nell'archivio della fondazione.

Helmut Newton si è formato a Berlino-Charlottenburg dal 1936 al 1938 con il leggendario fotografo Yva, che ha seguito nel suo lavoro successivo nei tre generi della moda, del ritratto e del nudo. Dopo aver soggiornato a Singapore e a Melbourne, la vera carriera di Newton inizia a Parigi nei primi anni Sessanta; in questo periodo torna regolarmente a Berlino per fotografare soprattutto per le riviste di moda, tra cui Constanze, Adam e Vogue Europe. Nella mostra, incontriamo le modelle di Newton alla Porta di Brandeburgo, ancora prima della costruzione del Muro, e nel 1963 realizzò una "Mata Hari spy story" intorno al Muro di Berlino con Brigitte Schilling come serie di immagini di moda, che fece scalpore. Nel 1979 fu incaricato da Vogue tedesco, appena tornato sul mercato delle riviste, di seguire le tracce della sua infanzia e giovinezza a Berlino Ovest e di visualizzare la moda attuale; il risultato fu un portfolio di più pagine intitolato "Berlino, Berlino!", adottato per la mostra dell'anniversario. Le copertine successive sono state create per la rivista Condé Nast Traveler (1987), la rivista Zeit (1990), Männer Vogue (1991) e la rivista Süddeutsche Zeitung (2001).

Le immagini iconiche e meno note di Newton a Berlino, scattate tra gli anni Trenta e gli anni Duemila, sono ricontestualizzate nelle altre sale della mostra, dalle stampe vintage di Yva alla fotografia giornalistico-politica di Barbara Klemm. In questo modo, l'arco tematico viene tracciato dai "Golden Twenties", in cui Newton è nato, attraverso le distruzioni della guerra, la ricostruzione, la costruzione e la caduta del Muro di Berlino e fino all'inizio del XXI secolo.

Yevgeny Chaldei, fotografo russo-ucraino, creò immagini iconiche della battaglia delle case intorno al Reichstag nelle ultime settimane di guerra nella primavera del 1945, mentre Hein Gorny sorvolò la città nell'autunno successivo insieme ad Adolph C. Byers e documentò il suo stato di rovina dopo la fine della guerra in una serie di spettacolari fotografie aeree. Alla fine degli anni Cinquanta, la situazione a lungo precaria di Berlino si normalizzò lentamente, come si può vedere dalle fotografie di Arno Fischer, Will McBride e F.C. Gundlach, che all'epoca potevano ancora fotografare alternativamente nella parte orientale e occidentale della città. La costruzione del Muro nell'agosto del 1961 cambiò di nuovo quasi tutto, mentre le agitazioni studentesche e il periodo dell'APO iniziarono nella parte occidentale della città nel 1966, immortalate da Günter Zint e altri, così come in un lavoro d'archivio di Arwed Messmer, compilato da fotografie storiche della polizia di Berlino Ovest e riportato in vita attraverso l'appropriazione artistica. Messmer ha anche reinterpretato in modo congeniale le fotografie di Fritz Tiedemann, che a partire dal 1949 fu incaricato dal magistrato di Berlino Est di documentare sistematicamente la città, ancora parzialmente in rovina. Le sequenze di immagini di alcuni edifici, piazze e strade formavano dei panorami che Tiedemann incollava su cartone come stampe a contatto. Solo grazie all'intervento di Arwed Messmer, che ha riconosciuto la qualità unica di questa documentazione della città, l'ha visionata per conto della Berlinische Galerie, l'ha ricostruita e materializzata in enormi esposizioni digitali, siamo in grado di riscoprire Berlino e il suo vuoto intorno al 1950.

Il Muro di Berlino compare ripetutamente nella mostra, soprattutto nei 12 fogli di Arwed Messmer e Annett Gröschner, in cui il visitatore può studiare lo stato dell'intero Muro a metà degli anni Sessanta, oltre alle immagini della città divisa che sono state create al di là della Porta di Brandeburgo o del Reichstag e che insieme costituiscono il mito di Berlino e la sua visualizzazione. Alcuni progetti che hanno scritto la storia della fotografia o del cinema interagiscono qui in modo stimolante, come la serie "inter esse" di Maria Sewcz accanto a "Waffenruhe" di Michael Schmidt e ai fotogrammi del film "Himmel über Berlin" di Wim Wenders; tutti risalgono alla fine degli anni Ottanta, prima della caduta del Muro.

La caduta del Muro, la riunificazione e le fotografie scattate durante e dopo di essa costituiscono il capitolo finale di questa mostra panoramica. I leporelli di Ulrich Wüst e le opere a colori di grande formato di Thomas Florschuetz e Harf Zimmermann, realizzate tra l'altro nell'ex Palast der Republik e che riposizionano in modo emozionante rispettivamente la torre della televisione in Alexanderplatz e l'eredità di Schinkel nel centro di Berlino, ne sono un esempio. Sono immagini di una città condannata a "diventare sempre e non essere mai" (Karl Scheffler).

La visione di Newton della sua città natale, sotto forma di circa 100 fotografie, è accompagnata, commentata, integrata e rispecchiata da altrettante immagini e approcci diversi dei suoi colleghi nelle sale posteriori. Una simile giustapposizione con riferimenti reciproci si era già verificata alla fondazione nel 2022 con la mostra collettiva "Hollywood", altro luogo noto della produzione di immagini di Newton.

The Helmut Newton Foundation is celebrating its 20th anniversary in June 2024 with the group exhibition "Berlin, Berlin", which also pays homage to the city of Newton's birth. In the fall of 2003, the photographer decided to transfer parts of his archive to Berlin after establishing the foundation named after him, which was housed in the former Landwehrkasino at Zoologischer Garten station and opened in June 2004. From that station, Helmut Neustädter, as a Jew constantly threatened with deportation, left Berlin in a hurry at the beginning of December 1938 and returned 65 years later as the world-famous photographer Helmut Newton. Since then, the Helmut Newton Foundation, together with the Art Library, has occupied the historic building under the name "Museum of Photography". Following the death of June Newton (aka Alice Springs) in April 2021, the complete works of Helmut Newton and Alice Springs as well as all archival materials are housed in the foundation's archive.

Helmut Newton trained in Berlin-Charlottenburg from 1936 to 1938 with the legendary photographer Yva, whom he followed in his later work in the three genres of fashion, portrait and nude. After stints in Singapore and Melbourne, Newton's real career began in Paris in the early 1960s; during this time he also returned regularly to Berlin to photograph for fashion magazines in particular, including Constanze, Adam and Vogue Europe. In the exhibition, we encounter Newton's models at the Brandenburg Gate, even before the Wall was built, and in 1963 he realized a "Mata Hari spy story" around the Berlin Wall with Brigitte Schilling as a fashion picture series, which caused quite a stir. In 1979, he was commissioned by German Vogue, which had just returned to the magazine market, to follow in the footsteps of his childhood and youth in West Berlin and visualize current fashion; the result was a multi-page portfolio entitled "Berlin, Berlin!", which was adopted for this anniversary exhibition. Later cover stories were created for Condé Nast Traveler magazine (1987), Zeit magazine (1990), Männer Vogue (1991) and the Süddeutsche Zeitung magazine (2001).

Newton's iconic and lesser-known Berlin visuals, taken between the 1930s and the noughties, are re-contextualized in the other exhibition rooms, from vintage prints by Yva to journalistic-political photography by Barbara Klemm. The thematic arc is thus drawn from the "golden twenties", into which Newton was born, through the destruction of the war, reconstruction, the building and fall of the Berlin Wall and into the early 21st century.

Yevgeny Chaldei, a Russian-Ukrainian photographer, created iconic visuals of the battle of the houses around the Reichstag in the last weeks of the war in the spring of 1945, while Hein Gorny flew over the city the following fall with Adolph C. Byers and documented its ruinous state after the end of the war in a series of spectacular aerial photographs. In the late 1950s, the situation in Berlin, which had long been so precarious, slowly returned to normal, as we can see from the photographs of Arno Fischer, Will McBride and F.C. Gundlach, who at the time were still able to alternate between photographing the eastern and western parts of the city. The construction of the Berlin Wall in August 1961 changed almost everything again, while the student unrest and the APO period began in the western part of the city in 1966, captured by Günter Zint, among others, and in an archive work by Arwed Messmer, compiled from historical photographs of the West Berlin police and brought to life anew through artistic appropriation. Messmer also congenially reinterpreted the photographs of Fritz Tiedemann, who systematically documented the city, still partly in ruins, on behalf of the East Berlin magistrate from 1949 onwards. The visual sequences of certain buildings, squares and streets formed panoramas, which Tiedemann pasted onto cardboard as contact prints. It was only through the intervention of Arwed Messmer, who recognized the unique quality of this documentation of the city, viewed it on behalf of the Berlinische Galerie, reconstructed it and materialized it in huge, digital exposures, that we can completely rediscover Berlin and its emptiness around 1950.

The Berlin Wall appears again and again in the exhibition, especially in the 12 folios by Arwed Messmer and Annett Gröschner, in which visitors can study the state of the entire Wall in the mid-1960s, as well as visuals from the divided city taken beyond the Brandenburg Gate or the Reichstag, which together make up the myth of Berlin and its visualization. Certain projects that have written photographic or film history interact with each other here in an exciting way, such as Maria Sewcz's series "inter esse" alongside Michael Schmidt's "Waffenruhe" and film stills from Wim Wenders' "Himmel über Berlin"; all date from the late 1980s, before the fall of the Wall.

The fall of the Wall, reunification and the photographs that were taken before and after it form the final chapter of this overview exhibition. Ulrich Wüst's leporellos and Thomas Florschuetz and Harf Zimmermann's large-format color works, which were created in the former Palace of the Republic, among other places, and excitingly reposition the television tower on Alexanderplatz and Schinkel's legacy in the center of Berlin, respectively, are exemplary of this. They are visuals of a city that is condemned to "always become and never be" (Karl Scheffler).

Newton's view of his hometown, in the form of around 100 photographs, is accompanied, commented on, supplemented and mirrored by just as many visuals and different approaches by his colleagues in the rear rooms. Such a juxtaposition with reciprocal references already took place at the foundation in 2022 with the group exhibition "Hollywood", another well-known place of Newton's image production.

(Text: Helmut Newton Stiftung, Berlin)

Berlinische Galerie – Museum für moderne Kunst
8. Juni – 14. Oktober 2024

Being, Seeing, Wandering – Hannah-Höch-Preis 2024
Akinbode Akinbiyi

Akinbode Akinbiyi (*1946 Oxford, Großbritannien) erhält den Hannah-Höch-Preis 2024. Für seine Straßenaufnahmen erwandert Akinbiyi, der seit 1991 in Berlin lebt und arbeitet, die Metropolen dieser Welt. Lagos, Bamako, Berlin oder Durban – der Stadtraum ist sein Arbeitsplatz. Ein Ort, den er als „grenzenloses Labyrinth“ empfindet, „ein Irrgarten niemals endender Straßen, in unzählbaren Wegen zusammenfließend“, wie er 2009 formulierte. Akinbiyi fotografiert, was er beobachtet, analog und überwiegend in Schwarz-Weiß. Vor der Linse seiner Mittelformatkamera inszeniert sich die Wirklichkeit spielerisch, fast eigenständig. Seine Bilder sind visuelle Metaphern, die kulturellen Wandel und soziale Ausgrenzung ebenso thematisieren, wie die gesellschaftspolitischen und städtebaulichen Folgen des Kolonialismus.

Mit rund 120 Fotografien aus verschiedenen Langzeitserien gibt die Einzelausstellung Einblicke in das umfassende Werk des international bekannten Fotografen und Autors.

Der Hannah-Höch-Preis wird seit 1996 von der Kulturverwaltung des Berliner Senats für ein herausragendes künstlerisches Lebenswerk verliehen. Ausgezeichnet werden Künstler*innen mit Lebens- und Arbeitsschwerpunkt in Berlin, die durch eine kontinuierliche künstlerische Leistung hervorstechen. Der Preis ist mit 25.000 Euro dotiert und umfasst eine Ausstellung sowie eine Publikation. Die Auswahl erfolgt durch die Förderkommission Bildende Kunst der Kulturverwaltung des Berliner Senats, in der die Berlinische Galerie, die Stiftung Stadtmuseum Berlin, das Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin und der Neue Berliner Kunstverein vertreten sind.

Akinbode Akinbiyi (*1946 Oxford, Grande-Bretagne) reçoit le prix Hannah Hoech 2024. Pour ses photos de rue, Akinbiyi, qui vit et travaille à Berlin depuis 1991, parcourt les métropoles du monde. Lagos, Bamako, Berlin ou Durban - l'espace urbain est son lieu de travail. Un lieu qu'il perçoit comme un "labyrinthe sans limites", "un dédale de rues qui ne finissent jamais, se rejoignant en d'innombrables chemins", comme il l'a formulé en 2009. Akinbiyi photographie ce qu'il observe, de manière analogique et principalement en noir et blanc. Devant l'objectif de son appareil moyen format, la réalité se met en scène de manière ludique, presque autonome. Ses visuels sont des métaphores visuelles qui abordent aussi bien les changements culturels et l'exclusion sociale que les conséquences sociopolitiques et urbanistiques du colonialisme.

Avec environ 120 photographies issues de différentes séries à long terme, l'exposition individuelle donne un aperçu de l'œuvre complète de ce photographe et auteur de renommée internationale.

Le prix Hannah Hoech est décerné depuis 1996 par l'administration culturelle du Sénat de Berlin pour récompenser une œuvre artistique exceptionnelle. Sont récompensés les artistes* dont la vie et le travail sont centrés sur Berlin et qui se distinguent par une performance artistique continue. Le prix est doté de 25 000 euros et comprend une exposition ainsi qu'une publication. La sélection est effectuée par la commission de promotion des arts visuels de l'administration culturelle du Sénat de Berlin, au sein de laquelle sont représentés la Berlinische Galerie, la Stiftung Stadtmuseum Berlin, le Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin et le Neue Berliner Kunstverein.

Akinbode Akinbiyi (*1946 Oxford, Gran Bretagna) ha ricevuto il Premio Hannah Höch 2024. Akinbiyi, che vive e lavora a Berlino dal 1991, esplora le metropoli del mondo per la sua fotografia di strada. Lagos, Bamako, Berlino o Durban: lo spazio urbano è il suo luogo di lavoro. Un luogo che egli percepisce come un "labirinto sconfinato", "un labirinto di strade senza fine, che confluiscono in innumerevoli percorsi", come ha detto nel 2009. Akinbiyi fotografa ciò che osserva, in analogico e prevalentemente in bianco e nero. Davanti all'obiettivo della sua macchina fotografica di medio formato, la realtà viene messa in scena in modo giocoso, quasi autonomo. Le sue immagini sono metafore visive che tematizzano il cambiamento culturale e l'esclusione sociale, nonché le conseguenze socio-politiche e urbanistiche del colonialismo.

Con circa 120 fotografie di varie serie a lungo termine, la mostra personale offre una panoramica del vasto lavoro del fotografo e autore di fama internazionale.

Il Premio Hannah Höch viene assegnato dal 1996 dall'amministrazione culturale del Senato di Berlino come riconoscimento per gli eccellenti risultati artistici ottenuti nel corso della vita. Il premio premia gli artisti che vivono e lavorano a Berlino e che si distinguono per i loro continui risultati artistici. Il premio è dotato di 25.000 euro e comprende una mostra e una pubblicazione. La selezione viene effettuata dalla Commissione per la promozione delle arti visive dell'Amministrazione culturale del Senato di Berlino, in cui sono rappresentati la Berlinische Galerie, la Stiftung Stadtmuseum Berlin, il Kupferstichkabinett dello Staatliche Museen zu Berlin e il Neuer Berliner Kunstverein.

Akinbode Akinbiyi (*1946 Oxford, Great Britain) receives the Hannah Höch Prize 2024. Akinbiyi, who has lived and worked in Berlin since 1991, explores the world's major cities for his street photography. Lagos, Bamako, Berlin or Durban - the urban space is his workplace. A place that he perceives as a "boundless labyrinth", "a maze of never-ending streets, flowing together in countless paths", as he put it in 2009. Akinbiyi photographs what he observes, analog and predominantly in black and white. In front of the lens of his medium format camera, reality is staged playfully, almost autonomously. His visuals are visual metaphors that address cultural change and social exclusion as well as the socio-political and urban planning consequences of colonialism.

With around 120 photographs from various long-term series, the solo exhibition provides an insight into the extensive work of the internationally renowned photographer and author.

The Hannah Höch Prize has been awarded by the cultural administration of the Berlin Senate for outstanding artistic life's work since 1996. The prize is awarded to artists who live and work in Berlin and who stand out for their continuous artistic achievements. The prize is endowed with 25,000 euros and includes an exhibition and a publication. The selection is made by the Visual Arts Promotion Commission of the Cultural Administration of the Berlin Senate, in which the Berlinische Galerie, the Stiftung Stadtmuseum Berlin, the Kupferstichkabinett of the Staatliche Museen zu Berlin and the Neuer Berliner Kunstverein are represented.

(Text: Berlinische Galerie)

CAMERA WORK | Berlin
8. Juni – 17. August 2024

Dean West

Dean West wurde 1983 in Australien geboren und studierte am renommierten Queensland College of Art. Geprägt von der Vielfalt der Bildenden Kunst, haben ihn vor allem das Oeuvre von Stan Douglas und Jeff Wall sowie David Hockney und Edward Hopper beeinflusst. Der Künstler hat zugleich eine eigene Bildsprache entwickelt und definiert: präzise choreografierte Szenen, die durch den bewussten Einsatz von Symmetrie und idealer Lichtwirkung einen hohen Wiedererkennungswert besitzen und durch einen streng komponierten Bildaufbau wirken. West versteht die Fotografie als künstlerische Epoche und als ein Medium der zeitgenössischen Kommunikation, mit dem er es vermag, in technischer und ätherischer Perfektion seine künstlerische Vision umzusetzen.

Dean West arbeitet seriell und befasst sich in seiner Fotografie mit scheinbar alltäglichen Ereignissen, Charakterstudien sowie atmosphärischen Landschaften, die oftmals über eine natürliche Realität hinausgehen und in komplexe Narrationen münden. Der Künstler reflektiert in seinen Werken ergreifend über gesellschaftliche Themen, Kulturen und soziale Beziehungen. Diese beschreibt West mittels zunächst surreal schön anmutender Szenerien, deren vielschichtige Inhalte sich für den Betrachter sukzessive enthüllen.

Die Arbeiten des vielfach ausgezeichenten Künstlers werden weltweit in bedeutenden Museen und Kunstinstitutionen ausgestellt – u. a. im Columbus Museum of Art (2012), im Discovery Times Square Museum in New York City (2014), im Faneuil Hall Museum in Boston (2015) sowie im Pariser Expo Porte De Versailles (2015). West gilt als einer der vielversprechendsten Künstler seiner Generation. Seine Arbeiten sind Teil bedeutender Sammlungen für zeitgenössische Kunst und unter anderem vertreten in The Møller Collection sowie der Sammlung von Sir Elton John.

Dean West est né en 1983 en Australie et a étudié au prestigieux Queensland College of Art. Marqué par la diversité des arts visuels, il a surtout été influencé par l'œuvre de Stan Douglas et Jeff Wall ainsi que par David Hockney et Edward Hopper. L'artiste a en même temps développé et défini son propre langage visuel : des scènes chorégraphiées avec précision, qui possèdent une grande valeur de reconnaissance grâce à l'utilisation consciente de la symétrie et de l'effet de lumière idéal, et qui agissent grâce à une construction d'image composée de manière rigoureuse. West considère la photographie comme une époque artistique et un moyen de communication contemporain, grâce auquel il parvient à mettre en œuvre sa vision artistique avec une perfection technique et éthérée.

Dean West travaille en série et s'intéresse dans sa photographie à des événements apparemment quotidiens, à des études de caractère ainsi qu'à des paysages atmosphériques qui dépassent souvent une réalité naturelle pour aboutir à des narrations complexes. Dans ses œuvres, l'artiste réfléchit de manière poignante sur des thèmes de société, des cultures et des relations sociales. West les décrit au moyen de scènes à la beauté d'abord surréaliste, dont les contenus complexes se dévoilent successivement au spectateur.

Les œuvres de cet artiste primé sont exposées dans de grands musées et institutions artistiques du monde entier, notamment au Columbus Museum of Art (2012), au Discovery Times Square Museum de New York City (2014), au Faneuil Hall Museum de Boston (2015) et à l'Expo Porte de Versailles à Paris (2015). West est considéré comme l'un des artistes les plus prometteurs de sa génération. Ses œuvres font partie d'importantes collections d'art contemporain et sont notamment représentées dans The Møller Collection ainsi que dans la collection de Sir Elton John.

Dean West è nato in Australia nel 1983 e ha studiato presso il rinomato Queensland College of Art. Influenzato dalla diversità delle arti visive, è stato particolarmente influenzato dall'opera di Stan Douglas e Jeff Wall, nonché da David Hockney ed Edward Hopper. Allo stesso tempo, l'artista ha sviluppato e definito un proprio linguaggio visivo: scene precisamente coreografate che hanno un alto valore di riconoscimento grazie all'uso deliberato della simmetria e di effetti di luce ideali e sono efficaci grazie alla loro composizione rigorosa. West considera la fotografia come un'epoca artistica e come un mezzo di comunicazione contemporaneo con il quale è in grado di realizzare la sua visione artistica con perfezione tecnica ed eterea.

Dean West lavora in serie e la sua fotografia tratta eventi apparentemente quotidiani, studi di personaggi e paesaggi atmosferici che spesso vanno oltre la realtà naturale e si traducono in narrazioni complesse. Nelle sue opere, l'artista riflette in modo toccante su questioni sociali, culture e relazioni sociali. West li descrive attraverso scene apparentemente surreali e bellissime, il cui contenuto a più livelli si rivela gradualmente allo spettatore.

Le opere del pluripremiato artista sono esposte in importanti musei e istituzioni artistiche di tutto il mondo, tra cui il Columbus Museum of Art (2012), il Discovery Times Square Museum di New York (2014), il Faneuil Hall Museum di Boston (2015) e l'Expo Porte De Versailles di Parigi (2015). West è riconosciuto come uno degli artisti più promettenti della sua generazione. Le sue opere fanno parte di importanti collezioni d'arte contemporanea, tra cui la Møller Collection e la collezione di Sir Elton John.

Dean West was born in Australia in 1983 and studied at the renowned Queensland College of Art. Influenced by the diversity of the visual arts, he has been particularly guided by the oeuvre of Stan Douglas and Jeff Wall as well as David Hockney and Edward Hopper. At the same Time, the artist has developed and defined his own visual language: precisely choreographed scenes that have a high recognition value thanks to the deliberate use of symmetry and ideal lighting effects and are effective due to a strictly composed image structure. West sees photography as an artistic epoch and as a medium of contemporary communication with which he is able to realize his artistic vision with technical and aesthetic perfection.

Dean West works serially and deals with seemingly everyday events, character studies and atmospheric landscapes in his photography, which oden go beyond natural reality and result in complex narratives. In his works, the artist reflects profoundly on social issues, cultures and social relationships. West describes these by means of scenes that initially appear surreally beautiful, and whose multi-layered content is successively revealed to the viewer.

The multi-award-winning artist's work has been exhibited in major museums and art institutions around the world, including the Columbus Museum of Art (2012), the Discovery Times Square Museum in New York City (2014), the Faneuil Hall Museum in Boston (2015), and the Expo Porte De Versailles in Paris (2015). West is considered one of the most promising artists of his generation. His works are part of important collections of contemporary art and are represented in The Møller Collection and the collection of Sir Elton, among others.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
14. Juni – 25. August 2024

LIKE A WHIRLWIND – Die Genderplays von Marie Høeg & Bolette Berg

Die Ausstellung LIKE A WHIRLWIND – Die Genderplays von Marie Høeg & Bolette Berg präsentiert einzigartige Crossdressing-Aufnahmen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts.

Die Fotografinnen Bolette Berg und Marie Høeg gründeten 1894 das Fotostudio Berg & Høeg in der südnorwegischen Stadt Horten. Das Paar verbrachte sein gesamtes Erwachsenenleben damit, zusammen zu arbeiten und zu leben. Ihre recht konventionellen Portrait- und Landschaftsfotografien veröffentlichten sie als Postkarten. Zu internationalem Ruhm gelangten die Norwegerinnen posthum durch ihre frühen fotografischen Experimente mit Geschlechterrollen, die wohl zurecht als erste so komplexe fotografische Auseinandersetzung mit dem Thema Crossdressing gelten.

Bei der Versteigerung ihres Nachlasses in den 1970er Jahren erwarb der norwegische Sammler Leif Preus die Glasnegative der beiden Fotografinnen. Neben Aufnahmen von Landschaften und Reproduktionen von Kunstwerken befanden sich zwei Kisten, die mit dem Hinweis „privat“ versehen waren und Marie Høeg, Bolette Berg sowie ihre Geschwister und Freund*innen beim Posieren vor der Kamera zeigen. Mit traditioneller Portraitfotografie hatten diese Aufnahmen nichts gemein. Die spielerisch, humorvoll und voller Lebensfreude komponierten Fotografien stellen die Weiblichkeitsideale des 19. und frühen 20. Jahrhunderts sowie die Geschlechterrollen der damaligen Zeit radikal und frech in Frage. Erstaunlich ist die Aktualität der Bildsprache und die visuelle Auseinandersetzung mit dem Thema, die mit zeitgenössischer künstlerischer Praxis vergleichbar ist. Witzig und frisch nehmen die beiden Fotografinnen Stereotype auf und verwandeln sie mithilfe von Requisiten und Kostümen in frivole Fotografien.

Die moderne Herangehensweise der Fotograf*innen zeugt von Selbstbewusstsein, von einer spielerischen Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Normen; gleichzeitig macht der Nachlass deutlich, dass die Aufnahmen zu ihren Lebzeiten nur für den Privatgebrauch, nicht für die Öffentlichkeit, bestimmt waren. Das fotografische Atelier war der Safe Space, der sichere Ort, an dem sich die Protagonist*innen der Bilder selbstbestimmt präsentieren konnten.

Das Preus Museum, das norwegische Nationalmuseum für Fotografie e, verwaltet den Nachlass von Marie Høeg und Bolette Berg und besitzt die Original-Glasnegative in seiner Sammlung. Die Ausstellung im f³ – freiraum für fotografie zeigt digitale Reproduktionen dieses einzigartigen Materials, das in Deutschland so erstmalig zu sehen sein wird.

L'exposition LIKE A WHIRLWIND - Les Genderplays de Marie Høeg & Bolette Berg présente des photos de travestissement uniques de la fin du 19e et du début du 20e siècle.

Les photographes Bolette Berg et Marie Høeg ont fondé en 1894 le studio photo Berg & Høeg dans la ville de Horten, au sud de la Norvège. Le couple a passé toute sa vie d'adulte à travailler et à vivre ensemble. Ils publièrent leurs photographies de portraits et de paysages assez conventionnelles sous forme de cartes postales. Les Norvégiennes ont acquis une renommée internationale à titre posthume grâce à leurs premières expériences photographiques sur les rôles de genre, considérées à juste titre comme la première approche photographique aussi complexe du thème du travestissement.

Lors de la vente aux enchères de leur héritage dans les années 1970, le collectionneur norvégien Leif Preus a acquis les négatifs sur verre des deux photographes. Outre des clichés de paysages et des reproductions d'œuvres d'art, il y avait deux boîtes portant la note "privé" et montrant Marie Høeg, Bolette Berg ainsi que leurs frères et sœurs et leurs amis* posant devant l'objectif. Ces photos n'avaient rien de commun avec la photographie de portrait traditionnelle. Composées de manière ludique, humoristique et pleine de joie de vivre, ces photographies transmettent une remise en question radicale et insolente des idéaux de féminité du 19e et du début du 20e siècle ainsi que des rôles sexuels de l'époque. Ce qui est étonnant, c'est l'actualité du langage visuel et la confrontation visuelle avec le thème, comparable à la pratique artistique contemporaine. Avec humour et fraîcheur, les deux photographes reprennent des stéréotypes et les transforment en photographies frivoles à l'aide d'accessoires et de costumes.

L'approche moderne des photographes* témoigne d'une confiance en soi, d'une confrontation ludique avec les normes sociales ; en même temps, l'héritage montre clairement que les prises de vue n'étaient destinées, de leur vivant, qu'à un usage privé et non public. L'atelier photographique était le safe space, le lieu sûr où les protagonistes* des visuels pouvaient se présenter de manière autodéterminée.

Le Preus Museum, le musée national norvégien de la photographie e, gère l'héritage de Marie Høeg et Bolette Berg et possède les négatifs sur verre originaux dans sa collection. L'exposition au f³ - freiraum für fotografie présente des reproductions numériques de ce matériel unique, qui sera ainsi exposé pour la première fois en Allemagne.

La mostra LIKE A WHIRLWIND - The Genderplays of Marie Høeg & Bolette Berg presenta fotografie uniche di travestiti della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.

Le fotografe Bolette Berg e Marie Høeg fondarono lo studio fotografico Berg & Høeg nella città di Horten, nel sud della Norvegia, nel 1894. La coppia trascorse l'intera vita adulta lavorando e vivendo insieme. Pubblicarono le loro fotografie di ritratti e paesaggi piuttosto convenzionali come cartoline. I norvegesi raggiunsero fama internazionale postuma grazie ai loro primi esperimenti fotografici sui ruoli di genere, che sono probabilmente considerati a ragione come la prima esplorazione fotografica così complessa del tema del cross-dressing.

Quando il loro patrimonio fu messo all'asta negli anni Settanta, il collezionista norvegese Leif Preus acquistò i negativi su vetro dei due fotografi. Oltre a fotografie di paesaggi e riproduzioni di opere d'arte, c'erano due scatole etichettate come "private" che mostravano Marie Høeg, Bolette Berg e i loro fratelli e amici in posa davanti alla macchina fotografica. Questi scatti non hanno nulla in comune con la tradizionale fotografia di ritratto. Le fotografie, giocose, umoristiche e gioiosamente composte, mettono radicalmente e sfacciatamente in discussione gli ideali di femminilità del XIX e dell'inizio del XX secolo e i ruoli di genere dell'epoca. L'attualità delle immagini e l'esplorazione visiva del tema, paragonabile alla pratica artistica contemporanea, è sorprendente. I due fotografi riprendono gli stereotipi in modo spiritoso e fresco e li trasformano in fotografie frivole con l'aiuto di oggetti di scena e costumi.

L'approccio moderno dei fotografi testimonia la loro fiducia in se stessi e il confronto giocoso con le norme sociali; allo stesso tempo, la proprietà chiarisce che le fotografie erano destinate solo a un uso privato durante la loro vita, non al pubblico. Lo studio fotografico era lo spazio sicuro, il luogo sicuro in cui i protagonisti delle immagini potevano presentarsi in modo autodeterminato.

Il Preus Museum, il Museo Nazionale Norvegese della Fotografia, gestisce la proprietà di Marie Høeg e Bolette Berg e possiede i negativi originali in vetro della sua collezione. La mostra al f³ - freiraum für fotografie presenta riproduzioni digitali di questo materiale unico, che sarà esposto per la prima volta in Germania.

The exhibition LIKE A WHIRLWIND – The Gender Plays by Marie Høeg & Bolette Berg presents unique cross-dressing photographs from the late 19th and early 20th centuries.

The photographers Bolette Berg and Marie Høeg founded the Berg & Høeg photo studio in the southern Norwegian town of Horten in 1894. The couple spent their entire adult lives working and living together. They published their fairly conventional portrait and landscape photographs as postcards. The Norwegians achieved international fame posthumously through their early photographic experiments with gender roles, which are probably rightly regarded as the first such complex photographic examination of the subject of cross-dressing.

When their estate was auctioned off in the 1970s, the Norwegian collector Leif Preus acquired the glass negatives of the two photographers. In addition to photographs of landscapes and reproductions of artworks, there were two boxes labeled "private" showing Marie Høeg, Bolette Berg and their siblings and friends posing in front of the camera. These shots had nothing in common with traditional portrait photography. Playful, humorous and full of joie de vivre, the photographs radically and cheekily question the ideals of femininity of the 19th and early 20th centuries as well as the gender roles of the time. The topicality of the imagery and the visual exploration of the theme, which is comparable to contemporary artistic practice, is astonishing. The two photographers take up stereotypes in a witty and fresh way and transform them into frivolous photographs with the help of props and costumes.

The modern approach of the photographers testifies to their self-confidence and a playful examination of social norms; at the same time, the estate makes it clear that the photographs were only intended for private use during their lifetime, not for the public. The photographic studio was the safe space, where the protagonists of the pictures could present themselves in a self-determined manner.

Th e Preus Museum, the Norwegian National Museum of Photography, manages the estate of Marie Høeg and Bolette Berg and owns the original glass negatives in its collection. Th e exhibition at f³ – freiraum für fotografie shows digital reproductions of this unique material, which will be on display in Germany for the first time.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Kunsthalle Erfurt
1. September - 10. November 2024

Herlinde Koelbl

Herlinde Koelbl zählt zu den bekanntesten Fotokünstlerinnen in Deutschland. Ihr Interesse gilt dem Menschen in seinem kulturellen Umfeld, seinem Alltag, seiner Körperlichkeit und Individualität. Mit klug konzeptionierten fotografischen Langzeitstudien wie „Das deutsche Wohnzimmer“, „Männer“, „Starke Frauen“, „Jüdische Porträts“ und „Spuren der Macht – Die Verwandlung des Menschen durch das Amt“ zeigt sie sich als wichtige Chronistin unserer Zeit.

Herlinde Koelbl compte parmi les artistes photographes les plus connus d'Allemagne. Elle s'intéresse à l'être humain dans son environnement culturel, son quotidien, sa corporalité et son individualité. Avec des études photographiques à long terme intelligemment conçues comme "Das deutsche Wohnzimmer", "Männer", "Starke Frauen", "Jüdische Porträts" et "Spuren der Macht - Die Verwandlung des Menschen durch das Amt", elle se révèle être une chroniqueuse importante de notre époque.

Herlinde Koelbl è una delle artiste fotografiche più conosciute in Germania. Si interessa alle persone nel loro ambiente culturale, alla loro vita quotidiana, alla loro fisicità e individualità. Con studi fotografici a lungo termine sapientemente concepiti, come "Il salotto tedesco", "Uomini", "Donne forti", "Ritratti ebraici" e "Tracce di potere - La trasformazione dell'uomo attraverso l'ufficio", si dimostra un'importante cronista dei nostri tempi.

Herlinde Koelbl is one of the best-known photo artists in Germany. She is interested in people in their cultural environment, their everyday lives, their physicality and individuality. With cleverly conceived long-term photographic studies such as "The German Living Room", "Men", "Strong Women", "Jewish Portraits" and "Traces of Power - The Transformation of Man through the Office", she proves herself to be an important chronicler of our times.

(Text: Kunsthalle Erfurt)

Deichtorhallen | Hamburg
7. September 2023 – 26. Januar 2025

Tactics & Mythologies
Andrea Orejarena & Caleb Stein

Diese erste europäische Einzelausstellung des New Yorker Duos Andrea Orejarena (*1994, Kolumbien) und Caleb Stein (*1994, UK) präsentiert fotografische und filmische Arbeiten, die sich mit Praktiken der Simulation und Narrativen der Desinformation auseinandersetzen.

Das Künstlerduo Andrea Orejarena, Kognitionswissenschaftlerin und Fotografin, und Caleb Stein, Dokumentarfotograf, ist bekannt für ihre konzeptuell-dokumentarischen Projekte, zu individueller Wahrnehmung und kollektiver Wirklichkeitskonstruktion. Ihre Arbeiten werden u.a. in den New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, und Wallpaper* publiziert.

Da ein wachsendes Misstrauen in die Unterscheidung von Realität und Fiktion unsere Gegenwart prägt, begab sich das Duo seit 2020 auf Social Media und fotografisch auf Erkundungstour. Entstanden ist ein erstes Archiv mit über 1.500 Fotografien und aktuellen Bildformen, das den Einfluss von Verschwörungsnarrativen auf die amerikanische Gesellschaft und die individuelle Wahrnehmung manifestiert.

Dieses Archiv fotografischer Formen von »alternative facts« tritt in der Installation American Glitch in Dialog mit den Landschaftsaufnahmen von Orejarena & Stein, die vermeintlichen Schauplätze von verschwörungstheoretischen Ereignissen dokumentieren und decodieren. Durch ihr Aufgreifen von Traditionen wie Roadtrips und Street Photography verwebt American Glitch Kontinuitäten aus der amerikanischen Fotogeschichte mit den neuen Phänomenen zeitgenössischer Online-Kultur.

Bereits seit ihrem Projekt Long Time No See (2018-2020) arbeitet das Duo an der drängenden Frage, welche Rolle die Fotografie für das Wechselverhältnis von Wahrnehmung und Imagination heute spielen kann. Long Time No See entstand zusammen mit jungen vietnamesischen Künstler*innen sowie Veteranen in Hanoi und zeichnet die künstlerische Auseinandersetzung mit den heutigen Erinnerungen und Folgen des Vietnamkrieges nach. In poetischen Porträts und Landschaftsansichten zeigt Long Time No See eine visuelle Spurensuche nach den Zwischentönen dissonanter Geschichtsschreibungen und Bildformen zwischen Dokumentation und subjektiver Wahrnehmung.

Die neue Ausstellungsreihe VIRAL HALLUCINATIONS adressiert das Spannungsfeld dokumentarischer Strategien in einer global vernetzten »Post-Wahrheit-Ära«.

Kuratorin: Nadine Isabelle Henrich, Kuratorin Haus der Photographie

Cette première exposition individuelle européenne du duo new-yorkais Andrea Orejarena (*1994, Colombie) et Caleb Stein (*1994, Royaume-Uni) présente des travaux photographiques et cinématographiques qui explorent les pratiques de simulation et les récits de désinformation.

Le duo d'artistes Andrea Orejarena, spécialiste des sciences cognitives et photographe, et Caleb Stein, photographe documentaire, est connu pour ses projets conceptuels et documentaires, sur la perception individuelle et la construction collective de la réalité. Leurs travaux sont publiés entre autres dans le New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia et Wallpaper*.

Comme une méfiance croissante à l'égard de la distinction entre réalité et fiction caractérise notre présent, le duo s'est lancé depuis 2020 dans une exploration des médias sociaux et de la photographie. Il en résulte une première archive de plus de 1 500 photographies et formes d'images actuelles qui manifestent l'influence des récits de conspiration sur la société américaine et la perception individuelle.

Dans l'installation American Glitch, ces archives de formes photographiques de "faits alternatifs" entrent en dialogue avec les photos de paysages d'Orejarena & Stein, qui documentent et décodent les lieux supposés d'événements conspirationnistes. En s'inspirant de traditions telles que les road-trips et la street photography, American Glitch entrelace les continuités de l'histoire de la photographie américaine avec les nouveaux phénomènes de la culture en ligne contemporaine.

Depuis leur projet Long Time No See (2018-2020), le duo travaille sur la question urgente du rôle que la photographie peut jouer aujourd'hui dans l'interaction entre la perception et l'imagination. Long Time No See a été réalisé en collaboration avec de jeunes artistes vietnamiens* ainsi que des vétérans à Hanoi et retrace la confrontation artistique avec les souvenirs et les conséquences actuelles de la guerre du Vietnam. À travers des portraits poétiques et des vues de paysages, Long Time No See montre une recherche visuelle des nuances d'écritures historiques dissonantes et de formes d'images entre documentation et perception subjective.

La nouvelle série d'expositions VIRAL HALLUCINATIONS aborde le champ de tension des stratégies documentaires dans une "ère post-vérité" globalement interconnectée.

Commissaire d'exposition : Nadine Isabelle Henrich, conservatrice Haus der Photographie

La prima mostra personale europea del duo newyorkese Andrea Orejarena (*1994, Colombia) e Caleb Stein (*1994, Regno Unito) presenta opere fotografiche e cinematografiche che affrontano pratiche di simulazione e narrazioni di disinformazione.

Il duo di artisti Andrea Orejarena, scienziata cognitiva e fotografa, e Caleb Stein, fotografo documentarista, sono noti per i loro progetti di documentari concettuali sulla percezione individuale e la costruzione collettiva della realtà. Il loro lavoro è stato pubblicato, tra gli altri, da New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia e Wallpaper*.

Poiché il nostro presente è caratterizzato da una crescente sfiducia nella distinzione tra realtà e finzione, dal 2020 il duo esplora i social media e la fotografia. Il risultato è un primo archivio di oltre 1.500 fotografie e forme di immagine attuali che manifestano l'influenza delle narrazioni cospirative sulla società americana e sulla percezione individuale.

Nell'installazione American Glitch, questo archivio di forme fotografiche di "fatti alternativi" entra in dialogo con le fotografie di paesaggio di Orejarena & Stein, che documentano e decodificano i presunti luoghi degli eventi della teoria del complotto. Riprendendo tradizioni come i viaggi su strada e la street photography, American Glitch intreccia le continuità della storia fotografica americana con i nuovi fenomeni della cultura online contemporanea.

A partire dal progetto Long Time No See (2018-2020), il duo lavora sulla pressante questione del ruolo che la fotografia può svolgere oggi nell'interazione tra percezione e immaginazione. Long Time No See è stato realizzato insieme a giovani artisti e veterani vietnamiti ad Hanoi e traccia un esame artistico dei ricordi e delle conseguenze odierne della guerra del Vietnam. Attraverso ritratti poetici e vedute paesaggistiche, Long Time No See mostra una ricerca visiva delle sfumature di storiografie e forme visive dissonanti tra documentazione e percezione soggettiva.

La nuova serie di mostre VIRAL HALLUCINATIONS affronta il campo di tensione delle strategie documentarie in una "era della post-verità" in rete a livello globale.

Curatore: Nadine Isabelle Henrich, curatore Haus der Photographie

This first European solo exhibition by New York-based duo Andrea Orejarena (*1994, Colombia) and Caleb Stein (*1994, UK) presents photographic and filmic works that explore practices of simulation and narratives of disinformation.

The artist duo Andrea Orejarena, cognitive scientist and photographer, and Caleb Stein, documentary photographer, are known for their conceptual-documentary projects on individual perception and the collective construction of reality. Their work has been published in the New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, and Wallpaper*, among others.

As a growing distrust in the distinction between reality and fiction characterizes our present, the duo has been exploring social media and photography since 2020. The result is a first archive of over 1,500 photographs and current image forms that manifest the influence of conspiracy narratives on American society and individual perception.

In the installation American Glitch, this archive of photographic forms of "alternative facts" enters into a dialog with the landscape photographs by Orejarena & Stein, which document and decode the supposed locations of conspiracy theory events. By taking up traditions such as road trips and street photography, American Glitch interweaves continuities from American photographic history with the new phenomena of contemporary online culture.

Since their project Long Time No See (2018-2020), the duo has been working on the pressing question of what role photography can play in the interplay between perception and imagination today. Long Time No See was created together with young Vietnamese artists and veterans in Hanoi and traces the artistic examination of today's memories and consequences of the Vietnam War. In poetic portraits and landscape views, Long Time No See shows a visual search for traces of the nuances of dissonant historiographies and image forms between documentation and subjective perception.

The new exhibition series VIRAL HALLUCINATIONS addresses the field of tension of documentary strategies in a globally networked "post-truth era".

Curator: Nadine Isabelle Henrich, Curator Haus der Photographie

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

C/O Berlin
14. September 2024 – 23. Januar 2025

BERLIN – DIE 90ER JAHRE
OSTKREUZ – Agentur der Fotografen

Nach dem Mauerfall 1989 befindet sich die Stadt Berlin in einem Übergang, einem Transitraum zwischen Vergangenheit und Zukunft. Von politischen Umbrüchen, Investitionsdebatten, drängenden Wohnraumfragen und sozialer Ungleichheit geprägt, stehen die 1990er Jahre gleichzeitig für das Erblühen einer selbstbewussten, jungen Generation, die Stadträume neu für sich entdeckt. Inmitten dieser Umbruchstimmung wird 1990 die Agentur OSTKREUZ von Fotograf:innen aus der ehemaligen DDR gegründet. Gezeigt werden Arbeiten der Co-Gründer:innen Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler und Werner Mahler, sowie von Mitgliedern, die seit den 1990er Jahren Teil des renommierten Fotograf:innenkollektivs sind. Ihre zwischen 1989 und 1999 entstandenen Werke dokumentieren die prägenden und turbulenten Ereignisse unmittelbar nach der Wende, zeigen den gesellschaftlichen Wandel und Identitätsfragen der nachfolgenden Jahre. C/O Berlin präsentiert etwa 200 Fotoarbeiten, darunter ikonische Szenen sowie nie zuvor gezeigtes Archivmaterial der Fotograf:innen. Es erscheint eine begleitende Publikation.

Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit OSTKREUZ – Agentur der Fotografen.

Après la chute du mur en 1989, la ville de Berlin se trouve dans une période de transition, un espace de transit entre le passé et l'avenir. Marquées par des bouleversements politiques, des débats sur les investissements, des questions urgentes de logement et des inégalités sociales, les années 1990 représentent en même temps l'éclosion d'une jeune génération sûre d'elle qui redécouvre les espaces urbains pour elle-même. C'est au milieu de ce bouleversement que l'agence OSTKREUZ est fondée en 1990 par des photographes de l'ex-RDA. L'exposition présente les travaux des co-fondateurs Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler et Werner Mahler, ainsi que ceux des membres qui font partie du célèbre collectif de photographes depuis les années 1990. Leurs œuvres, réalisées entre 1989 et 1999, documentent les événements marquants et turbulents qui ont suivi immédiatement la chute du mur, montrent les changements sociaux et les questions d'identité des années qui ont suivi. C/O Berlin présente environ 200 travaux photographiques, dont des scènes iconiques ainsi que des archives inédites des photographes. L'exposition est accompagnée d'une publication.

L'exposition est réalisée en coopération avec OSTKREUZ - Agentur der Fotografen.

Dopo la caduta del Muro nel 1989, la città di Berlino si è trovata in una fase di transizione, uno spazio di transito tra passato e futuro. Caratterizzati da sconvolgimenti politici, dibattiti sugli investimenti, pressanti problemi abitativi e disuguaglianze sociali, gli anni Novanta videro anche il fiorire di una generazione giovane e sicura di sé che stava riscoprendo gli spazi urbani. L'agenzia OSTKREUZ è stata fondata nel 1990 da fotografi dell'ex DDR nel bel mezzo di questo clima di sconvolgimento. In mostra sono esposte opere dei co-fondatori Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler e Werner Mahler, nonché di membri che fanno parte del rinomato collettivo di fotografi fin dagli anni Novanta. Le loro opere, realizzate tra il 1989 e il 1999, documentano gli eventi formativi e turbolenti immediatamente successivi alla caduta del Muro di Berlino e mostrano i cambiamenti sociali e i problemi di identità degli anni successivi. C/O Berlin presenta circa 200 opere fotografiche, tra cui scene iconiche e materiale d'archivio inedito dei fotografi. Verrà pubblicata una pubblicazione di accompagnamento.

La mostra è organizzata in collaborazione con OSTKREUZ - Agentur der Fotografen.

Berlin found itself in limbo after the Berlin Wall fell in 1989, caught between past and future. The city was defined by political upheaval, investment controversies, and a housing shortage, but the 1990s was also the time when a new and confident generation flourished, rediscovering the city’s spaces. Photographers from former East Germany founded the photo agency OSTKREUZ during this tumultuous era, in 1990. This exhibition includes works by agency co-founders Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler and Werner Mahler, as well as other members who joined the photographers’ collective after the 1990s. Their works, taken between 1989 and 1999, document the formative and turbulent events following the fall of the Wall, revealing societal transformations and questions around identity. C/O Berlin will show roughly 200 photoworks, including both iconic scenes and the photographers‘ previously unseen archival material. An accompanying publication will be published.

The exhibition is organized in cooperation with OSTKREUZ – Agentur der Fotografen.

(Text: C/O Berlin)

Kulturforum | Berlin
15. November 2024 – 16. März 2025

Rico Puhlmann – Berlin / New York - Mode – Beauty – Porträts

Rico Puhlmann (1934-1996) zählte international zu den renommiertesten Modefotograf*innen; er prägte das Modebild seiner Zeit.

Gestartet als gefragter Kinderdarsteller beim Film, fand Puhlmann seinen Einstieg in die Branche der Modemagazine als Illustrator, bevor er erst in Berlin, dann von New York aus Covermotive und Editorials für die weltweit auflagenstärksten Modejournale schuf. Ein tödlicher Flugzeugabsturz beendete abrupt seine Karriere.

Seine Fotografien dokumentieren über vier Dekaden zentrale Themen der Modegeschichte: Modetrends wie der legendäre Berliner Chic der Nachkriegszeit oder die New Yorker Sports- und Streetwear der 70er und sich damit ändernde Dresscodes, die Entwicklung im Selbstverständnis des Model-Berufs, ein sich wandelndes Frauen- und Männerbild, die Verbreitung von Schönheitsidealen, welche Diversität nicht repräsentierten, sowie Akteur*innen und Selektionsmechanismen, die bei der Aufnahme der Bilder in auflagenstarke Magazine und damit ins kollektive Gedächtnis federführend waren.

Rico Puhlmann (1934-1996) comptait parmi les photographes de mode les plus renommés au niveau international ; il a marqué l'image de la mode de son époque.

Après avoir débuté comme enfant acteur très demandé au cinéma, Puhlmann a fait ses débuts dans le secteur des magazines de mode en tant qu'illustrateur, avant de créer, d'abord à Berlin, puis depuis New York, des motifs de couverture et des éditoriaux pour les journaux de mode aux plus forts tirages du monde. Un accident d'avion mortel a mis brutalement fin à sa carrière.

Ses photographies documentent sur quatre décennies des thèmes centraux de l'histoire de la mode : les tendances de la mode comme le légendaire chic berlinois de l'après-guerre ou le sport et le streetwear new-yorkais des années 70 et les codes vestimentaires qui en découlent, l'évolution de l'image de soi du métier de mannequin, l'image changeante de la femme et de l'homme, la diffusion d'idéaux de beauté qui ne représentent pas la diversité, ainsi que les acteurs et les mécanismes de sélection qui ont joué un rôle prépondérant dans la reprise des visuels dans les magazines à grand tirage et donc dans la mémoire collective.

Rico Puhlmann (1934-1996) è stato uno dei fotografi di moda più rinomati a livello internazionale e ha plasmato l'immagine della moda del suo tempo.

Partito come ricercato attore bambino nel cinema, Puhlmann è entrato nel settore delle riviste di moda come illustratore prima di creare motivi di copertina ed editoriali per le riviste di moda a più alta tiratura del mondo, prima a Berlino e poi a New York. Un incidente aereo fatale ha posto fine alla sua carriera.

Le sue fotografie documentano temi centrali della storia della moda nell'arco di quattro decenni: le tendenze della moda, come il leggendario chic berlinese del dopoguerra o lo sport e lo streetwear newyorkese degli anni Settanta e i conseguenti cambiamenti nei codici di abbigliamento, l'evoluzione dell'immagine di sé della professione di modella, il cambiamento dell'immagine di donne e uomini, la diffusione di ideali di bellezza che non rappresentavano la diversità, nonché gli attori e i meccanismi di selezione che hanno svolto un ruolo di primo piano nell'inserimento delle immagini nelle riviste ad alta tiratura e quindi nella memoria collettiva.

Rico Puhlmann (1934–96) was one of the most internationally renowned fashion photographers of his time, heavily influencing our image of fashion in his era.

Having started out as a successful child actor in films, Puhlmann got his first chance in the field of fashion magazines as an illustrator, before moving onto cover shoots and editorial work for the world’s biggest fashion periodicals, first in Berlin, and later in New York. A fatal plane crash put an abrupt end to his career. His photographs document some of the central themes in the industry across four decades of fashion history: trends like the legendary Berlin chic of the post-war years, or the New York sports- and streetwear of the ’70s and the changes in dress codes that went along with it, the evolution of modelling as a career, constantly shifting images of femininity and masculinity, the spread of beauty ideals that did not represent diversity, as well as protagonists and prevailing selection mechanisms when it came to choosing pictures for major magazines, ensuring they would enter the collective consciousness.

(Text: Kulturforum, Berlin)

Neue Nationalgalerie | Berlin
23. November 2024 – 23. Februar 2025

Nan Goldin. This Will Not End Well

Die Neue Nationalgalerie präsentiert in der oberen Halle Nan Goldin mit der Retrospektive „This Will Not End Well". Sechs Räume zeigen ihre Werke in Form von Diashows und Filmprojektionen, die mit Ton und Musik unterlegt sind. Goldins Werke erzählen Geschichten über Liebe, Intimität, Sucht und Verlust. Mit teils zärtlichen Momentaufnahmen von Intimität und Beziehungen, Alltag, wilden Partys und dem Kampf zwischen Sucht und Unabhängigkeit prägt Goldin die Wahrnehmung ihrer Zeit bis heute. Durch den Fokus auf Diashows und Videoinstallationen geht die Ausstellung zurück zu den Wurzeln von Goldins künstlerischer Praxis. Die Diashows versteht Goldin, die immer Filmemacherin sein wollte, als Filmstills. „This Will Not End Well" greift damit erstmals Goldins ursprüngliche Vision auf, wie Betrachter*innen ihre Kunst erleben sollten. Die Ausstellung tourt durch folgende Museen: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Mailand, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie présente Nan Goldin dans le hall supérieur avec la rétrospective "This Will Not End Well". Six salles présentent ses œuvres sous forme de diaporamas et de projections de films, accompagnés de son et de musique. Les œuvres de Goldin racontent des histoires d'amour, d'intimité, de dépendance et de perte. Avec des instantanés parfois tendres de l'intimité et des relations, du quotidien, des fêtes endiablées et de la lutte entre addiction et indépendance, Goldin marque encore aujourd'hui la perception de son époque. En se concentrant sur les diaporamas et les installations vidéo, l'exposition revient aux racines de la pratique artistique de Goldin. Goldin, qui a toujours voulu être cinéaste, considère les diaporamas comme des extraits de films. "This Will Not End Well" reprend ainsi pour la première fois la vision initiale de Goldin sur la manière dont les spectateurs* devraient vivre son art. L'exposition est en tournée dans les musées suivants : Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum à Amsterdam, Neue Nationalgalerie à Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie presenta Nan Goldin con la retrospettiva "This Will Not End Well" nella sala superiore. In sei sale sono esposte le sue opere sotto forma di diapositive e proiezioni cinematografiche accompagnate da suoni e musica. Le opere di Goldin raccontano storie di amore, intimità, dipendenza e perdita. Con istantanee talvolta tenere dell'intimità e delle relazioni, della vita quotidiana, delle feste sfrenate e della lotta tra dipendenza e indipendenza, Goldin continua ancora oggi a plasmare la percezione del suo tempo. Concentrandosi su presentazioni e installazioni video, la mostra torna alle radici della pratica artistica di Goldin. Goldin, che ha sempre desiderato essere un regista, vede le diapositive come fotogrammi di film. "This Will Not End Well" riprende quindi la visione originale di Goldin su come gli spettatori dovrebbero sperimentare la sua arte per la prima volta. La mostra è in tournée nei seguenti musei: Moderna Museet di Stoccolma, Stedelijk Museum di Amsterdam, Neue Nationalgalerie di Berlino, Pirelli Hangar Bicocca di Milano, Grand Palais di Parigi.

The upper hall of the Neue Nationalgalerie will host a retrospective on the work of Nan Goldin titled This Will Not End Well. Across six rooms, Goldin’s work will be featured by way of slide shows and film projections accompanied by soundtracks and music. Goldin’s works tell stories about love, intimacy, addiction and loss. With her sometimes tender snapshots of intimacy and relationships, everyday life, wild parties and the struggle between autonomy and dependency, Goldin continues to shape our perception of our times. Through its focus on slide shows and video installations, the exhibition goes back to the roots of Goldin’s artistic practice. Goldin, who always wanted to be a filmmaker, conceives of her slide shows as film stills. This Will Not End Well thus ties in with Goldin’s original vision of how audiences should interact with her art. The exhibition will be travelling to the following museums: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, and the Grand Palais, Paris.

(Text: Neue Nationalgalerie, Berlin)

Museum für Fotografie | Berlin
28. November 2024 – 25. Mai 2025

Polaroids

Das Polaroid-Verfahren hat die Fotografie revolutioniert. Wer diese Kamera jemals benutzt hat, wird den Geruch der Entwicklungsemulsion und die Faszination für das Sofortbild nicht vergessen. Auch Helmut Newton liebte es, mit der Polaroid-Kamera zu fotografieren. Er hat die Technik seit den 1970er Jahren intensiv genutzt, insbesondere während der Shootings für seine Modeaufträge. Dahinter stand, wie er es selbst einmal in einem Interview nannte, das ungeduldige Verlangen, sofort wissen zu wollen, wie die Situation als Bild aussieht.

Ein Polaroid entspricht in diesem Zusammenhang einer Ideenskizze und dient zugleich der Überprüfung der konkreten Lichtsituation und Bildkomposition. Gleichzeitig übten die Polaroid-Aufnahmen insbesondere aufgrund ihrer Objekthaftigkeit und der Möglichkeit, das Bild experimentell weiterzuverwenden, einen großen Reiz auf viele künstlerisch arbeitende Fotografen aus.

Und so werden die Polaroids von Helmut Newton durch die Werke zahlreicher Kolleg*innen ergänzt, beispielsweise von Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti und Hannah Villiger. Diese Gruppenausstellung vereint die unterschiedlich verwendeten Techniken des Polaroid-Verfahrens in den verschiedensten Formaten, jeweils als Werkgruppe der ausgewählten Fotograf*innen.

Le procédé Polaroid a révolutionné la photographie. Quiconque a déjà utilisé cet appareil n'oubliera jamais l'odeur de l'émulsion de développement et la fascination pour la photo instantanée. Helmut Newton aimait lui aussi prendre des photos avec un appareil Polaroid. Il a utilisé cette technique de manière intensive depuis les années 1970, notamment lors des shootings pour ses commandes de mode. Derrière cette pratique, il y avait, comme il l'a dit lui-même un jour dans une interview, l'envie impatiente de savoir immédiatement à quoi ressemblait la situation en tant que visuel.

Dans ce contexte, un polaroïd correspond à une esquisse d'idée et sert en même temps à vérifier la situation concrète de la lumière et la composition de l'image. Parallèlement, les Polaroïds ont exercé un grand attrait sur de nombreux photographes artistiques, notamment en raison de leur caractère d'objet et de la possibilité de réutiliser le visuel de manière expérimentale.

C'est ainsi que les polaroïds d'Helmut Newton sont complétés par les œuvres de nombreux collègues*, comme Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti et Hannah Villiger. Cette exposition de groupe réunit les différentes techniques utilisées du procédé Polaroid dans les formats les plus divers, à chaque fois en tant que groupe d'œuvres des photographes* sélectionnés.

Il processo Polaroid ha rivoluzionato la fotografia. Chiunque abbia usato questa macchina fotografica non dimenticherà mai l'odore dell'emulsione che si sviluppa e il fascino dell'immagine istantanea. Anche Helmut Newton amava fotografare con la Polaroid. Ha utilizzato questa tecnologia in modo intensivo a partire dagli anni Settanta, soprattutto durante i servizi fotografici per le sue commissioni di moda. Come lui stesso ha dichiarato in un'intervista, ciò era dovuto al desiderio impaziente di sapere immediatamente come sarebbe apparsa la situazione sotto forma di immagine.

In questo contesto, una Polaroid corrisponde a uno schizzo di un'idea e serve allo stesso tempo a verificare la situazione specifica di illuminazione e la composizione dell'immagine. Allo stesso tempo, le Polaroid esercitano un grande fascino su molti fotografi artistici, soprattutto per la loro qualità di oggetto e per la possibilità di utilizzare l'immagine in modo sperimentale.

Così alle Polaroid di Helmut Newton si affiancano le opere di numerosi colleghi, come Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti e Hannah Villiger. Questa mostra collettiva riunisce le varie tecniche utilizzate nel processo Polaroid in un'ampia gamma di formati, ciascuno come gruppo di opere dei fotografi selezionati.

The technology of the Polaroid camera revolutionised photography. Anybody who has ever used one of these cameras will never forget the smell of the developing emulsion and the fascination inspired by its instant photographs. Helmut Newton also loved taking photographs with a Polaroid. From the 1970s onwards, he used these devices extensively, particularly during his fashion shoots. As he once said in an interview, he was motivated by the impatient desire to immediately know how the scene looked as a picture.

In this sense, a Polaroid is a little like a conceptual sketch, and also helps to check the lighting and image composition. At the same time, Polaroid snapshots possessed significant allure for many artistic photographers, particularly because of their objecthood and the possibility of experimentally reusing the image.

So this exhibition does not just feature the Polaroids of Helmut Newton, but also works by numerous colleagues, such as Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti and Hannah Villiger. This group exhibition brings together the various techniques of working with the Polaroid camera in the most diverse formats, with each photographer represented with a group of works.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

Deichtorhallen | Hamburg
30. November 2024 – 4. Mai 2025

Nan Goldin – Werke aus der Sammlung F.C. Gundlach

Nan Goldins (* 1953 in Washington, D.C.) Werk zeichnet sich durch eine einzigartige und eindringliche Darstellung von Intimität, Liebe und gesellschaftlichen Randgruppen aus. Ihre Fotografien sind nicht nur Dokumentationen von Momenten, sondern auch tief emotionale Erzählungen, die das menschliche Dasein in all seinen Facetten einfangen.

Nan Goldins Herangehensweise an die Fotografie ist geprägt von Nähe und Vertrautheit. Goldin taucht in die Welten ihrer Freunde und Liebhaber ein und dokumentiert deren Leben mit einer Authentizität, die oft roh und ungeschminkt ist. Goldins Arbeiten zeichnen sich so durch eine ungeschönte und dennoch empathische Darstellung von Liebe, Schmerz, Verletzlichkeit und Ekstase aus. Ihre Serien sind visuelle Chroniken ihres sozialen Umfelds, geprägt von persönlichen Beziehungen und von denHöhen und Tiefen des Lebens. Dabei spielt sie mit Licht und Farben, um emotionale Atmosphären zu schaffen, die über das Visuelle hinausgehen und tief in die Psyche der Porträtierten eindringen.

Eine besondere Beziehung bestand zu dem Sammler und Fotografen F.C. Gundlach. Er überzeugte Nan Goldin nach eigenen Angaben davon großformatige Abzüge ihrer Diapositive zu produzieren. Die in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren entstandenen Arbeiten realisierte der Sammler in direkter Zusammenarbeit mit der Künstlerin in seiner Firma PPS in Hamburg im Cibachromeverfahren. Die von Sabine Schnakenberg kuratierte Ausstellung zeigt nicht nur deutlich die pragmatische Förderung der Künstlerin durch den Sammler mittels der Produktion der Prints, sondern auch eine Erweiterung ihrer Präsentationsform unter anderem für museale und ausstellende Institutionen, aber auch den Kunstmarkt.

Parallel und in inhaltlicher Korrespondenz zur Ausstellung von Franz Gertsch in den Hamburger Deichtorhallen können über 100 Arbeiten von Nan Goldin aus dem Bestand der Sammlung F.C. Gundlach gezeigt werden.

Kuratorin: Dr. Sabine Schnakenberg, Kuratorin der Sammlung F.C. Gundlach am Haus der Photographie

L'œuvre de Nan Goldin (née en 1953 à Washington, D.C.) se caractérise par une représentation unique et percutante de l'intimité, de l'amour et des groupes sociaux marginaux. Ses photographies ne sont pas seulement des documentations de moments, mais aussi des récits profondément émotionnels qui capturent l'existence humaine sous toutes ses facettes.

L'approche de Nan Goldin en matière de photographie est marquée par la proximité et la familiarité. Goldin s'immerge dans les univers de ses amis et amants et documente leur vie avec une authenticité souvent brute et sans fard. Le travail de Goldin se caractérise ainsi par une représentation sans fard mais empathique de l'amour, de la douleur, de la vulnérabilité et de l'extase. Ses séries sont des chroniques visuelles de son environnement social, marquées par des relations personnelles et par les hauts et les bas de la vie. Elle joue avec la lumière et les couleurs pour créer des atmosphères émotionnelles qui vont au-delà de l'aspect visuel et pénètrent profondément dans la psyché des sujets.

Une relation particulière existait avec le collectionneur et photographe F.C. Gundlach. Selon ses propres dires, il a convaincu Nan Goldin de produire des tirages grand format de ses diapositives. Le collectionneur a réalisé ces travaux, réalisés à la fin des années 1980 et au début des années 1990, en collaboration directe avec l'artiste dans sa société PPS à Hambourg, selon le procédé cibachrome. L'exposition organisée par Sabine Schnakenberg montre non seulement clairement la promotion pragmatique de l'artiste par le collectionneur au moyen de la production des tirages, mais aussi un élargissement de sa forme de présentation, entre autres pour les institutions muséales et d'exposition, mais aussi pour le marché de l'art.

Parallèlement à l'exposition de Franz Gertsch aux Deichtorhallen de Hambourg et en correspondance avec son contenu, plus de 100 œuvres de Nan Goldin issues de la collection F.C. Gundlach peuvent être présentées.

Curatrice : Dr. Sabine Schnakenberg, conservatrice de la collection F.C. Gundlach à la Haus der Photographie

Il lavoro di Nan Goldin (* 1953 a Washington, D.C.) è caratterizzato da un ritratto unico e ossessionante dell'intimità, dell'amore e dei gruppi sociali emarginati. Le sue fotografie non sono solo documentazioni di momenti, ma anche narrazioni profondamente emotive che catturano la condizione umana in tutte le sue sfaccettature.

L'approccio di Nan Goldin alla fotografia è caratterizzato da vicinanza e intimità. Goldin si immerge nei mondi dei suoi amici e amanti e documenta le loro vite con un'autenticità spesso cruda e disadorna. Le opere di Goldin sono quindi caratterizzate da una rappresentazione non abbellita ma empatica dell'amore, del dolore, della vulnerabilità e dell'estasi. Le sue serie sono cronache visive del suo ambiente sociale, caratterizzato da relazioni personali e dagli alti e bassi della vita. Gioca con la luce e il colore per creare atmosfere emotive che vanno oltre l'aspetto visivo e penetrano in profondità nella psiche delle persone ritratte.

Ha avuto un rapporto speciale con il collezionista e fotografo F.C. Gundlach. Secondo Nan Goldin, egli la convinse a produrre stampe di grande formato delle sue diapositive. Le opere create alla fine degli anni '80 e all'inizio degli anni '90 sono state realizzate dal collezionista in diretta collaborazione con l'artista presso la sua azienda PPS di Amburgo, utilizzando il processo Cibachrome. La mostra, curata da Sabine Schnakenberg, non solo mostra chiaramente la promozione pragmatica dell'artista da parte del collezionista attraverso la produzione delle stampe, ma anche un'espansione della sua forma di presentazione per le istituzioni museali ed espositive e per il mercato dell'arte.

Parallelamente alla mostra di Franz Gertsch nella Deichtorhallen di Amburgo e corrispondente nei contenuti, si potranno ammirare oltre 100 opere di Nan Goldin provenienti dalla Collezione F.C. Gundlach.

Curatore: Dr. Sabine Schnakenberg, Curatore della Collezione F.C. Gundlach presso la Casa della Fotografia

Nan Goldin's (* 1953 in Washington, D.C.) work is characterized by a unique and haunting portrayal of intimacy, love and marginalized social groups. Her photographs are not only documentations of moments, but also deeply emotional narratives that capture the human condition in all its facets.

Nan Goldin's approach to photography is characterized by closeness and intimacy. Goldin immerses herself in the worlds of her friends and lovers, documenting their lives with an authenticity that is often raw and unadorned. Goldin's works are thus characterized by an unembellished yet empathetic portrayal of love, pain, vulnerability and ecstasy. Her series are visual chronicles of her social environment, characterized by personal relationships and the highs and lows of life. She plays with light and color to create emotional atmospheres that go beyond the visual and penetrate deep into the psyche of those portrayed.

She had a special relationship with the collector and photographer F.C. Gundlach. According to Nan Goldin, he convinced her to produce large-format prints of her slides. The works created in the late 1980s and early 1990s were realized by the collector in direct collaboration with the artist at his company PPS in Hamburg using the Cibachrome process. The exhibition, curated by Sabine Schnakenberg, not only clearly shows the pragmatic promotion of the artist by the collector through the production of the prints, but also an expansion of her form of presentation for museum and exhibition institutions as well as the art market.

Parallel to and in correspondence with the exhibition by Franz Gertsch in Hamburg's Deichtorhallen, over 100 works by Nan Goldin from the F.C. Gundlach Collection can be shown.

Curator: Dr. Sabine Schnakenberg, Curator of the F.C. Gundlach Collection at the House of Photography

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)